La Canción De La Semana "Un Viaje Más" Gemm.B

 

El pasado 26 de diciembre fuimos al Port Vell de Barcelona. Uno de mis colegas llevaba casi una semana diciendo que ese día ofrecían un concierto un grupo que había visto durante el verano y que le había encantado. Se llamaban "Versión Imposible" y hacían versiones de temas famosos, combinando música y buen rollo sobre el escenario.

Llegamos al lugar y veo que se anunciaban como "David Moreno amb Albert Faz i Gemma Fusté". David Moreno es la voz principal y principal animador del grupo y Albert Faz es guitarrista y Gemma Fusté la voz femenina. Era un concierto en modo acústico, tan solo estaba Albert Faz con su guitarra y un pedal de percusión y las 2 voces de David y Gemma.

En la presentación David Moreno ya dejó claro que es una especie de showman con más tiros pegados que Rambo y que el humor iba a ser parte importante del show pero una vez comenzó a cantar (imitaciones a parte) te das cuenta de que el muchacho también canta y lo hace de manera más que aceptable. Vamos; es bueno y como un todo es muy bueno.

Y luego estaba Gemma Fusté. Una chica rubia ataviada con unos pantalones de cuero y un gran abrigo (tampoco hacía tanto frio) que tenía carita de ángel, y lo primero que piensas (lo siento; soy un hombre) es que es la cuota de belleza necesaria hoy en día en cualquier espectáculo pero cuando le llegó su turno te tiene que tragar tus pensamientos y dejarte llevar por la belleza de su voz. Primero fueron coritos que sonaban muy bajo pero luego Moreno le dio su espacio para brillar y Gemma se marcó un "All I Want For Xmas Is You" de la Diva Carey y ojito con el regalazo que se pegó en su versión. Luego vendría otro "cover" esta vez de Adele y el resultado volvió a ser de 10.

Moreno anunció, ya que ella parece extremadamente tímida, que ella tenía nuevo primer single y que lo podíamos escuchar en YouTube, Spotify o iTunes y que se llamaba "Un Viaje Más".

El concierto estuvo genial y ya lo tenemos como algo a hacer en este 2023; ir a verlos en versión total, sin modo acústico, para disfrutar de toda la banda y de todo el repertorio.

Al día siguiente entré a YouTube para escuchar el tema de Gemma pero fue más por cumplir porque no me esperaba para nada lo que me iba a encontrar, pensaba que sería el típico tema pop más bien chorra y no la pequeña joya de R&b de antaño, de cuando se hacía buena música, que me encontré.

Gemma Fusté pasaba a llamarse Gemma.B y aunque la cara angelical seguía ahí, ahora llevaba una actitud un poco más "de malota", moviendo la cabeza y gesticulando, como cuando te cantan las 40...

La canción se llama "Un Viaje Más" y suena bien, realmente bien. Se nota que detrás está gente con mucha calidad (luego he descubierto que es Abel Jazz) y que sabe lo que hace. Este Abel Jazz es un tío del que ya escuché producciones suyas hará unos 8 o 9 años y el tío controlaba mucho aunque por otro lado también veo que ha convertido su Don en la música en otra cosa, pero entiendo que hay que vivir y te tienes que buscar la vida como sea...

El tema está en un tempo molón, para gustarse y gustar, me recuerda al r&b de los primeros 90 cuando aún no había llegado el hip hop para joderlo todo y llenarse los discos de raperos sin ningún tipo de talento y matar la melodía. Me recuerda a Brandy, a Mónica, también al r&b inglés que sonaba más musical, como con más instrumentos. Aquí hay guitarras y bajos, hay un sonido de sinte que dibuja una pequeña melodía, hay efectos de sonido propios de esos años y hay unos cambios muy chulos cuando terminan los estribillos.

Y sobre todo hay voz. Gemma o Gemm.B está contenida en las primeras estrofas pero va dejando detalles para que sigas ahí porque sabes que llegará el momento en el que saque más de lo que te está enseñando y ese momento llega cuando queda 1 minuto de canción y ahí la chica tímida del escenario saca esa preciosa voz en todo su esplendor para darte caramelos en forma de notas. Y cuando estás volando se acaba y te dejas con ganas de saber que más te puede dar, por lo que espero que este primer single sea la avanzadilla de un disco entero y que el resto tenga mucho más de esto mismo. El R&b en España y en español hace años que está de capa caída. Necesitamos más.

"UN VIAJE MÁS"

Gemm.B

One Hit Wonders; 31 Días, 31 Triunfos Pasajeros

 

#31

PATRICK HERNANDEZ

"Born To Be Alive"

Y llegamos al último día del año y también a la última canción de esta selección de "One Hit Wonders" de los años 70. ¿Haré el año que viene una sobre los años 80? Ya se verá.

Para terminar lo haré con algo un tanto diferente. En este caso el éxito no será basado en las 2 listas más importantes (la americana y la inglesa) ya que allí fue un éxito moderado si no en el resto del mundo donde si tuvo mucho más protagonismo.

Patrick Hernandez es un francés de padre español y madre francesa, por lo que es una especie de representación de la Comunidad Europea "haciendo las Américas"... Además su etapa de mayor éxito (o la única de éxito) la logró grabando en Bélgica.

Hernandez comenzó a finales de los años 60, siendo un chaval, formando parte de varios grupos pero no sería hasta 1978 cuando lograría con su tema "Born To Be Alive" un masivo hit en toda Europa. Con una curiosa apariencia con ese pelo casi a lo afro y haciéndose acompañar por un bastón (no tenía ningún tipo de cojera) supongo que para vender la imagen de caballero ¿?

Lo cierto es que "Born To Be Alive" fue un éxito instantáneo en toda Europa llegando al #1 en Francia, Italia, Alemania, España, Dinamarca, Austria, Portugal,... además de también alcanzar ese puesto en Canadá, México o Australia.

Curiosamente en el Reino Unido se quedó en el #10 y en USA, donde el álbum tardó en editarse casi 1 año entero, alcanzaría el 16. Pero fue #1 en la lista dance.

Precisamente cuando Hernandez voló a Estados Unidos para promocionar su disco allí, entre el cuerpo de baile que le buscaron para sus actuaciones en clubes estaba una jovencísima Madonna que acababa de llegar a la ciudad para buscarse la vida.

Ella lo logró, él no.

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#30

THE KNACK

"My Sharona"

De las 31 canciones que he seleccionado no me podéis negar que 6 o 7 son auténticos temazos de siempre, algunos de ellos éxitos monumentales que han logrado hacer de sus interpretes recordados aún sin haber vuelto a lograr otro tema destacable.

Y aquí estamos ante una de esas canciones que son parte de la historia de la música y los pavos que la crearon parecía que se iban a comer el mundo y terminaron siendo uno de los mayores "bluffs" del negocio del disco.

Doug Fieber, cantante, había formado parte de una modesta banda llamada Sky, que no se comió nada a pesar de que tuvo como productor a uno que trabajó con los Rolling Stones. Fieber, dejó su Detroit natal para establecerse en Los Ángeles que era donde se movía el cotarro. Allí conocería a otros 3 músicos con los que formarían The Knack. Pronto comenzaron a componer y grabaron varias maquetas que mandaron a todas las compañías existentes y ninguna de ellas mostró ningún tipo de interés.

Entonces decidieron entrar en el circuito de los clubes de rock de la ciudad y gracias a que varios de los mimados por los críticos del rock como Bruce Springsteen o Tom Petty acudieran a algunas de sus actuaciones y hablaran bien de ellos, las mismas discográficas que meses atrás se habían reído de ellos ahora perdían el culo por ficharles. Cuentan que las más poderosas quisieron hacerlo y que finalmente sería Capitol Records la que tras pagar la suma más alta por un nuevo artista (según Wikipedia) se llevaron a los Knack al agua...

Y en nada tenían un disco en el mercado (lo grabaron en 12 días) con las canciones que habían sido rechazadas y ¡boom! "Get The Knack" se convierte en una de las sorpresas del año llegando al #1 (durante 5 semanas) en la lista del Billboard y vende más de 2 millones de copias.

El single "My Sharona" se convierte en el single de Capitol que más rápido se vende desde el "I Want To Hold Your Hand" de The Beatles 15 años atrás.

Pero no todo iban a ser buenas noticias; el tema fue rápidamente acogido por el público pero la crítica que había estado lamiendo sus culos poco antes gracias a los sabios del rock, ahora les daban la espalda al comprobar que estos chicos eran un poco tontos y sus comportamientos dejaban bastante que desear.

Y de la noche a la mañana todo se acabó.

El segundo álbum grabado en unos meses se quedó en el puesto 15 y el tercero un año después solo llegó al 93. Y la banda se disolvió aunque luego, en plan revival, se han vuelto a juntar.

Pero "My Sharona" ha quedado para la historia.

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#29

ANITA WARD

"Ring My Bell"

De vuelta a la música disco, que como habréis visto tampoco ha "secuestrado" esta lista de 31 temas que este año os ofrezco. Quizás un tercio, como mucho...

El "Ring My Bell" de Anita Ward es uno de esos temas míticos y para mi no es precisamente de los mejores ya que contiene elementos un tanto horteras como ese sonido extraño cada 2 compases que te saca de tus casillas y te entran ganas de viajar en el tiempo a finales de los 70 y colarte con armas automáticas en uno de esos clubes llenos de negros y mariconas y hacerlos saltar por los aires. Al menos "Ring My Bell" son 3 minutos y medio y mientras viajas en el tiempo y cargas tus armas ya se te ha pasado el cabreo y cuando estas listo ya está sonando el "Boogie Wonderland" y te pones a bailar...

Anita Ward es el prototipo de One Hit Wonder, pero de manual vamos. Estaba grabando su primer disco cuando el propietario de la casa discográfica le vino con un tema que él mismo había compuesto y que Anita odiaba, pero él la convenció (que para eso era el jefe) y ella terminó grabando el tema y cuando este llegó al #1tanto en USA como en UK, ella, a modo de tortura eterna, se vio obligada a cantar una y otra vez durante el resto de su carrera. Menuda maldición.

El éxito del single (que también fue #1 en las lista de r&b y dance) empujaría al álbum hasta el #8 pero un segundo Lp grabado ese mismo año no se asomó por las listas y otro, grabado 10 años después, tendría la misma suerte.

Pero que le quiten lo bailado con este tema que ha pasado a la historia.

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#28

RICKIE LEE JONES

"Chuck E's In Love"

La siguiente artista podría encajar en la descripción artística de Patti Smith que no quedó precisamente bien parada por mi (cada uno tiene sus gustos, eh!); ambas tienen 2 álbumes de cierto éxito y un solo hit en las listas del Billboard, pero para mi ahí termina todo parecido posible.

Rickie Lee Jones es una artista mucho más completa, con una buena voz, que además no se ha contentado en hacer un solo estilo de música. Además el video de esta canción me trae ciertos buenos recuerdos cuando lo ponían constantemente en la VH1 allá por 2007 o 2008, cuando estas cadenas aún se dedicaban a poner música. "Chuck E´s In Love" sonaba casi siempre y me encantaba el tema y el rollo hippie de la chica rubia que la cantaba.

Los abuelos de Rickie habían sido artistas de "vaudeville" y a raíz de eso le venía a ella esa vena artística. Su padre, del que heredó también el nombre, también fue un artista que tan pronto te cantaba como te pintaba un cuadro o te tocaba la trompeta.

A los 21 años comenzó a actuar en cafeterías (como Phoebe en "Friends") tocando jazz y 2 años después conocería a Tom Waits con quien mantendría una relación amorosa.

En 1979 editaría su primer álbum que sería un gran éxito (a diferencia de los de Smith) ya que llegó al #3 en la lista de los más vendidos y recibió 5 nominaciones a los premios Grammy incluida la de canción del año, por el single.

"Chuck E's In Love" llegó hasta el #4.

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#27

PATTI SMITH GROUP

"Because The Night"

El rock no es lo mío y por eso tampoco voy a comentar demasiado sobre la carrera y la importancia de Patti Smith en la música. Ni la conozco, ni la reconozco y no me interesa. Dicen que es una especie de poeta metida a música. Lo que sea. Lo cierto es que con el bombo que se le ha dado su carrera, en cuanto a éxitos en las listas, se reduce a 1 solo tema y a 2 álbumes en el Top-20 americano. Nada más.

Esa canción no es otra que "Because The Night" que contó con la ayuda de Bruce Springsteen a la hora de crearla. De hecho el tema es de Springsteen pero tan solo contenía el titulo y parte de la melodía y fueron Patti Smith y el productor Jimmy Iovine quienes le ayudaron a terminarla.

El tema llegó al puesto 13 en pop en USA y al 5 en el Reino Unido.

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#26

CHERYL LYNN

"Got To Be Real"

Lo de Cheryl Lynn es uno de esos casos de vocalista excepcional que no obtiene el éxito que merecería por su calidad, pero es que para llegar arriba muchas veces se necesitan otras cosas que lejos están del talento.

Cheryl como tantas otras cantantes negras se formó en el coro de la iglesia de su comunidad. Luego formaría parte del elenco de actores (como corista) de la obra del musical de "The Wiz".

Más tarde la típica aparición en un "talent show" televisivo, con 19 años, cantando el "You Are So Beautiful" de Joe Cocker para poco después firmar su primer contrato profesional, con Columbia Records en 1977.

Meses estuvieron trabajando en su primer álbum en el que Cheryl compondría 5 de los 9 temas y que contaría con la participación de los músicos de una banda que también se estaba creando esos días; Toto.

Junto a David Paich y el productor David Foster crearían el pelotazo que fue "Got To Be Real", un himno para los clubes y donde Cheryl se lucía con su versatilidad vocal. El single llegaría al #12 en pop y al 1 en R&b. También ayudaría a empujar arriba al disco grande llegando al 23 y 5 en pop y R&b. Fue certificado además como disco de oro.

Pocos meses después Cheryl le devolvería el favor a los chicos de Toto cantando en su tema(zo) "Georgy Porgy" que se convertiría en la única entrada en la lista de R&b del grupo en su carrera.

Lynn sacaría varios álbumes más en Columbia pero nunca volvería a repetir el éxito de "Got To Be Real" aunque si que lograría un par de hits en la lista de R&b.

Posteriormente aparecería haciendo coros para artistas como Luther Vandross o Richard Marx.

En el 2005 sería incluida en el Salón de la Fama de la música dance.

La Canción De La Semana "You Make Me Feel Like It's Halloween" Muse

 

Si; ya sé que hoy en Navidad y no Halloween pero descubrí este tema hace unos pocos días mientras escuchaba un podcast sobre "El Sexto Sentido" y los chicos de Webbtertainment (os lo recomiendo) decidieron terminar con esta canción. Y desde entonces la tengo en "modo repeat"...

Es una especie de "Thriller" versión siglo XXI pero manteniendo la buena onda de los años 80; es difícil hoy en día escuchar un tema tan pegadizo. También me recuerda al tema que precisamente grabó Michael Jackson con Rockwell en 1984 "Somebody's Watching Me" que también fue un gran éxito. Y para terminar estos de Muse tienen los cojonazos de meter un poco del "Tocatta Y Fuga" de Bach!

Y si todo eso no fuera suficiente también le meten un solo de guitarra super cool y si después de toda esta orgía musical no nos tuviera ya saciados van los tíos y se curran un pedazo de videoclip que te deja to' loco, haciendo un homenaje a varias de las más míticas películas de terror de los últimos 40 años. ¿Cuántas sois capaces de adivinar?

Y todo esto en 3 minutos gloriosos. Por eso no podía dejar escapar la ocasión de traerla aquí como canción de la semana y aprovechar para desearos a todos una felices fiestas y toda esa mierda que se dice en estas fechas.

PD: Ayer "cené" palomitas con mis gatos tirado en el sofá mientras hacía zapping hasta que el sueño y el asco hicieron aparición...

Lo dicho; temazo de Muse que es la elegida esta semana.

Feliz escucha, feliz semana, feliz 2023.

"YOU MAKE ME FEEL LIKE IT'S HALLOWEEN"

Muse

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#25

ALICIA BRIDGES

"I Love The Nightlife"

Venga; ¡que vuelva la fiesta! Que se note que estamos a finales de los 70 y que la gente está deseando que llegue el fin de semana para ir a la discoteca y dejar sus problemas de lado mientras baila. Disco music NO sucks, coño!

Si veis los videos de Alicia Bridges cantando "I Love The Nightlife" en 1978 cuesta creer que tuviera 25 años y que naciera en 1953, pero por lo visto Alicia tuvo una vida ocupada desde muy jovencita. Comenzó a los 10 años a cantar y a tocar la guitarra. A los 12 tenía su propio programa de radio ("The Alicia Briges Show") en una emisora en su natal Carolina del Norte. En el programa Alicia lo hacía todo; cantaba, ponía los discos e incluso hacía la publicidad de los anunciantes ella misma. Con 13 y 14 años ya estaba actuando en bandas que tocaban en clubes donde ella no podía entrar si no fuera porque actuaba. Algunas veces esos clubes eran algo más que discotecas...

Con 20 años grabaría un par de singles sin éxito pero que le hicieron conocer al que sería su manager en los siguientes años y la llevaría a firmar por Polydor. Con ellos sacaría en 1977 su álbum de debut con título homónimo y que no tendría nada de impacto en las listas pero su single "I Love The Nightlife" si se convertiría en un éxito al escalar después de 27 semanas hasta el #5 en la lista pop de Billboard y hasta el 2 en la de dance. Tampoco fue un gran éxito fuera de USA (#1 en Canadá, eso si) pero fue Top-10 en algunos países europeos.

Editaría 2 álbumes más (en 1979 y 1984) pero tampoco lograría nada con ellos. Luego trabajó de DJ en clubes de Atlanta.

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#24

GERRY RAFFERTY

"Baker Street"

Ya os lo anuncié con los "Stealers Wheel" (canción #7 de la lista de One Hit Wonders de los 70); había un artista que iba a ser "doblemente wonder" gracias a su éxito en grupo y su éxito en solitario, y ese no es otro que Gerry Rafferty que perteneció al grupo escocés y que luego, o mejor dicho, antes ya tenía carrera en solitario y posteriormente tendría su hit ("hizato" en este caso) en solitario.

Y es que antes de editar su álbum con la banda él ya tuvo un primer Lp en solitario un año antes. En 1971 Gerry Rafferty editaba "Can I Have My Money Back?" aunque poco dinero le reportaría en un primer termino ya que no tuvo ningún tipo de éxito. Luego con el éxito del grupo el disco sería re-editado y aunque tampoco entrara en las listas pues algo que te llevas y más cuando tu mismo compones los temas (royalties que se llama la cosa).

Tras abandonar a los "Stealers Wheel" Rafferty tendría que esperar 3 años para poder sacar su segundo álbum en solitario debido a historias legales con la anterior compañía. En 1978 editaba el disco "City To City" que convertiría en todo un bombazo al llegar al #1 en USA vendiendo más de 1 millón de copias y entrando en el Top-10 en muchos otros mercados mundiales.

"Baker Street" fue el primer single aunque la compañía no tenía tanta fe en la canción. Fue Rafferty el que les pidió que fuera la elegida y tenía razón; llegó al #2 en USA frenada durante semanas por el hermano pequeño de los Bee Gees, Andy Gibb. En Inglaterra se quedó en el 3 y en la gran mayoría de mercados importantes estuvo siempre en el Top-10 siendo un éxito global... algo que parece ser no buscaba Rafferty, que lo único que le importaba era hacer buena música y que se le valorara por eso pero la parte de la fama no la llevaba para nada bien.

Por lo que desde entonces comenzó a esconderse y a beber hasta convertirse en una especie de fantasma alcoholizado. Nunca volvió a lograr un éxito de tal calibre y su vida tampoco tuvo la paz que deseó. Falleció en 2011 con 63 años.

No hace falta decir que "Baker Street" es uno de los temas más míticos de los años 70 gracias sobre todo a ese fabuloso solo de saxo tocado por Raphael Ravenscroft y también por el solo de guitarra de Hugh Burns. Rafferty compuso el tema estando precisamente en el piso de un amigo en la concurrida calle Baker de Londres mientras estaba pasando por el mal trago de tener que reunirse con abogados para quedar libre y poder hacer lo que quería hacer; tocar su música.

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#23

PLAYER

"Baby Come Back"

Los 70 molaron mucho y esto que viene ahora es un ejemplo de ello; 5 pavos blancos que pertenecen a una banda de rock pero que tienen la habilidad y el buen gusto de componer un tema de amor con toques de música negra y el tema, sin ningún problema, es aceptado por el público de color y se convierte también en un éxito en la lista de r&b.

Alguno se pensaba que el primer blanco en hacer r&b ha sido Justin Timberlake...

Pero aquí debo decir que también he hecho un poco de trampa ya que Player tuvieron 2 singles de éxito en vez de uno solo, pero como el segundo se quedó en el número 10 y "Baby Come Back" es tan chula, la quería traer aquí si o si.

Nuevamente, el primer single editado el primer y único hit del artista en cuestión. Player se formó en Los Ángeles por un inglés y 4 americanos que ya tenían cierto bagaje en otras bandas. Ellos comenzaron siendo la banda de teloneros para gente como Gino Vannelli o Bob Scaggs, ganándose una buena reputación como grupo de estadios porque en directo daban lo mejor de si mismos.

En menos de 1 año lograron un contrato discográfico con RSO Records que lo estaba petando a lo grande con los Bee Gees. El dueño era Robert Stigwood que era manager del trio australiano.

"Baby Come Back" fue el primer single del grupo y llegaría al #1 en USA y Canadá y al #10 en la lista de r&b de Billboard. En Reino Unido se quedaría en el 32.

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#22

DEBBY BOONE

"You Light Up My Life"

Y seguimos lejos de la música disco, para que luego digan que los 70 fueron todo cachondeo y fiesta. Pues no y para muestra un botón; para mi una de las canciones más tristes que existen: "You Light Up My Life".

Debby Boone viene de los Boone de toda la vida. Su padre, Patti Boone, fue uno de los nombres más exitosos de los años 50 y 60 y hubo un momento en que tan solo era superado por Elvis Presley en las listas. Tuvo 6 #1's y 25 de sus canciones entraron en el Top-20.

Por lo que sus hijas también quisieron probar suerte en la música unos cuantos años después; primero crearon un grupo donde las 3 hijas mayores hacían versiones de temas famosos y finalmente Debby decidió ir en solitario ya que ella era la voz principal del grupo.

Y su tema de presentación fue, una vez más su mayor y único gran éxito, pero además fue un éxito masivo; "You Light Up My Life" llegó al #1 en la lista pop y pasarían en ese primer puesto 10 semanas. Fue el tema que más semanas pasó en el primer puesto en toda la década de los 70!

Su hazaña se quedó prácticamente en suelo Americano ya que no tuvo impacto fuera de allí, ni siquiera en el Reino Unido donde se tuvo que conformar con el #48.

De todas maneras el tema le supuso a Debby un Grammy a la mejor nueva artista y obtuvo otras 2 nominaciones pero perdería ante Barbra Streisand en la de mejor interpretación femenina y el "Hotel California" como canción del año.

Tras ese primer logro Debby, o quien fuera, decidió tirar más hacia el country primero y luego hacia la música cristiana donde si tendría algún que otro hit más. Pero en pop nada de nada.

El tono tristón de la canción y esa letra donde canta "Tu iluminaste mi vida, me diste esperanza..." casi ya anticipaba un desvío hacia la música cristiana donde hicieron el paso contrario a lo que hizo el soul con el gospel; pasaron del "baby" a Dios y así le quitaron la chispa a la música...

El tema ha sido versionado en varias ocasiones; Johnny Mathis, Engelbert Humperdinck o Westlife son algunos de los artistas que lo hicieron.

Whitney Houston haría su propia versión en 2002, lejos de su mejor forma y aún así dejaría la versión de Debby en bragas.

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#21

PETER McCANN

"Do You Want To Make Love?"

¿Quieres hacer el amor? Mmm, con esa pose tan sexy es difícil decirle que no a Peter...

Alguna vez os habéis parado a pensar que habría pasado si artistas gordos como Barry White o Jennifer Holliday hubieran salido en los últimos 20 años? ¿O la propia Celine Dion siendo una adolescente con aquellos dientes hubiera tenido que competir con Britney Spears en 1999?

Eso siempre ha pasado pero digamos que en épocas pasadas el físico, aunque importante, era secundario y lo que primaba era el talento y en este caso un tío tan poco atractivo como Peter McCann podía tener un tema donde le daba a elegir entre chingar o hacer el chorra, y posiblemente ella eligiera la primera opción (aunque fuera por cansino porque se repite el estribillo una y otra vez...).

McCann (que tenía 27 años cuando cantó este tema) había comenzado su carrera musical nada más terminar de graduarse y lo hizo nada más y nada menos que sacando 2 álbumes en la Motown con un grupo llamado Repairs (donde todos eran blancos). En 1971 la Motown estaba en lo más alto gracias a 5 hermanos de Gary y también por la renovada versión de The Temptations y por el renacer como artista auto-dirigido de Marvin Gaye.

Además esos álbumes estuvieron producidos por Andrew Loog Oldham que había sido el productor de los Rolling Stones del 63 al 67.

En 1977 McCann compondría un tema para Jennifer Warnes "Right Time Of The Night" que se colaría en el Top-10 y eso hizo que la 20Th Century Fox Records (si, también tuvieron su división de discos) le firmara y ese mismo año y, para variar, como primer single tendría su único éxito como cantante.

"Do You Want To Make Love?" llegaría al #5 en la lista pop. El éxito del single no logró que el álbum tuviera mucha vida; sólo llegó al puesto 82.

Aún así la carrera de McCann estaría lejos de fracasar; al año siguiente CBS compró su carta de libertad y le firmó un contrato como compositor y creaciones suyas han sido cantadas por artistas como Julio Iglesias, Reba McEntire, Kenny Rodgers o incluso el duo "Take Good Care Of My Heart" entre Jermaine Jackson y Whitney Houston.

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#20

STARLAND VOCAL BAND

"Afternoon Delight"

No sólo de funky y disco vivieron en la segunda mitad de los años 70 y las siguientes canciones serán una clara muestra de ello.

Los Starland Vocal Band comenzó como un duo llamado Fat City a mediados de los 60; el matrimonio formado por Bill Danoff y Taffy Nivert (los 2 de abajo en la foto). Llegaron a grabar sin suerte un par de álbumes y donde si tuvieron más suerte fue en el terreno de la composición al escribir un par de temas para (y con) John Denver que en un momento de los 70 fue el cantante más exitoso (dejando a parte a Stevie Wonder y Elton John, claro) logrando 3 álbumes #1 en USA.

En 1975 al matrimonio se le unirían Jon Carrol y Margot Chapman (los 2 de arriba en la foto), que con el roce y el cariño también terminarían casándose en 1978. Ahora si que pasaron a llamarse Starland Vocal Band y mira tu por donde firmaron con la compañía de John Denver (si, tenía tanto éxito que ya poseía una discográfica).

Y el debut del grupo, como en tantas otras ocasiones terminó siendo el primer y único éxito de este cuarteto; "Afternoon Delight" llegaría al #1 en USA y Canadá y al #18 en Reino Unido y ayudaría a que el álbum llegara hasta el número 20 en USA y vendiera decentemente.

Además tuvieron 4 nominaciones a los Grammy de las que se llevarían a casa 2; mejor artista novel y mejores arreglos en un tema de duo o grupo.

Y todavía aún hay más; con un solo éxito la CBS les montó un show que presentaban ellos y que duraría en antena 3 meses.

Por cierto; "Afternoon Delight" es un tema pop con toques folk y con unas bonitas armonías y su letra está plagada de dobles sentidos en plan guarrete... pero Bill Danoff compuso la canción mientras comía un menú en una cafetería y parece ser que en él había algo que era "un placer al atardecer"...

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#19

WILD CHERRY

"Play That Funky Music"

Rob Parissi fundó la banda en 1970 en Ohio. Durante los 9 años que estuvieron funcionando tuvieron hasta 12 miembros en 4 etapas distintas del grupo. En 1979 se disolverían definitivamente.

El nombre del grupo vino debido a unos caramelos para la tos y el hecho de mezclar rock y funk vino cuando en un encuentro entre los miembros del grupo para determinar hacia donde encaminar su carrera alguien les dijo: "Hey tios blancos, ¿vais a tocar algo de música funky?" y Parissi pensó en componer un tema con una frase de ese tipo y ¡boom!; "Play that funky music" nació.

El tema fue editado en verano de 1976 y se encaramó hasta el número 1 en pop y r&b en USA y fue Top-5 en muchos otros países europeos.

Recibirían 2 nominaciones a los Grammy como mejor nuevo grupo vocal y mejor interpretación de R&b de un grupo. En los American Music Awards ganarían el galardón al single del año de R&b.

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#18

WALTER MURPHY &

THE BIG APPLE BAND

"A Fifth Of Beethoven"

A ver... ¿cómo decirlo finamente? Me vuelve puto loco esta canción. ¿Cómo un iluminado tuvo los huevazos de llevar a Beethoven al número 1 de las listas de éxitos y encima fusionarlo con la música disco?

Este iluminado es Walter Murphy, compositor, músico y productor norteamericano que a los 25 años tuvo la increíble idea de fusionar a los grandes clásicos con la música más actual. Vale; solo le funcionaría con Beethoven pero el tío lo probó también con Mozart, Ravel, Bach o George Gerswhin (que para los americanos es tan clásico como los anteriores).

"A Fifth Of Beethoven" es una combinación de la 5ª Sinfonía de Beethoven con la música disco pero también había una pequeña broma en el título; lo de "una quinta" era una medida típica que llevaban los botellines de alcohol de la época y seguramente tanto Murphy como quien le instó a hacer esto se habrían tomado unos cuantos. Para los puristas fue como profanar a Beethoven pero para muchos otros fue la primera toma de contacto con la música clásica de siglos atrás.

El tema llegó al número 1 de Billboard en 1977 tras 19 semanas escalando posiciones. Parece que tan sólo Canadá siguió el rollo a Murphy donde también lograría el primer puesto. En Europa se tendría que conformar con ser, como mucho, Top-10 en algún que otro país. En UK se quedó en el 28.

Por si fuera poco el tema sería incluido en la banda sonora, perdón en LA BANDA SONORA que volvería loca al mundo entre 1977 y 1978; "Saturday Night Fever" que llevaría la música disco (y a los Ben Gees) a lo más alto.

Desde entonces Walter Murphy siguió haciendo música, sobre todo para series de televisión y TODOS habéis escuchado la música de este adelantado. Algunos de sus trabajos están en series como "Stingray", "El Equipo A", "Padre De Familia" o los shows de Dick Cavett o Johnny Carson.

En el 2002 Robin Thicke usaría el tema de Murphy como base para su canción "When I Get You Alone" (que es otra maravilla).

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#17

SHRILEY & COMPANY

"Shame, Shame, Shame"

Shirley Goodman nació en Louisiana en 1936. Comenzó a cantar en el coro De la Iglesia y con 14 años formaría parte de un grupo junto a varios amigos. Grabarían una demo que llamaría la atención del propietario de Aladdin Records y que le ofrecería un contrato para grabar a duo con Leonard Lee.

Ambos lograrían un par de éxitos en 1952 con "I'm Gone" y "Lea The Good Times Roll" que fueron #2 y #1 en la lista de R&b. La segunda además llegaría al Top-20 de la lista pop y vendió más de 1 millón de copias. Los siguientes singles no tuvieron el mismo éxito y la pareja partiría relación profesional en 1963.

Fue entonces cuando Shirley viajaría a la costa oeste para seguir luchando por una nueva oportunidad. Sería llamada para hacer trabajos de corista para gente como Sonny & Cher o para el álbum "Exile On Main Street" de los Rolling Stone. Pero esa nueva oportunidad tardaría en llegar 10 años cuando fue llamada para grabar un tema disco llamado "Shame, Shame, Shame" junto a Jesús Álvarez.

Este Jesús Álvarez había nacido en Cuba en 1951 y había emigrado junto a su familia a los Estados Unidos en 1959. Allí en su adolescencia formaría parte de un grupo llamado Brother To Brother donde hacía coros. Poco después dejaría el grupo para unirse a "Shirley & Company".

En 1974 y con la música disco cada vez más presente en todas partes, grabarían el tema que los llevaría a lo más alto de sus carreras. "Shame, Shame, Shame" editado en navidades del 74 los llevaría al #12 en pop, al 1 en r&b y en dance. Además daría el salto fuera de los Estados Unidos convirtiéndose en un número 1 en Alemania. Bélgica, Holanda y Austria. En el Reino Unido fue #6.

El grupo solo grabaría un álbum y poco tiempo después Shirley tras hacer un poco de dinero dijo que ya tenía bastante y se retiró volviendo a su Louisiana natal. Moriría en 2005 con 69 años. Por su parte Jesús cambiaría su nombre a Jason y caería en una depresión que le llevó a intentar suicidarse. El apoyo de su mujer y la fe en Dios le haría cambiar de vida y dedicarse a ser pastor y grabar discos de gospel.

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#16

MINNIE RIPERTON

"Loving You"

Minnie Riperton fue una mujer con una voz privilegiada de 4 octavas y un "registro de silbido" que es lo más alto a lo que puede llegar la voz humana.

Minnie nació en 1947 en Chicago. Vivió en un suburbio al sur de la gran ciudad y desde pequeña tuvo la música (y la interpretación) en mente. Siendo adolescente sería la voz principal de un grupo de chicas llamado "The Gems" y eso le hizo ganarse un nombre en la industria siendo llamada para hacer coros en discos y/o directos de artistas como Etta James o Chuck Berry.

A finales de los 60 estaría brevemente en un grupo de soul psicodélico llamado "Rotary Connection", pero su momento llegaría finalmente en 1970 cuando grabó su primer álbum en solitario, con la ayuda del productor y compositor Richard Rudolph con quien se casaría a finales de ese mismo año.

Ese primer disco no tuvo impacto a nivel de ventas pero hoy en día con el paso del tiempo es muy valorado por críticos musicales.

Tres años más tarde Minnie, con 26, estaba casi retirada. Ahora era madre de 2 hijos. Un directivo de Epic Records escuchó una demo de un tema donde cantaba ella y decidió ficharla. Invertirían tiempo y dinero para hacer de su segundo disco uno importante y Stevie Wonder, por amistad con ella, se ofreció (bajo pseudónimo) para escribir algún tema y producir el proyecto. Stevie Wonder entre 1973 y 1976 fue la representación de Dios en la tierra y tenerle era sinónimo de éxito y calidad.

El disco vendió bien a pesar de que los primeros 3 singles no se asomaran por las listas. La compañía ya estaba por cerrar la promoción cuando Minnie les instó a que lanzaran un último single; "Loving You".

El tema estaba firmado por el matrimonio entre Minnie y Richard y Stevie Wonder lo producía y tocaba los teclados en él. Se trataba de una preciosa balada donde Minnie dejaba constancia de ese registro de silbido mientras pajaritos se escuchaban de fondo. ¿Un poco cursi? Tal vez. ¿Gran canción? También.

La canción llegaría al número 1 en pop 6 meses después de haberse editado el álbum. En la lista de R&b se quedaría en el #3 y en el Reino Unido en el 2.

Lamentablemente Minnie no pudo disfrutar demasiado tiempo de su éxito ya que 2 años más tarde se le diagnosticaría un cáncer que acabaría con su vida en 1979 con 31 años...

Mariah Carey, otra con ese registro de silbido, siempre la ha nombrado como influencia en su carrera.

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 #15

LABELLE

"Lady Marmalade"

En 1959 una quinceañera llamada Patricia Holte ganó su primer concurso de talentos. ¿No sabéis quién es esta Patricia Holte? Quizás os suene más Patti Labelle... una de las Divas de la música negra americana que ha vendido unos 50 millones de discos en su extensa carrera. ¿Puede ser que Patti tenga 1 sólo éxito? No, no al menos como cantante solista.

Tras ganar ese concurso decidió formar un grupo con otras 3 chicas al que llamaría The Ordettes. Tras varios cambios en la formación en los siguientes 3 años, finalmente el grupo se vería forzado a cambiar de nombre tras una movida con otro grupo llamado "The Starlets" y con managers y casas discográficas de por medio. El nuevo nombre sería LaBelle.

Con el cambio de nombre también vendría el cambio de década y de estilo, las chicas pasaron de cantar las típicas canciones de "Doo Woop" de los 60 a cantar soul y más tarde a fusionar una especie de funk rock con mucha pluma y muchos colores. De hecho LaBelle se convertiría en un favorito en el mundo gay y Patti en una especie de musa para ellos.

En 1974 con la fiebre disco llegó el tema "Lady Marmalade" pero no lo hizo en un primer momento para ellas.

La canción estaba compuesta por Bob Crewe, que junto a Bob Gaudio formaban un importante duo compositor que tenía varios éxito para los Four Seasons. El otro compositor era Kenny Nolan, que tenía un grupo llamado "The Eleventh Hour" y el tema era para ellos. De hecho lo llegaron a grabar y editar pero pasó totalmente desapercibido.

Crewe sabía que era un éxito y se puso en contacto con el productor de LaBelle, Allen Toussaint, que arregló el tema y la produjo siendo el primer single del álbum "Nightbrids", que era además el debut del grupo en el sello Epic Records. La frase "Voulez-vous coucher avec moi ce soir?" se haría famosa y para muchos fue la primera toma de contacto con el (idioma) francés.

La canción se encaramó hasta el número 1 en pop y r&b en USA y también lo haría en Canadá y Holanda. En el Reino Unido se tuvo que contentar con el #17.

Patti Labelle disfrutaría de sus propios hits en solitario a partir de 1977.

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#14

CARL DOUGLAS

"Kung Fu Fighting"

A diferencia de otros que lograban sus hits nada más comenzar sus carreras, el caso de hoy son años de intentos hasta dar con ese tema que gustase y atrajese al gran público.

Carl Douglas nació en Jamaica pero siendo niño, junto con su familia, se mudó primero a los Estados Unidos y luego a Inglaterra. En Londres se dedicó a jugar al fútbol y a cantar en el coro de la iglesia ya que también estuvo yendo a clases de canto.

Douglas grabó algunos singles en los años 60 pero ninguno de ellos tuvo ninguna repercusión. En 1974 el productor Biddu (que era británico e indio) buscaba una voz para que cantara una de sus composiciones y terminó dando con Carl Douglas. El tema se llamaba "I Want To Give You Everything" y Douglas la cantó. Como necesitaban una cara B para el single Biddu le preguntó a Douglas si tenía algo para cantar y este le enseñó un tema que llamaba "Kung Fu Fighting".

Grabaron el primer tema en un par de horas y la segunda en 2 tomas que les tomaran 10 minutos. Cuando los temas llegaron al director de Pye Records, para quien estaban grabando, este decidió que "Kung Fu Fighting" tenía más gancho y debía ser la cara A.

Fue editado y las primeras semanas no obtuvo prácticamente nada de atención por los Dj's de las emisoras pero si en los clubes donde la música disco ya era el estilo predominante. Primero fue un éxito en Inglaterra y luego daría el salto a Europa y más tarde a los Estados Unidos para convertirse en un éxito global siendo número 1 en países como USA, UK, Francia, Belgica, Holanda o Canadá y vender un montón de discos (más de 10 millones de singles en todo el mundo según Wikipedia...).

Después de eso la nada. Pero Carl Douglas ha seguido viviendo de ese único éxito y cantándolo sin cesar.

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#13

HARRY CHAPIN

"Cat's In The Cradle"

La de hoy es una elección doblemente triste; primero porque la canción en si lo es y segundo porque la carrera y la vida de su interpreté no fue demasiado larga.

Harry nació en Nueva York en 1942, hijo de un legendario percusionista de música jazz (Jim Chapin), tuvo otros 2 hermanos. Los 3 terminaron siendo músicos. Harry comenzaría tocando la trompeta para luego ser parte del grupo familiar junto a sus hermanos. El padre se uniría de vez e cuando tocando la batería. Eso siendo adolescente.

Luego se graduaría en la prestigiosa Brooklyn Technical High School y pasaría brevemente por el ejército.

Parece ser que Chapin, por encima de la música. amaba el cine y lo que deseaba era ser cineasta. En eso estuvo unos pocos años y llegó incluso a dirigir y escribir el documental "Legendary Champions" sobre glorias del boxeo que fue nominado a los Oscar como mejor documental en 1968.

Pero fue entonces cuando volvió a darle una oportunidad a la música y por lo que he leído Chapin desde el principio era alguien deseado por las discográficas que lucharon por tenerle entre sus filas. Finalmente firmaría un importante contrato (con cláusulas muy poco habituales para alguien recién llegado) con Elektra.

Viendo el relativo éxito de sus 3 primeros álbumes uno se pregunta de donde venía todo ese interés por Chapin ya que ninguno de ellos obtuvo un resultado destacable en las listas; el primero fue #60, el segundo #160 y el tercero #61... aún así lograría una nominación en los Grammy al mejor artista novel.

En 1974 editaría su cuarto Lp titulado "Verities & Balderdash" que fue su gran éxito llegando al #4 en USA, gracias en gran parte al single "Cat's In The Cradle" que llegó al número 1 en diciembre.

El álbum vendería 2 millones de copias y el single 1 millón, en los Estados Unidos. 

La canción narrada por un padre que cuenta como no estaba presente cuando su hijo nació, ni cuando dio sus primeros pasos ni cuando comenzó a crecer y querer jugar al balón junto a él. Siempre estaba ocupado trabajando o alguna otra cosa, y siempre le decía a su hijo: "otro día será".

La historia continua cuando el que ahora pasa del padre es el hijo, que le pide las llaves del coche y años después le da largas cuando el padre ya es abuelo y quiere ver a su nieto. Así es la vida dice y recuerda que su hijo le decía "un día seré como tu"...

Cinco álbumes de estudio más y 2 en directo le seguirían en los siguientes 6 años pero Harry Chapin nunca logró un nuevo éxito en las listas.

En 1981 fallecía en un accidente de tráfico mientras viajaba para actuar gratis en un concierto benéfico, ya que Chapin era un filántropo que se unía a diversas causas con tal de ayudar a la gente.

Como anécdota decir que el grupo Ugly Kid Joe haría una meritoria versión de "Cat's In The Cradle" en 1992.

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#12

GEORGE McCRAE

"Rock Your Baby"

George McCrae nació en Florida en 1944, como parte de una numerosa familia. A los 18 años formaría su primer grupo llamado The Jivin' Jets, que no iría a ninguna parte. El que se se iría a algún lado sería George al año siguiente cuando fue llamado por el ejército. Antes aprovechó para casarse con su novia.

Una vez terminada su participación en "La Marina" volvería a probar suerte con un nuevo grupo que rápidamente transformó en duo quedándose solo con su mujer. Firmarían con una pequeñísima compañía llamada TK Records (que pertenecía a RCA) que le ofrecería a su esposa un contrato en solitario a parte. George pasó a hacer de manager y a participar como corista para ella, actuando sobre todo en la zona de Florida donde vivían.

Parecía que el sueño de vivir de la música se esfumaba cuando a punto de volver a estudiar la carrera de abogado recibió la invitación de la banda KC & The Sunshie Band para que cantaran George y su mujer (Gwen) en el tema ya que estaba en un tono muy alto y necesitaban voces capaces de llegar a esas notas altas. Ese día Gwen no pudo asistir a la grabación y George cantó solo en el tema que por cierto se llamaba "Rock Your Baby"...

Aquello cambió la vida de George McCrae. Significó su primer single ya que el grupo se la cedió. La grabaron en 45 minutos con varios de los músicos de la banda y se usó (en una de las primeras veces) una batería programada. 

Se lanzó como single en junio de 1974 y se convirtió en un gigantesco pelotazo a nivel mundial llegando al número 1 en varios países y vendiendo más de 10 millones de copias. Tanto John Lennon como ABBA reconocieron haber usado como inspiración el tema para componer sus temas "Whatever Gets You Through The Night" y "Dancing Queen" respectivamente.

Tras este inicio George no volvería a tener un nuevo éxito a pesar de seguir grabando álbumes.

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#11

THE HUES CORPORATION

"Rock The Boat"

Estamos en 1974 pero lo que va a sonar a continuación NO es música disco. Aunque mucha gente la considere como el primer tema disco (o uno de los primeros); esto es música soul de la que posteriormente se sacarían elementos que serían definitivos en el disco.

The Hues Corporation era un trio formado por St. Clair Lee, Fleming Williams y Hubert Ann Kelley que grabaron su primer álbum en 1973 (habían editado un single sin éxito en 1969) y que contaba con la colaboración de importantes músicos de la escena soul y funk de los 60 y 70 como James Jamerson, Joe Sample, Larry Carlton o Gary Coleman.

En ese primer disco estaba incluida la canción "Rock The Boat", que en su versión original tenía un tratamiento mucho más "tranquilo", dando prioridad a las voces y donde destacaba la guitarra eléctrica.

Posteriormente se hizo un remix con más toques de lo que empezaba a salir de los clubes de Nueva York y Chicago y que explotaría en todo el país y sería el estilo musical más importante del resto de década y que tendría tantos adeptos como "haters"; la música disco.

La banda sufriría posteriormente bajas y algún que otro cambio. Llegaron a ser teloneros de gente como Frank Sinatra o Glenn Campbell.

"Rock The Boat" fue su mayor éxito logrando el #1 en la lista pop, el 2 en la de r&b, el 6 en Reino Unido y alcanzaría el Top-10 en muchos otros países. En USA vendería 2 millones de copias.

La Canción De La Semana "Mystery" The Manhattan Transfer

 

The Manhattan Transfer son un grupo vocal formado en 1969 en Nueva York. Tim Hauser, que trabajaba de taxista, fue el miembro fundador y el hombre que llevó desde el principio las riendas del grupo.

La primera formación duraría un par de años y aunque editaron un álbum en 1971, la cosa no terminó de funcionar y lo dejaron.

Menos de un año después Hauser conocía en su propio taxi a una clienta llamada Laurel Massé, una holandesa que había emigrado a Nueva York de pequeña y que estudió piano y cantó en algún grupo amateur. Ambos tenían el sueño de ser cantantes profesionales.

Un amigo de Hauser le instó a cambiar el rumbo de la música de su grupo y además le presentó a un amigo suyo que estaba interpretando uno de los papeles en el musical de "Grease". Su nombre; Alan Paul, que se unió al grupo. Otro pasajero le presentó a Hauser a una cantante muy prometedora llamada Janis Seigel. Y ya tenemos a la banda. Laurel Massé dejaría el grupo a finales de los 70 tras un accidente de tráfico y sería sustituida por Cheryl Bentyne. Estos cuatro pasarían juntos toda la siguiente etapa del grupo hasta la muerte de Hauser en 2011.

La música del grupo es una mezcla de estilos; jazz, standards, canto a Capella, vocalese o swing. También tiraron por la música latina y grabaron algunos temas en español.

En 1983 el grupo grabaría su álbum más comercial contando con la colaboración en un par de temas del compositor Rod Temperton que venía de escribir varios hits para Michael Jackson y era uno de los letristas de moda. Temperton les compuso "Spice Of Life" (que era casi un calco del "Baby Be Mine" incluida en el "Thriller") y "Mystery", una maravillosa canción con una melodía preciosa que contó con la impresionante interpretación como solista de Janis Siegel.

Años más tarde Anita Baker la retomaría para darle una nueva vida (y su versión es tan buena -o mejor- que la de los neoyorquinos).

Y esta semana es la elegida como canción de la semana.

Feliz escucha, feliz semana.

"MYSTERY"

The Manhattan Transfer

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#10

ACE

"How Long"

En el Reino Unido siempre gustó la música soul y tiene varios ejemplos de cantantes de esos a los que llaman "Blue-eyed soul" y Paul Carrack es un buen ejemplo de ello.

Los Ace se formaron en Sheffield a finales de 1972 y sus miembros provenían de bandas que tocaban en el circuito de pubs de las ciudades más importantes. Así lograron su primer contrato discográfico y en nada ya estaban grabando y editando su primer disco "Five-A-Side" que tuvo una gran acogida en los Estados Unidos llegando al #11 por esa fusión de pop, rock y soul.

El single elegido para lanzar la carrera del grupo fue "How Long" que llegaría hasta el #3 en USA y al 20 en el Reino Unido. Lamentablemente el resto de singles y los 2 siguientes álbumes no obtuvieron la misma reacción por parte del público y Ace terminaría su historia. Hay que destacar que Paul Carrack no era el único vocalista principal del grupo y eso suele desconcertar a los compradores que buscan siempre el papel de cada integrante en los grupos. Pocas veces ha triunfado una formación con varias voces principales.

Carrack tendría a pesar de todo una carrera larguísima ya fuera como músico de sesión, de gira, como parte de una nueva formación (a destacar "Mike & The Mechanics") o nuevamente como solista. Pero Ace no volvería a lograr otro éxito.

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#9

MORRIS ALBERT

"Feelings"

La canción de hoy es un tema histórico...

Mauricio Alberto Kaisermann es un artista nacido en Brasil de familia emigrante austriaca.

Comenzó en la música siendo parte de varias bandas, siempre como cantante y/o guitarrista. Pronto destacó sobre el resto lo que le valió el firmar un contrato en solitario.

En 1974, con 23 años, editaría su primer álbum que tendría repercusión en su país de origen. Uno de los temas era "Dime", una bonita balada que además fue incluida en una telenovela lo que acrecentó su éxito.

Meses más tarde la grabaría en inglés y daría el salto al mercado anglosajón. Su álbum llegaría a un meritorio puesto 37 pero el single titulado "Feelings" llegaría mucho más arriba; #6 en pop y #2 en la lista de música para adultos y también al #4 en Reino Unido.

Años más tarde recibiría una demanda (y perdería el juicio) ante el compositor francés Louis "Loulou" Gasté, que había compuesto la melodía original en 1956 en un tema llamado "Pour Toi" para el cantante Darío Moreno. 

Albert no volvería a tener otro éxito aunque ha tenido una longeva carrera.

Por su parte "Feelings" terminó convirtiéndose en eso que llaman un "estándar" y fue versionada por infinidad de artistas, como por ejemplo; Johnny Mathis, The O'Jays, Bobby Vinton o Paloma San Basilio.

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#8

SKYLARK

"Wildflower"

En los años 60 y primeros 70 era muy raro, casi algo imposible, encontrar grupos que tuvieran miembros blancos y negros. Sly & The Family Stone fue de los pocos en atreverse y triunfar con aquella mezcla de colores, géneros y sonidos. Pero aquello era una "rara avis" sobre todo en Estados Unidos.

Así que la banda de la que a continuación os voy a hablar provenía de Canadá, que allí la gente es más normal...

"Skylark" fue un grupo que como tantos otros "one hit wonders" duraron bien poquito. Se formó a través de músicos que coincidían siendo parte de la banda que Ronnie Hawkins, un cantante y compositor que estuvo 50 años dando guerra y que cantaba sobre todo "Rockabilly" y "Bluegrass".

La base de la formación eran B.J. Cook (cantante) y su marido David Foster (teclista). Si; es ese David Foster en el que estáis pensando y que de "One hit wonder" no tiene nada, más bien es "hit after hit", pero eso ya tendrá su momento seguramente (en forma de especial navideño). Como dije antes estos 2 tocaban en la banda de Hawkins y este, que además de cantante era showman, los largó por sosos.

Entonces decidieron crear su propio grupo y reclutaron a otros músicos como por ejemplo al bajista Steven Pugsley, al batería Duris Maxwell, al guitarrista Doug Edwards o al cantante Donny Gerrard.

Con el grupo formado graban su primer álbum (que no obtuvo gran impacto) pero en el que incluyeron una preciosa balada con voz de r&b y guitarra eléctrica llamada "Wildflower".

La canción fue compuesta por el guitarrista Doug Edwards y por David Richardson que era amigo de la banda y trata sobre una novia que tuvo este que era enfermera. Richardson relata que una tarde/noche que había quedado que pasaría a recogerla por su casa, se la encontró recién salida de la ducha llorando y esta le contó que había tenido un durísimo día en el trabajo ya que 2 personas con las que había tenido un trato más personal habían fallecido y ella se sentía fatal por ello. Richardson trató de animarla y esta entró en su cuarto para cambiarse y salir pero al rato y al ver que ella no salía de la habitación Richardon entró y se la encontró dormida sobre la cama. La chica estaba exhausta física y emocionalmente. Él la tapó con una manta y la dejó allí. Al llegar a casa tuvo la necesidad de escribir esta bella oda a una "flor salvaje".

Por cierto; el título de la canción no aparece en ningún parte de ella.

Donny Gerrard fue la voz del tema y ofreció una brillante interpretación que hizo que el tema llegara al #9 en la lista del Billboard americano y al 10 en Canadá.

El tema ha sido versionado bastantes veces y sampleado por gente como 2pac, Eminem o Kanye West.

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#7

STEALERS WHEEL

"Stuck In The Middle With You"

La canción de hoy tiene un protagonista que, ya os lo aviso, entra en la lista de "One Hit Wonders" como miembro de un grupo y también como solista, por lo que de alguna manera le otorgaría como mínimo 2 éxitos, pero yo soy así de malo y lo quería destacar. Además; ambos temas son unos temazos.

Estos "Stealers Wheel" como tantos otros se formó entre colegas de clase. En esto caso fueron Joe Egan y Gerry Rafferty (¿os suena?) crearon la banda junto a otros amigos en su Escocia natal.

Lo que no acabo de entender es como de la nada estos muchachos firman ese mismo año (1972) por una discográfica como A&M Records y por si eso fuera poco logran que quienes les produzcan su primer álbum, repito; de la nada, sean nada más y nada menos que Jerome Leiber y Michael Stoller. ¿No os suenan estos dos? Quizás os suenen temas como "Jailhouse Rock" o "Hound Dog" de Elvis Presley o "Stand By Me" de Ben E. King...

Por lo que fuera estos escoceses tuvieron esa suerte... pero luego parece ser que entre ellos (menuda sorpresa) las cosas no fluían y coincidiendo con la salida del álbum Gerry Rafferty ya había abandonado el grupo. A él le seguirían otros tantos y en 3 años de existencia y 3 álbumes la formación había cambiado, a excepción de Egan que era el cantante, a todos sus componentes para finalmente quedarse como duo con Egan y Rafferty para el tercer y último disco. Tíos más raros...

Pero lo que si lograron es un primer single que era un éxito y que se encaramó al #6 en la lista pop americana y al 8 en el Reino Unido.

A finales de los 70 os volveré a hablar de Gerry Rafferty para los que no lo conozcan...

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#6

VICKI LAWRENCE

"The Night The Lights Went Out In Georgia"

Vicki Lawrence es uno de esos casos de actriz (en este caso también comediante) que de manera ocasional llega a grabar algún disco aprovechado el tirón entre el público. También cuenta el hecho que su marido era músico y que ella poseía una buena voz.

Ella llevaba años trabajando en el Show de Carol Burnett para la cadena CBS. El programa estuvo 11 años en antena y por él pasaron decenas de artistas. Vicki hacía varios papeles cómicos y destacaba por su personaje de "Mama" donde interpretaba a una mujer de unos 60 años, a pesar de que ella estaba en sus 20.

Con 23 años se caba con el músico y compositor Bobby Russell (con el que tan solo estuvo 2 años) y que tuvo varios éxitos como compositor creando para Elvis Presley o logrando un Grammy a la mejor canción del año por el tema "Little Green Apples".

En 1973 le compuso a su mujer varios temas que junto a varias versiones conformaron el primer álbum de Vicki Lawrence, enfocado sobre todo al mercado country.

El título del álbum era "The Night The Lights Went Out In Georgia" que también era el título de uno de sus singles y que es el tema por el que es recordada en su faceta como cantante.

La letra del tema es bastante oscura y tiene un giro final que resuelve la trama:

Una voz de mujer (Vicki evidentemente) va narrando una historia sobre un hombre al que llama "Hermano" que al volver de un viaje para a tomarse una copa en un bar. Allí se encuentra con un amigo que le cuenta que mientras ha estado fuera su mujer se la ha pegado con un chico llamado Seth. Y no solo eso si no que él mismo, su amigo, también ha estado con su mujer.

El "hermano" se va del bar y al llegar a casa encuentra un arma de su padre, loco de la cabeza la coge y decide ir a ver a su amigo traidor. Mientras se acerca a su casa ve huellas en el camino pero estas son más pequeñas de las que hubiera dejado su amigo (que se llama Andy). Cuando llega a la casa se encuentra a Andy muerto por un disparo. Entra en pánico y no se le ocurre otra cosa que disparar su arma al aire. Poco después es detenido por la policía que le acusa del asesinato. En poco tiempo el juez dicta sentencia, lo declaran culpable y es condenado a morir en la horca.

El estribillo que es cantado en contraposición de los versos que son recitados dice: "Esa fue la noche en la que las luces se apagaron en Georgia. Fue la noche en la que colgaron a un hombre inocente. No confiesa tu alma a ningún abogado sureño, porque el juez de la ciudad tiene sus manos manchadas de sangre".

La historia continua cuando la narradora del tema confiesa que es la hermana del ajusticiado y que las huellas que su hermano vio en la casa de Andy son suyas y que no sólo mató a Andy si no que también mató a la mujer de su hermano. Y termina diciendo "es un cuerpo que nunca encontrarán" y que "la hermana pequeña no falla un tiro cuando apunta". ¡Booooom!

Como veis la temática entra de lleno en eso de "murder ballad" que algunos han llegado a sacar álbumes enteros de historias como esta.

Así que la comedianta jovencita saca un tema sobre una venganza que termina con 3 muertos y ella saliendo de rositas. ¿Fue un éxito? Lo fue; #1 en la lista pop yankee y también en Canadá. Vicki recibiría manos de su jefa Carol Burnett un disco de oro por las ventas del single en pleno programa.

En 1991 la cantante country Reba McEntire haría una versión del tema y rompería un récord de 24 temas suyos entrado en el Top-10 de la lista country americana. Su versión se frenaría en el #12.

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#5

BILLY PAUL

"Me & Mrs. Jones"

La historia de Billy Paul es de esas de "quien la sigue, la consigue". Sus primeras grabaciones datan de 1952, cuando él tenía 18 años. La música siempre sonaba en la casa de la familia y Billy desde muy pequeño se fijó en las cantantes femeninas, porque sus voces le llenaban más. Se acostumbró a cantar en un registro alto imitando a esas interpretes, nombres como Ella Fitzgerald, Dinah Washington o Sarah Vaughan.

Llegó a coincidir con el saxofonista Charlie "Bird" Parker y este le dio un consejo; "sigue intentándolo siempre, aunque fracases".

Luego le vino un parón forzoso en su carrera; en 1957 fue mandado a Alemania para cumplir con su país y hacer el servicio militar. Allí coincidiría con Gary Crosby (hijo del gran Bing Crosby) y con un joven llamado Elvis Presley...

Intentaron convencer a Elvis para que se uniera a un grupo que estaban formando allí pero Paul contó más tarde que Elvis estaba solo preocupado en ser chofer de uno de los mandos y la música no era su principal interés allí.

Al terminar con el ejército, Paul formaría parte de varias bandas, sobre todo de jazz. En los 60 comenzaría a escuchar a The Beatles que tuvieron un gran impacto en su carrera musical. Comenzó a pensar en un sonido más abierto que el jazz, combinando elementos, al igual que hacían los de Liverpool. También fraguó una amistad muy cercana con Marvin Gaye que empezaba a brillar en la Motown tras varios pasos por otros grupos.

A finales de los 60, en 1968, se muda a Filadelfia y en un club de jazz mientras actuaba se le presenta el productor Kenneth Gamble y le ofrece un contrato para su recién creado sello Philadelphia International Records, que llevaba junto a su socio el también compositor Leon Huff. Juntos estaban creando lo que en los 70 sería conocido como el "Sonido Philadelphia" y que tuvieron en la segunda mitad de la década su mayor apogeo.

Paul firmaría con ellos y en 1971 editaría su primer álbum en el sello ("Goin East") que no obtendría éxito alguno. Gamble y Huff confiando en el potencial de Paul decidieron producirle su siguiente trabajo "360 Degress Of Billy Paul" y el cambio fue sustancial; #17 en la lista pop y #1 en la de r&b.

Gran culpa de ello fue el tema "Me & Mrs. Jones" que es una delicia y que tuvo un impacto grande y no solo en los Estados Unidos. Fue #1 en pop y r&b vendiendo más de 1 millón de copias en USA. En el Reino Unido llegaría hasta el 12 vendiendo unas 200.000 copias.

Billy Paul ganaría un Grammy a la mejor interpretación masculina de r&b por ella.

Lamentablemente Billy Paul no volvería a asomarse nunca más a las listas en la parte alta. Una mala elección como single posterior podría haber sido la causa o simplemente que no volvieron a dar con la tecla.

Como anécdota decir que existe una versión absolutamente brutal del grupo español "Insólito Club" (Paco Rivas, Yolanda Molina y Diego Cruz) que la versionaron en castellano en los años 90.

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#4

LOU REED

"Walk On The Wild Side"

Ya sé que muchos dirán que la calidad de un artista no se mide con la cantidad de éxitos que tenga en las listas, y es cierto pero; digo yo que habiendo debutado a mitad de los 60 tiempo has tenido de lograr algún hit, ¿no?

No seré yo quien diga que Lou Reed es esa clase de artista con mucho nombre porque los gafapasta-críticos-que vivieron los 60 y que se quedaron pillados por los ácidos los quieran defender a toda costa.

Lo jodido del tema es que Lou Reed viene además de haber formado parte de la Velvet Underground, una banda que sacó 5 álbumes y de la que soy incapaz de nombrar un solo tema. (Lo siento; el glam rock de los 60 y 70 no es lo mío).

Por lo que nos encontramos en 1972 y Lou Reed edita su primer álbum en solitario, que nadie compra, pero que parece ser llama la atención de David Bowie que ya era fan de la Velvet (otro...) y decide producir su siguiente disco que saldría meses después. El resultado fue que el primer Lp llegó al número 189 en USA y este segundo al 29. En UK pasó de no entrar en ninguna lista a ser #13. Algo tendría que ver el papel de Bowie.

El single de adelanto del disco es la célebre "Walk On The Wild Side", algo que Reed hacía desde que tenía 16 años y se metía de todo. El tema llegó al 16 en USA y al 10 en Reino Unido. Y ya. Nunca más.

Decir que la vida de Reed no fue fácil ya que comenzó siendo muy joven a tener problemas psicológicos (tal vez las drogas tenían algo que ver) y llegó a padecer los efectos de tratamientos que hoy en día serían prácticamente torturas.