The Jackson 5 "ABC" - Crítica

 

Hace unos cuantos días, el pasado 8 de mayo, se cumplían los 55 años de la salida a la venta del álbum "ABC" de The Jackson 5... por lo tanto es una excelente ocasión para hacer una crítica sobre él y así sumar una nueva a mi ya relativamente extensa colección de reseñas de los álbumes de Michael Jackson ya sea en solitario o con el grupo.

Cuando haces una crítica de un disco tan alejado en el tiempo es muy necesario el viajar atrás y explicar cómo estaba la industria del disco (el mundo en general) y poner en contexto la música que vas a analizar. Esto es algo que suelo hacer en todos mis repasos ya que normalmente hablo de discos que tienen décadas a sus espaldas pero en este caso es fundamental. Hablamos ya no de otra época, si no casi de otro mundo.

Solo tenéis que tener en cuenta que ese mismo 8 de mayo de 1970 salía también el "Let It Be" de The Beatles, que se despedían casi al mismo tiempo que comenzaba la carrera de otro icono musical mundial...

Así que estamos en 1970. The Jackson 5 llevan medio año de auténtica locura después de haber firmado con la Motown en 1968. Casi un año de entrenamientos, ensayos, búsqueda de material ideal y un gran trabajo de pulir aquel diamante que encontraron en una mina (y no de oro) en Gary, Indiana. Una de las poblaciones más salvajes del salvaje Estados Unidos de finales de los 50 en adelante.

Allí o consumías drogas o las vendías. El que tenía suerte de encontrar un trabajo ya se podía dar con un canto en los dientes. El hecho de acabar ganándote la vida ya fuera con el deporte o con la música te convertía en un elegido. Y estos 5 hermanos lo fueron. Gracias no solo al talento, que está claro que nacieron con él (hay que creerlo) si no también al duro -durísimo- trabajo y la mano derecha (izquierda, puños y demás objetos con los que podía golpearles) del patriarca de la familia Joseph Jackson...

Sabemos que en un corto espacio de tiempo tuvo sus frutos; fichando por la Motown, y también sabemos que tiempo después, acabaría teniendo otros resultados no tan positivos...

 Pero hoy venimos a hablar de música y dejaremos el drama para otro día.

El primer álbum del grupo tuvo un título tan pomposo como tramposo; "Diana Ross Presents The Jackson 5". Si; se podría decir que ella, como estrella principal de la compañía (y que comenzaba su carrera en solitario lejos de las Supremes) ponía su nombre como sello de calidad asegurada. Pero se sabe que ella no tuvo nada que ver con el descubrimiento y posterior desarrollo del grupo.

Pero molaba poner su nombre y así dar un pequeño empujón al grupo más joven de Motown. Berry Gordy no quería niños en la compañía pero con estos tuvo que tragar. Ese primer álbum salía y despachaba más o menos 1 millón de copias en USA (digo más o menos porque la Motown/Gordy no querían pagar por las certificaciones de la RIIA). El single de debut, célebre, "I Want You Back" les ponía de la noche a la mañana en el número 1 ante los ojos de todo el país y pronto se convirtieron en los mejores embajadores de ese "Sonido de la joven América" con los que Motown promocionaba a su música. ¿Quien mejor que ellos para encarar una nueva década que se presentaba con ciertos cambios sociales?

El éxito, inesperado, puso a la Motown manos a la obra metiendo al grupo en el estudio de grabación. Tenían que lograr alargar la voz de ese niño que cantaba como un hombre, en cuanto a credibilidad y calidad vocal. Con 11 años esa voz podía cambiar y de golpe dejar de impresionar al público. Así que los 5 hermanos vivieron esos meses (o par de años) entre el estudio de grabación, platós de televisión y recintos de conciertos. Exprimamos la gallina...

Por lo que ya estamos en mayo, por unos pocos días aún no se habían cumplido los 6 meses de la edición del primer álbum, cuando ya tenemos el segundo listo.

Del primer disco tan solo sacaron un single ya que el resto de temas, aún teniendo calidad más que aceptable, estaba casi formado por un puñado de versiones. Tenían tanta prisa en presentar al mundo el talento del joven Michael y sus hermanos que no podían permitirse estar meses componiendo material original. Además, teniendo el catálogo que tenían con temas de Smokey Robinson, Stevie Wonder, Diana Ross & The Supremes, The Temptations o Marvin Gaye, ¿quien necesita algo más?

Por lo que "ABC" sigue el patrón, no de manera tan a rajatabla, del primer álbum. Resulta curioso que cuando decidieron que Michael debía ir en solitario, también actuaron de la misma manera; versiones a casco porro, a pesar de que ya era conocido...  

Ya he comentado antes que el mismo día que aparecía "ABC" lo hacía también el último álbum (cronológico) de The Beatles; "Let It Be". Ese no era su rival en las listas, por supuesto, pero los números reales nos dicen otra historia:

El "Let It Be" de The Beatles fue número 1 durante 4 semanas y vendió ese 1970 500.000 copias (está certificado por la RIIA). El disco de los J5 se quedó en el #4... pero vendió como el primero; aproximadamente 1 millón de copias.

En ese año de 1970 los artistas que ocuparon el #1 de la lista Billboard de álbumes fueron estos:

 

The Beatles

Simon & Garfunkel

Led Zeppelin

Blood, Sweat & Tears

Creedence Clearwater Revival

Crosby, Stills, Nash & Young

Santana

el álbum del Festival de Woodstock

y el primer álbum de Paul McCartney en solitario...  

 

Como veis no hay muchos artistas que no sean blancos y que no hagan rock. Todo muy variado...

Por lo que los resultados de los J5 son más importantes de lo que nos cuenta la historia del rock. Cuando comenzaron su primera gira por USA batieron récords de asistencia de Elvis Presley y de The Beatles, así que cuando os quieran hacer ver que los Jackson 5 eran un grupito de negritos que hacía música "bubblegum" (que término tan despectivo) tened bien en cuenta de quienes han contado la historia del rock (o de la música en general); medios blancos que adoran el rock y a sus artistas blancos y melenudos.

Esa disputa con The Beatles, no se detuvo ahí; los 2 singles del grupo de Liverpool (2 de las mayores joyas de la música de todos los tiempos) "Let It Be" y "The Long And Winding Road" alcanzaron el #1 en la lista pop de Billboard... y ambas fueron desbancadas por "ABC" y "The Love You Save", los 2 singles extraídos del Lp de los chicos de Gary.

Y si queremos estirar más esa competición; tanto "Let It Be" como "ABC" fueron nominadas en los Grammy a la mejor interpretación contemporánea vocal de un duo o grupo... aunque cayeron ante la mágica "Close To You" de The Carpenters. ("Let It Be" también fue nominada a mejor canción del año pero perdió ante Simon & Garfunkel y su "Bridge Over Troubled Water").

La competencia real de los Jackson 5 estaba en los artistas negros, y ni eso; los Jackson 5 pasaron 31 de las 52 semanas del año en el #1 de la lista r&b de álbumes; "Diana Ross..." (9 semanas), "ABC" (12 semanas) y el tercer disco; "Third Album" (10 semanas). 

Eran la nueva sensación y arrasaban, en su terreno y se llevaban su tajada, hasta donde les dejaban, en "La liga de los mayores"...

Una vez puesto en contexto el momento en el que nos encontramos ya toca hablar de la música en si misma; nos encontramos con un trabajo formado por 12 temas, con muuuuchas versiones (algunas recién salidas) y que suponía afianzar al grupo en este océano lleno de tiburones que era el negocio del disco.

Ahora si; viene la crítica del "ABC" de The Jackson 5.

 

01 - THE LOVE YOU SAVE

Cuando los J5 debutaron con "I Want You Back" lograron una de esas gestas que es hacerse con uno de esos llamados "instant classics", un tema que estaba de alguna manera elegido a ser parte de la historia de la música. La cantaba un niño pero aquello no era música de o para críos, aquello era música soul de primera categoría. De hecho, hasta la "prestigiosa" (ojo a las comillas) revista Rolling Stone la eligió hará un par de años como la segunda mejor canción debut de la historia... tras el "Baby, One More Time" de Britney Spears...

Lo que quiero decir es que "I Want You Back" no era para nada algo infantil, pero la Motown olió la sangre y vio que por ahí podían sacar tajada y sus 2 siguientes singles (y alguna que otra canción del disco) si fueron compuestas decididamente a sonar bastante infantiles. Basta con escuchar el ritmo de "ABC" o la letra de "The Love You Save" para ver que no iban por el mismo camino de "I Want You Back".

¿Eso quiere decir que no son buenas? Para nada; ambas son 2 tremendas sacudidas de 3 minutos que te dejan loco. La fuerza y la energía de la que gozaban estos chavales eran imparables y eso se transmitía a sus compositores y productores que estaban en sus 20ypico/30ypocos.

"The Love You Save" encabezaba el nuevo álbum y salía como tercer single siguiendo la senda del éxito de los 2 anteriores; doble número 1 en pop y r&b.

Hay algo muy curioso que deja bien claro lo zorro que era Berry Gordy. Él, como sabio ejecutivo y listo como él solo, sabía de la valía de los J5, además era el jefe de la compañía y era él el que iba a dar luz verde en destinar la promoción adecuada para que el nuevo producto terminara siendo lo más valioso posible. Así que se guardó un as bajo la manga creando y siendo parte de un grupo de composición y producción al que llamó The Corporation. Él junto a Deke Richards, Fonce Mizell y Freddie Perren, colaboraron a la hora de crear nuevos temas exclusivamente para los Jackson 5. No hay otro artista de la Motown (que yo recuerde) que tuvo la suerte de tener a este súper grupo tras alguna de sus temas.

The Corporation estuvo presente en los 5 o 6 primeros discos del grupo, aportando 2 o 3 canciones por álbum y siendo en algunos de los casos los singles elegidos. No, Gordy no tenía un pelo de tonto; sabía que esos temas que tanto iban a sonar iban a generar unos buenos royalties... que irían de nuevo a su bolsillo.

"The Love You Save" iba sobre una niña que tenía demasiadas ganas de crecer y eso la podía convertir en  la comidilla del resto de compis... Michael canta; "yo soy el que te quiere, soy el que necesitas" mientras la voz de Jermaine actuaba como la voz de la conciencia y le decía: "detente, el amor que salves puede ser tu amor propio. Ve despacio o tal vez un día te encuentres sola".

Todo eso cantado con tremendo rollazo, gusto y sonando espectaculares y con algunos de los mejores músicos de sesión que hayan existido jamás; los Funk Brothers. El resultado es ese pedazo de cohete a lo más alto a pesar de ese sonidito o letra un tanto añiñada.

10

 

02 - ONE MORE CHANCE

Para mi hay una cagada importante en la secuenciación del disco; yo hubiera comenzado pro "ABC" y acto seguido hubiera atacado con "The Love You Save". Hubiera sido un inicio de álbum potentísimo e incontestable. Pero aquí decidieron meter una baladita (bonita) en medio y cortar el rollo.

The Corporation estaban detrás de ella, 3 de sus 4 temas, estaban abriendo el disco. Es una balada pero tampoco suena tan clásica como era lo habitual en los últimos años de los 60. Aquí querían dejar claro que cambiabamos de década y había que darle un poco más de intensidad y para intensidad la del joven Michael que giraba como un demonio cuando bailaba pero que tenía la increible habilidad de tocar fibra con los temas lentos. Esta no era lenta, era un medio tiempo que si suena más lenta es por estar "sandwicheada" por 2 rebanadas de funky/soul.

Comienza suavecita pero va subiendo en urgencia para terminar con Michael dándolo todo, especialmente en los puentes que es donde más se luce. Es como el "Can You Remember" del primer álbum. En este caso la letra no tenía nada de infantil y bien la podría haber cantado cualquier artista de la casa.

7

 

03 - ABC

Y seguimos en la misma onda; "ABC" fue el tema que dio título al álbum y bien podría haber encabezado este grupo de canciones. Aquí volvemos a oir ese ritmito infantil que recuerda a un juego en el patio. La letra con ese "ABC, Do Re Mi, 1 2 3" pues eso; fácil, pero luego tenemos los versos donde Michael y Jermaine se vuelven a pasear. Es increible como suena la voz de Michael Jackson siendo el retaco que era, con ese poderío, esa aparente facilidad de sacar 3 minutos de música adelante y hacerla grande.

A la vuelta del break, donde va añadiendo cositas mientras el grupo va cantando es una locura. Y con esos sonidos de percusión de fondo haciendo que todo suene tan cercano siendo tan complicado. Esto es música soul de primera, nada de aquello que quisieron llamar "bubblegum" para tratar de quitarle mérito.

Otro #1, quitando del primer puesto al "Let It Be" de The Beatles y ambas siendo nominadas al Grammy a la mejor interpretación vocal contemporanea de un duo o un grupo... que se llevaría la maravillosa Karen Carpenter y su "Close To You".

Los Jackson 5, los Jacksons cuando dejaron la compañía y Michael en todas sus giras, estuvieron cantando estos 3 temas ("I Want You Back", "ABC" y "The Love You Save") en un medley y el público seguía 30 años después volviéndose locos.

10

 

04 - 2-4-6-8

Este tema es una rareza; por una parte vuelve a tener elementos infantiles que la compañía quería seguir explotando aunque Jackie tuviera ya 19 años y le sacara 2 cabezas a Michael y Marlon. Pero por otra parte tiene un gran break a mitad de tema y un final que no tiene nada que envidiar a otras canciones del grupo.

Tras ese break el resto del tema es una pasada nuevamente con las voces de sus 2 solistas intercambiando frases (que mala suerte Jermaine con que su hermano fuera Michael Jackson...).

A esto le añadimos esos coros del grupo que suenan tan absolutamente perfectos desde el primer álbum y que ofrecían unas armonías geniales.

El tema estaba compuesto por Leon Ware y Pam Sawyer. Ware fue un tío providencial en el crecimiento de Marvin Gaye como artista libre sin ataduras y también trabajó con artistas como Quincy Jones o Minnie Riperton y ya más cercano en el tiempo junto a Maxwell, artista que me encanta.

Por su parte Pamela Sawyer, que aún sigue viva rondando los 90 años, fue una compositora genial que creó auténticos himnos como "Love Child" de The Supremes o "If I Were Your Woman" de Gladys Knight & The Pips. También compuso "Touch" para los Jackson 5 (tema que me gusta mucho) y trabajó con Jermaine en los primeros 80. Sawyer forma parte del "Salón de la fama de los compositores".

7,5

 

05 -  (COME 'ROUN HERE) I'M THE ONE YOU NEED

Hasta ahora los 4 primeros temas eran originales, algo que no había pasado con "Diana Ross Presents The Jackson 5". Así que era cuestión de tiempo, porque era política de empresa, que tiraran del vasto catálogo de hits que poseía la Motown (y así, nuevamente, los royalties para la butxaca...). 

Aquí nos encontramos con el primer cover; "(Come 'Round Here) I'm The One You Need" que había sido cantada por primera vez por Smokey Robinson & The Miracles 4 años antes.

En esos 4 años la música había evolucionado y se puede apreciar facilmente al comparar ambas grabaciones pero la mayor diferencia estaba en las interpretaciones de los solistas. Sabemos que Smokey Robinson es uno de los pilares de la Motown, una preciosa voz casi siempre en falsete y un genio a la hora de componer, pero aquí Michael vuelve a atropellarle como pasó con "Who's Loving You" en el disco de debut.

Michael se enfrenta al tema a tope desde la primera frase. Brutal como estalla en las frases habladas y como aún es capaz de irse más arriba conforme el tema va creciendo. Es de locos. La dulzura de la voz de Robinson no está aquí por ninguna parte, aquí hay un cantante que está sacando todo el deseo que lleva dentro por la chica a la que canta. Al final del tema chilla un "baby" que 30 años después clavaría en "Heaven Can Wait" del Lp "Invincible". Aún llevaba dentro ese fuego...

El tema es una maravillosa composición del trio de Dioses "Holland-Dozier-Holland" que los J5 se meriendan como si de un bocata de pan con chocolate se tratara.

No es un 10 de milagro...

9,5

 

06 - DON'T KNOW WHY I LOVE YOU

Ahora le tocaba a otro prodigio el ser versionado; nada más y nada menos que Stevie Wonder que ya había dejado de ser "little" y que estaba en camino de ser "GIGANT".

La versión de Stevie Wonder, de su álbum "For Once In My Life" de 1968, por lo tanto con 18 años, no se queda corta en cuestión de intensidad. Stevie lo da todo y con esos 18 años el tema cobra toda su verdadera esencia. Sabemos exactamente porque quiere a la chica, aunque él diga que no...

En la toma de los Jackson 5, un Michael Jackson que aún no ha cumplido 12 años, vuelve a cantar sobre algo que aún no ha sentido pero el cabroncete lo vuelve a bordar. No digo que supere a Stevie pero el debate está sobre la mesa y no quedaría tan mal, aunque el tema de la edad le baja una estrella y el final suena un tanto histérico por encima del deseo.

8

 

07 - NEVER HAD A DREAM COME TRUE

Para esta nueva versión, otra vez de Stevie Wonder, no tuvieron que irse demasiado atrás para buscarla entre los demás discos del genio de Saginaw, Michigan. Era el single que Stevie acababa de sacar! De hecho salió como primer single de su nuevo álbum que tardaría en salir varios meses aún. El single de Wonder salía en febrero y los J5 la metieron su disco de mayo...

Este tema de Stevie nunca me ha dicho demasiado. De su álbum "Signed, Sealed & Delivered" fue el menos exitoso de los 4 que salieron en single, a pesar de ser el primero. Sonaba aún a los 60, quizás demasiado clásico y no aportaba nada nuevo a lo que ya se conocía de Stevie.

Un dato para hacernos la idea de lo que fue el álbum "ABC" es que este disco de Stevie llegó al puesto 25 en la lista pop de Billboard y al 7 en la de r&b. Por su parte los J5 fueron #4 en pop y #1 durante 12 semanas en r&b...

En la versión del grupo nuevamente el sonido cambia y Hal Davis, que es quien produce los temas que siguen al trio de The Corporation, sabe darle un sonido mucho más fresco a pesar de ser temas que salieron prácticamente al mismo tiempo. pero tampoco me dice nada o bien poco. Es hasta este momento el tema más flojo del disco.

5,5

 

08 - TRUE LOVE CAN BE BEAUTIFUL

Bobby Taylor & The Vancouvers fueron los verdaderos descubridores de los Jackson 5, o al menos quienes le dijeron a la gente de Motown; "tenéis que escuchar a estos chcios".

Les hicieron caso, les llevaron a L.A. y les firmaron un contrato y luego le encomendaron a Bobby Taylor una misión; "llena de soul el alma de Michael". (Luego nosotros ya veremos por donde tiramos).

Para Taylor Michael SIEMPRE fue un cantante de soul, al principio y al final de su carrera, pero no siempre se quiso que tirara por ese género y si por otros que estaban más de moda.

Poco de lo que estuvieron trabajando Taylor con el grupo ha terminado saliendo y menos en los discos oficiales del grupo pero aún asñi hay algún tema que si tuvo cabida, como es el caso de este "True Love Can Be Beautiful" que a pesar de que sube la nota con respecto al anterior tema de Stevie Wonder tampoco la eleva a matrícula de honor. Está bien pero no deja de ser un tanto relleno, algo que por entonces era habitual...

El tema sería aún suficientemente valorado para que meses después fuera versionado por los Ruffin Brothers, que no eran otros que David Ruffin (ex de The Temptations) y su hermano mayor Jimmy, que grabarían un disco juntos. David, genial cantante, tuvo una vida plagada de problemas con las drogas y fallecería en 1991. Curiosamente Michael Jackson pagó su entierro. Ruffin tenía 50 años, los mismos que tenía Michael cuando murió...

Volvamos a la música; ya comentado: tema normalito que no destaca ni por abajo ni por arriba. Lo mejor es un momento hacia el final del mismo donde tras un break hay un momento en el que Michael hace un sonido de percusión con la boca como haría en "Who Is It" en 1991...

Bobby Taylor lo produce.

6

 

09 -  LA LA (MEANS I LOVE YOU)

Ahora es el turno de The Delfonics para ser revisados por los J5, nuevamente bajo la producción de Hal Davis. 

The Delfonics fueron un grupo formado por los hermanos Hart en Philadelphia en 1964. Junto con el compositor y productor Thom Bell crearían algunas de las más bellas canciones de amor de finales de los 60. Una de ellas fue la maravillosa "La La (Means I Love You)" del año 1967 que el grupo llevaría hasta el #4 en las listas pop de Billboard.

3 años más tarde un nuevo grupo les estaba versionando en una de las primeras (de muchas) que se hicieron; desde Booker T & The M.G.'s hasta Swing Out Sister, desde los Manhattan Transfer hasta Prince. También fue utilizada en películas de Spike Lee o Quentin Tarantino.

En el corte de los J5, Michael canta con su voz de niño soprano/tenor, mientras que Will Hart lo hace en falseto en la original. La pasión que pone el chaval es incontestable y vuevlo a decir que supera a la original, con la única pega de la cuestión de edad, claro.

Una preciosa versión.

8

 

10 - I'LL BET YOU

En contraposoción al soul del sello Stax y a los pelotazos de la Motown que se colaban con facilidad en las listas de pop, a finales de los 60 surgieron otros grupos que iban un poco más allá en cuanto a experimentación y endurecimiento del sonido, con ritmos funky psicodélicos y también con elementos del rock como eran las guitarras eléctricas. Los Sly & The Family Stone eran uno de los grupos favoritos de los hermanos Jackson, sobre todo de Michael y Jackie.

Otros que también salieron por aquellos días fueron Funkadelic con George Clinton como figura prominente entre un montón de músicos de toda clase.

El álbum debut del grupo, llamado también "Funkadelic" salía en febrero de 1970 y como en el caso del cover de Stevie Wonder, en Motown estuvieron atentos para subirse al carro...

El tema de los Funkadelic, con más de 6 minutos, con un sonido bastante oscuro, varios solistas y solos de guitarra eléctrica salió como single y alcanzó el puesto 22 en las listas de soul. El álbum no fue precisamente un éxito logrando tan solo el 126 en la lista pop. El momento de Funkadelic estaba aún por llegar y sería a mitad de la década.

En la revisión de los Jackson 5 estaba claro que la canción no podía durar 6 minutos. Aún faltarían un par o 3 de años para que salieran de la fórmula de los 3 minutos del single pop standard. Aún así Hal Davis hizo un gran trabajo en suavizar el sonido de Funkadelic pero manteniendo aún ese atrevimiento, un bajo pesado, esa percusión malota y las voces de todos los miembros del grupo cantando algunas frases solistas (menos Marlon, creo). De esta manera se mantenía ese ambiente de comuna hippie que tenían los cortes de George Clinton.

Por supuesto y a pesar del buen trabajo de Jermaine, es Michael nuevamente el que se sale por encima del resto. Ya comenzaba a rasgar su voz y hacer los mejores y más acertados "adlibs" que pronto serían seña de su repertorio.

Otra buena versión.

8

 

11 - I  FOUND THAT GIRL

Cuando digo que Jermaine tuvo la mala suerte de que Michael fuera su hermano me refiero a que en otras circunstancias podría haber sido una enorme estrella por si solo. Tenía la voz, tocaba el bajo como un demonio, no era mal compositor, un correcto productor y además tenía a las chcias locas.

Una prueba de esa calidad de Jermaine es esta preciosísima "I Found That Girl" que estoy seguro que mojaría prendas íntimas por aquellos días. Un joven le cuenta a su madre que quiere encontrar a la chica ideal para saber lo que era el amor. Vamos; a chorrazos...

La canción estaba compuesta por The Corporation y fue cara B del single "The Love You Save" cortando la posibilidad de haber salido como un posible tercer single. Jermaine canta solo el tema y sus hermanos hacen unos bonitos coros de apoyo.

Muy buen tema.

8,5

 

12 - THE YOUNG FOLKS

Y para cerrar el discopues una última versión, esta vez de Diana Ross & The Supremes del año 1969. Tampoco había que irse tan atrás en el tiempo.

Versionar a Diana Ross era algo que se le daba bien a Michael, de hecho los J5 hicieron bastantes versiones de la Diva de la Motown en sus discos.

Aquí con respecto a la original le dan un poco más de vidilla porque la de las Supremes es bastante lentorra. Diana se mece por su corte y Michael deja más espacio a los cambios y a las subidas. Especialemte vibrante son los puentes donde su voz dibuja la melodía.

Es un buen tema en ambas interpretaciones. La de Diana más "laid back" y la de los J5 con más brio. En ambos casos, eso si, los coros suenan casi idénticos. Vuelve a ser Hal Davis el que dirige esta producción.

7

 

Nota Final: 7,91 (Notable)

Sin duda un paso adelante con respecto al primer álbum del grupo. El número de temas originales (la mitad del total) hace que sea considerado un mejor disco ya que los temas en principio fueron creados para ellos. También la elección de las versiones era más acertada, incluyendo a Funkadelic que se salía de lo habitual en la pulcra Motown. El resto pues un poco de lo mejor de la casa; Stevie Wonder, Diana Ross y Smokey Robinson, todo bien. Una concesión a los "rivales", con ese sonido Philadelphia que se estaba haciendo cada vez más fuerte. Todo eso metido en la coctelera y en menos de 6 meses ya tenemos nuevo trabajo del grupo de moda.

Y por encima de todo, por supuesto y a parte de la calidad del grupo que iba creciendo día a día literlamente, está la solvencia de su solista que aún no había cumplido 12 años y ya se movía en escena como una mezcla de James Brown y Jackie Wilson y cantaba con absoluta credibilidad lo que le echaran encima. Sin problemas.

La única pega que le pongo a los primeros discos del grupo es que su sonido no es tan fino como los discos en solitario de Michael. Sería a partir del álbum "Looking Through The Windows" en 1972 cuando ese sonido ya sería Top. Supongo que sería gracias a mudarse de Detroit a L.A. y grabar en estudios más nuevos y mejores...

1970 fue el año de los Jackson 5; 3 álbumes entrando en el Top-5 de Billboard, vendiendo cada uno de ellos 1 millón de copias, sus números 1 en single y su primera gira nacional con las entradas vendidas y superando cifras de asistencia de Elvis Presley.

Era complicado mantener este nivel y aún así 1971 fue bastante parecido. Una vez que vieron que el proyecto grupal comenzaba a verse un tanto saturado ya tenían dispuestos los debuts en solitario de Michael y Jermaine (y Jackie).

   

  

La Canción De La Semana "La Noche No Es Para Mi" - Video

 

Aunque nos lo quieran vender de esta manera Madrid NO es el centro del universo. En los 80 tampoco fue el único foco de talento del país en cuestión musical. Hubieron muchas movidas aunque para los interesados ha quedado para la historia que "la movida madrileña" fue la única, lo más y que en el resto de España no existía nada.

Algún día escribiré sobre una de las mayores mentiras de este país; la musical, las otras se las dejo para los valientes que no teman ser perseguidos por los Tribunales Fachas... 

De Valencia venían estos Video, curioso nombre que dejaba claro que nos hablaba de los años 80. (Para los jóvenes de hoy en día, el video (aparato reproductor/grabador) fue lo que es el teléfono móvil para vosotros.

Esta formación venía de otra anterior llamada Albatros, de la que eran miembros 3 de los 6 participantes.
Albatros, que hicieron música a finales de los 70, suenan a la versión primitiva de Los Rebeldes. Los temas que he escuchado de ellos suenan realmente bien, una mezcla de rock, pop y folk.

Pero con la llegada de los nuevos 80 el bajista Carlos Solís y los guitarristas Vicente Chust y José Manuel Moles quisieron cambiar de tercio con su nuevo grupo al que añadieron al baterista Puchi Balanzá, a la teclista Sissi Álvarez y la cantante Pepa Villalba, una menuda chica con preciosos ojos verdes.

Y decidieron hacer "synth-pop" que estaba muy de moda.

Para su primer tema (y varios más del primer álbum) contaron con la inestimable ayuda de un tal Tino Casal, que ya era un revolucionario musical. "La noche no es para mi" ya era un buen tema (compuesto por Carlos Solís) pero con la mano de Casal se convirtió en un GRAN tema... y un potente éxito; se vendieron cerca de 100.000 copias.

Video grabarían 4 Lp's desde 1983 a 1989 que no pasaron a la historia precisamente. Su cantante, Pepa Villalba, dejaría el grupo y la música de la noche a la mañana para sacarse la carrera de medicina.

En 2011 varios miembros editarían un nuevo disco sin Villalba. Esta fallecería en 2017 víctima de una enfermedad degenerativa...

Hoy recordamos a Pepa y a Tino y estoy seguro de que "la noche si era para ellos"...

Feliz escucha, feliz semana.

 

"LA NOCHE NO ES PARA MI"

Video

 

 

La Canción De La Semana "Hangin' On A String (Contemplating)" Loose Ends

 

A finales de los años 90 me compré un álbum doble titulado "The best swing... ever!" en los que había 40 temas que comprendían básicamente los primeros años 90 en cuestión de R&b; desde Bobby Brown a R. Kelly, desde Mary J Blige a Aaliyah.

Pero había 2 o 3 canciones que pertenecían a otra época, anterior. Uno de esos temas es el que esta semana os traigo y que precisamente en estos últimos días está bastante presente en YouTube ya que se cumplen 40 años de su edición.

 Se trata de la canción "Hangin' On A String (Contemplating)" del grupo Loose Ends.

Estos Loose Ends fueron una formación inglesa que prácticamente fueron unos pioneros al hacer soul/r&b en el Reino Unido.

Si por algo se ha caracterizado el soul inglés es por su alto nivel de calidad, siempre muy musical, bastante orgánico y muy bien producido. A diferencia del americano que si fue variando más y no siempre a mejor, los británicos estuvieron décadas haciendo básicamente lo mismo hasta que Craig David trajo de moda algo diferente.

En el caso de estos Loose Ends, un grupo formado en 1980 por Jane Eugene (voz), Carl McIntosh (voz y guitarra) y Steve Nichol (voz y teclados), lo más destacable es que fueron el primer grupo inglés en tener un #1 en la lista de r&b americana (también lo fue en la lista dance) y fue precisamente con este "Hangin' On A String", que suena genial. Hablamos de 1985.

Loose Ends tuvo un final -de su formación original- en 1990 después de 5 Lp's, los primeros 4 con Eugene, Nichol y McIntosh. El último, de 1990, solo tendría como miembro original a McIntosh, que posteriormente seguiría con el nombre del grupo pero yendo en solitario.

Así que esta semana nos ponemos melancólicos y viajamos a tiempos pasados, generalmente mejores, para recordar y volver a gozar este temazo.

 Feliz escucha, feliz semana.

 

"HANGIN' ON A STRING (CONTEMPLATING)"

Loose Ends

 

  

Prince & The Revolution "Around The World In A Day" - Crítica

 

Decir que Prince estuvo pensando en como superar el éxito de "Purple Rain" es una equivocación, más que nada porque el paso siguiente a su álbum más vendido llevaba casi la mitad grabado cuando "Purple Rain" aún no había sido editado.

Prince nunca siguió las reglas, de ningún tipo. No lo hizo en su vida, no lo hizo con su música así que tampoco lo iba a hacer con las reglas que impusieran otros, en este caso las discográficas Y así le fue, para bien y para mal. Aquí habría largo de que hablar...

Queridos hermanos, hoy estamos aquí reunidos para hablar sobre el disco que vino tras el monumental éxito de "Purple Rain" que hoy precisamente cumple 40 años. "Around The World In A Day" salía con Prince recién terminando su gira por los Estados Unidos promocionando su triunfal álbum (y película) que lo elevó al Olimpo de los Dioses de los años 80.

Antes de hacer este repaso en forma de crítica quiero aclarar una cosa muy importante; si, soy fan de Prince, para mi es el segundo mejor artista que ha dado la humanidad pero estoy lejos de ser un experto en el tema puesto que para seguirle necesitas una vida entera dedicada solo a ello. Es imposible estar a todo con lo que este tío hizo desde 1978 hasta su último día en La Tierra. Por lo que puede (seguro) que habrán fallos en mis apreciaciones. De todas maneras mi crítica es precisamente eso; mía.

Aclarado esto, vamos al tema; "Around The World In A Day", como "follow up" del punto álgido de tu carrera en cuanto a éxito y ventas que no tiene porque ser el mejor.

Como siempre esto irá dividido en 2 partes; la primera donde analizo el momento de su carrera y lo que estaba sonando y mandando en las listas, y una segunda donde me centro a las canciones del disco, dando algunos datos y puntuándolas del 0 al 10. Así de fácil.

Por lo que nos remontamos a inicios de 1984. Prince ya tiene grabado su disco "Purple Rain" y su película del mismo nombre, que sabemos que saldrán en junio y julio de ese 1984. Ambos proyectos ligados entre sí en una jugada muy arriesgada puesto que si bien en la música Prince ya llevaba editados 5 álbumes, tan solo el último -"1999"- había sido un éxito verdaderamente importante al llegar al #9 en la lista pop y al 4 en la lista r&b. Pero es que en el mundo del cine Prince era un total novato puesto que había grabado algunos videos pero habían sido simples actuaciones en playback de sus temas, no videos en los que tuviera que demostrar ningún tipo de talento interpretativo más allá del musical. Por lo que estaba claro que el film iba a ser un musical y que las escenas más destacadas iban a ser aquellas en las que estuviera sobre un escenario haciendo lo que mejor sabía hacer; música. Por ahí ninguna sorpresa.

Pero el álbum fue un pelotazo tremendo llegando a vender 14 millones de copias solo en Estados Unidos, a ser #1 en la lista pop durante 12 semanas y ser también número 1 en la lista r&b durante 17.

Y por supuesto, la película también fue otro triunfo al recaudar cerca de 70 millones de dólares (10 veces su coste) y ser #1 en cartelera la semana de su estreno.

Pero Prince antes de que todo esto sucediera ya estaba a otra cosa...

Iba adelantado incluso a su propia carrera. Uno de los problemas, o el mayor de los problemas, que tendría en un futuro con Warner sería que se aburría al intentar seguir los tempos que desde la compañía le querían imponer. Es imposible promocionar un nuevo trabajo cuando una vez editado el artista ya está liado en el siguiente. Se estaban jugando mucho dinero y aquí debo darles a Warner el 100% de la razón. Es más; con toda esta prisa, para mi, Prince nunca tuvo un disco redondo al 100%. (Y sé que aquí los más acérrimos de sus seguidores no van a estar para nada de acuerdo).

Y es que en febrero de 1984, cuando aún quedaban 5 meses para que comenzara la explosión púrpura, Prince ya estaba en el estudio (o algo parecido) grabando nuevos temas. De hecho, más concretamente, en febrero comenzaría a grabar "Pop Life" como primer tema que sería incluido en el nuevo álbum.

El comentario que antes he hecho sobre el estudio o "algo parecido" viene porque el lugar donde se grabó casi por completo el disco sería ese almacén que él había convertido, tras comprarlo, en un improvisado centro de ensayos para la película y posterior gira. El "Flying Cloud Drive Warehouse" había sido equipado con todo lo necesario (un par de mesas reguleras que Prince se había traído de su anterior almacén/estudio) para grabar pero con bastantes limitaciones tanto técnicas como en cuestión de calidad.

Aquí vengo a darle otro palo a Prince; yo, que no soy naide rajando de uno de los artistas más grandes; la calidad del sonido de los discos de Prince de los años 80 deja bastante que desear y esos álbumes necesitan todos un upgrade en forma de lavado de cara a toda prisa. Pero él estaba a tope de power y no podía esperar hasta que le construyeran su flamante nuevo estudio al que llamaría "Paisley Park". (Esto pasaría en 1987).

Así que tras "Pop Life" vinieron el resto de temas. Desde febrero hasta noviembre estuvo grabando... a la par que ensayaba para su inminente "Purple Rain Tour" que comenzaría en esas fechas (4 de noviembre de 1984).

"Temptation", que fue el último tema grabado para el disco incluso llegó a tocarse con toda la banda en unas pruebas de sonido para la gira.

"Around The World In A Day" fue un disco en el que Prince permitió un cierto mayor aporte por parte de la banda The Revolution. Incluso una de las canciones, la que le daba título, había sido compuesta por David Coleman, hermano de Lisa, que recibió un regalo por parte de Prince en forma de "tienes unas horas gratis de estudio, a ver qué haces" y este las aprovechó creando esta canción, que cuando Prince la escuchó decidió hacer algunos cambios y finalmente grabarla y además darle el honor de titular el disco.

David era músico, no es que estuviera por ahí y se entretuviera con los instrumentos. Él tocaba el cello, el laúd y otros instrumentos percusivos de origen indio o árabe. De ahí viene un poco el rollo un tanto "hippie" del disco, con algunos toques de música psicodélica de los años 60 y primeros 70.

Coleman no fue el único invitado fuera de lo que era la base de The Revolution (Lisa, Wendy, Dr. Fink, Brown Mark y Bobby Z), también volvía a aparecer Sheila E, que había debutado en el universo Prince en "Purple Rain" o Taja Sevelle que era una de sus "protegidas"... ah! y su padre, el señor John L. Nelson también colaboraba con su hijo en un (brillante) tema.

Pero aún con esos ciertos privilegios a los demás músicos, Prince se cascaba varios temas en solitario haciendo él todas las voces y tocando todos los instrumentos, o contando como mucho con un solo músico extra. Por lo que el concepto de banda de The Revolution era más destinado a acompañarle en los directos que otra cosa.

Por supuesto Prince además aparecía como productor único, arreglista e ingeniero... y contó con otros 4 ingenieros básicamente según en donde estuviera grabando; David Leonard, que venía de ganar el Grammy al mejor ingeniero de sonido por su álbum con el grupo Toto (y ahora estaba grabando en un almacén reconvertido), Peggy Mac, que era trabajadora fija en los Sunset Sound Studios de Hollywood (de largo lo mejor donde se grabó "Around The World In A Day") y que tenía y tiene una longeva carrera con decenas de artistas importantes, Susan Rogers, que para muchos estuvo presente en una de las etapas más inspiradas de Prince (1983-87) y finalmente David Tickle que era el ingeniero que venía con el estudio rodante (era un camión) que les permitía grabar en lugares poco comunes o registrar conciertos.

Ya sabemos que Prince creaba sin otro interés que hacer música. Supongo que lo de "Purple Rain" fue una de las pocas veces que pensó en como crear algo muy grande para llegar arriba, establecerse y no tener que pensar más en esa forma de trabajar. Pero amigo; esto es el "show business" y puedes romper muchas reglas pero el negocio funciona a base de billetes, y si esos billetes no llegan, tus sueños no van a poder realizarse de la misma manera que tu querrías...

¿Era "Around The World In A Day" el disco que los fans esperaban? No, por supuesto que no. Prince enganchó a un público masivo con "Purple Rain", un público que se había quedado fascinado no solo por las canciones, de todo tipo de géneros, si no también por ese personaje que en la película luchaba contra demonios internos y lo único que quería era liberarse a través de la música, de su música. En eso creo que ficción y realidad estaban bastante ajustadas. Pero en "Purple Rain" había rock, había funk, habían baladas emotivas, había fuerza y había una estrella en todo lo alto.

Y... ¿con qué tuvo que enfrentarse Prince en las listas? Pues con el "Born In The USA" de Springsteen, con el "Like A Virgin" de Madonna, con el "Songs From The Big Chair" de Tears For Fears y con el "Make It Big" de Wham!. También con las bandas sonoras de "Beverly Hills Cop" y "Miami Vice" y con los discos más exitosos de 1985 que fueron el "Brothers In Arms" de Dire Straits (9 semanas #1) y el "No Jacket Required" de Phil Collins (7 semanas #1). Y también con el "We Are The World", en el que tenía un tema suyo incluido pero que su negativa a participar en el proyecto le hizo quedar mal con el público (y con algunos de sus "colegas" de profesión).

Y... ¿qué nos encontramos en "Around The World In A Day"? Cada cual hallará algo en la música, lo que viene a continuación es lo que yo encontré. Esta es mi crítica.

 

01 - AROUND THE WORLD IN A DAY

Lo dicho; como regalo de cumpleaños Prince le deja a David Coleman un par de días en los Sunset Sound Studios (sin duda un regalo caro) y este aprovecha ese tiempo para grabar una canción que luego presenta al jefe y este alucina tanto que decide -con el permiso de Coleman- retrabajarla e incluirla en el siguiente álbum.

Luego le vuelve a llamar para que sea él quien toque esos instrumentos tipo laúd o darbuka y a su hermana Lisa y a los hermanos Melvoin (Wendy, Susannah y Jonathan) para que canten el coro con él y listos.

Pasaron de grabar la demo en unos estudios de primera a grabar el tema en el almacén que Prince compró por casi medio millón de dólares y que tenía un sonido "justico".

El tema suena un tanto minimalista, dando protagonismo a esos sonidos tan poco comunes en el pop/rock americano de los años 80. Los Beatles habían tenido su momento experimental con estos sonidos con George Harrison a la cabeza, ¿por qué no lo iba a tener Prince?

Antes de este tema Prince ya había escrito letras "de fliparse", por supuesto, pero aquí no era una historia de como se lo montaba con su hermana o rollos así, aquí era más un estado mental. Un viaje en el que no necesariamente tuvieses que moverte físicamente. Era tu mente, tu alma, buscando lugares donde la sonrisa era lo más importante. Bonito mensaje de un tío que estaba en la cumbre del negocio (o que estaba a punto de llegar).

Lo curioso es que la voz de Prince se va haciendo más urgente y chillona conforme va avanzando el corte y acaba casi gritando, quizás de júbilo y alegría al haber encontrado ese lugar... o son drogas.

Una manera un tanto rara de comenzar el álbum, con ese tempo que no llega ni a medio, con ciertos toques árabes y sonando minimalista (que no equivale a pobre), pero es un buen tema y merece estar (a mi gusto) en una posible recopilación de los 50 mejores de Prince, aunque sea por diferente.

Existe una versión mucho más musicada con guitarra y bajo con bastante protagonismo y con un tempo un poco más acelerado. No está mal pero me quedo con la que salió finalmente en el álbum.

No salió en single a pesar de titular al disco.

8

 

02 - PAISLEY PARK

Ya lo digo de primeras; este álbum tiene 5 temazos (de 9). "Paisley Park" era otro lugar en la mente de Prince, este se llegó a concretar con hormigón, cristal y otros elementos de construcción, y con 10 millones de dólares, claro. 

Él desde que tuvo casa propia siempre tuvo su estudio dentro de su hogar. Primero una pequeña casa que tenía el piso de abajo ocupado con todos los trastos posibles y arriba un único cuarto con su cama y un piano. Y desde entonces siempre fue así, cada vez más espacio y cacharros, pero el estudio y su casa eran uno. ¿Inventó Prince el teletrabajo?

Pero antes de que se levantaran los muros físicos de su gran estudio hubo un tema con ese nombre; "Paisley Park", donde volvía a llevarnos a un viaje (esta vez más cercano) a un lugar de paz en el que para entrar solo tienes que creer. 

Gente sonriendo, chicas en columpios, son tal vez un poco estereotipos del hipismo de los 60 (¿"Magical Mystery Tour de The Beatles"?... pero lo que Prince nos viene a decir aquí es que ese lugar seguro está dentro de nosotros mismos, en nuestros corazones. Canta sobre una mujer que está triste al morir su marido, que la trataba mal, pero que si ella le perdona quizás pueda entrar en el parque... Mmm, no sé...

Tras el primer corte, aquí notamos al Prince más conocido y esperado; guitarra eléctrica y Linn Drum Machine, aunque el tema venga de la mano del anterior. Aquí Prince se hace un "Juan Palomo" y tan solo llama a Wendy y Lisa para que canten coros junto a él, y a una violinista llamada Novi Novog, que también había estado en "Purple Rain". El resto lo hace todo él mismo.

El tempo del corte sigue siendo un tanto cansino y las voces de las chicas suenan como, no sé; melancólicas y estiradas, es algo raro.

Fue single en algunos mercados europeos como Inglaterra (#18), Bélgica, Australia u Holanda. Se grabó un video un tanto "WTF".

Y como curiosidad, decir que en la cara B del single aparecía quizás la mejor canción no incluida en ningún álbum; "She's Always In My Hair". TEMAZO (10); y el mamonazo la deja fuera...

Pero "Paisley Park" sin llegar al excelente también es un gran tema.

8,5

03 - CONDITION OF THE HEART

En este tercer tema nos encontramos con el Prince baladista. A estas alturas de carrera ya había sacado "Do Me, Baby" y estaba a punto de sacar "The Beautiful Ones", dos de sus mejores canciones de siempre (entre las baladas y entre todas las demás), por lo que sabemos que cuando se sentaba ante el piano y la duración excedía los 5 minutos pues solían pasar cositas. 

Aquí el tema se acerca a los 7 minutos y comienza con un extraño sonido, como unos pequeños golpes (que me recuerdan a "Forever In My Life"). Acto seguido irrumpe un piano clásico y pronto unos sonidos de sintetizadores se van colando, ofreciendo un fondo un tanto fantasmal, pero es que va a cantar sobre el amor y esas mierdas...

Habla de una chica en París, de una dama en Londres, a la primera le escribe una carta y lo rechaza y la segunda prefiere quedarse con un "príncipe de verdad". Más tarde también nombra a una mujer del ghetto, a la que compara con Clara Bow (que fue una actriz del Hollywood mudo), esta lleva la misma colonía que llevaba su amada, por eso le recuerda a ella.

En los estribillos canta eso de "pensar en ti me vuelve loco, mis amigos dicen que es una fase...". Y esto me hace pensar de que Prince está cantando siempre sobre la misma mujer, su único amor, y el que quiere volver a encontrar en otras mujeres, ya sea de manera pensada o que simplemente hay algo en ellas que le recuerda a ella. Y esa es la condición del corazón; estar jodido cuanto te has enamorado de manera tan burra. Digo yo.

Así que Prince sufre igual que el resto de humanos cuando su amor se marcha.

Musicalmente es diferente a las 2 primeras. Ya el tratamiento es otro al acudir él mismo a los Sunset Sound a grabarla. Nada de almacenes o camiones, aquí buscaba un sonido claro porque pensaba que era otra cosa y lo merecía. Como digo ya había sacado "Do Me, Baby" y "The Beautiful Ones" estaba al caer, ambas muy superiores a esta.

La melodía es bonita y suena clásica pero no me acaba de gustar la voz con la que la interpreta. Me recuerda a como cantará en un futuro temas como "Until U're In My Arms Again" o "I Love U, But I Don't Trust U Anymore", con esa voz que parece no mantener la melodía y a veces el tono. Me hubiera gustado más con un falsete más consistente.

Tampoco hay momentos muy especiales ni a nivel de voz ni musicalmente, por mucho que le vaya metiendo sonidos y aumentando esa urgencia vocal. Si; está bien pero está lejos de ser una de sus grandes baladas.

 Por cierto; todo lo que se oye en el tema es Prince. El resto de la banda no curró ese día.

6,5

04 - RASPBERRY BERET

Y aquí llega el monster-hit del disco. Si, está muy bien ese rollo psicodélico y una suntuosa balada pero, por favor Prince danos lo nuestro.

"Raspberry Beret" era el corte que calmó la ansiedad de los fans que iban escuchando el disco desde el principio y cuando llegó les hizo pensar que el resto del disco ya sería más o menos lo esperado (ilusos).

Es puro pop con los suficientes toques para entrar en los mercados de r&b y nos encontramos nuevamente con el Prince que narra historias y en esta no es otra movida que una vez que se lió con una chica que llevaba una boina morada. Así de simple y zas! pelotazo en las listas.

Fue el primer single, pero nada de editarse de manera habitual tiempo antes del disco, no; Prince decidió que su vuelta tras "Purple Rain" se hiciera sin demasiada promoción y sacar un single de adelanto era algo que no quería, por lo que el álbum salía el 22 de abril y el primer single 3 semanas después, el 15 de mayo.

A pesar de todo, y como era un temazo alegre y bailable, llegó hasta el #2 en la lista pop (frenado por Duran Duran con su "A View To A Kill") y al 3 en la de r&b. Fuera de USA sus mejores posiciones fueron en Nueva Zelanda (2), Canadá (10) y Finlandia y Australia (13). En Reino Unido se quedó en el puesto #25.

También se grabó un video que mejoraba bastante a "Paisley Park" aunque tampoco tuviera mucha historia, pero al menos tenías mucho colorido y la canción hacía el resto.

Fue un tema que Prince tenía desde 1982 y existe una primera versión. Para el álbum volvía a tirar de las chcias para que le hicieran coros (Wendy, Lisa y Susannah), lo que resulta curioso siendo Wendy y Lisa tan buenas instrumentistas. Pero para eso ya estaba él, claro.

El resto de músicos eran David Coleman, Novi Novog y Suzie Katayama (en los instrumentos de cuerda).

Es una de sus grandes y fue grabada en el almacén!

10

05 - TAMBORINE

Y tras uno de sus clásicos... llega una de las "meh". Tiene un buen ritmo y es la más corta del disco. Eso por la parte positiva.

Lo no tan positivo es que es bastante boba de letra, con una melodía pasable y con ese final con una de las voces chorras que utilizaba de vez en cuando. No, no me gusta nada.

Es otra de las canciones en las que todo lo que suena es él. Pero ni con esas... 

A lo largo de su carrera grabó unas cuentas de este tipo.

3,5

06 - AMERICA

Dicen que la versión completa del tema dura más de 21 minutos y supongo que tendrá decenas de cambios, solos e idas de olla. Menos mal que para el disco decidieron que con 3:40 tenían suficiente.

Es un tema potente que une rock con un poco de funk y que pretende ser una crítica a los políticos y sus tejemanejes. Nuevamente decir que vendrían mejores en esta temática pero esta tiene una cosa muy buena; por una vez están todos tocando juntos y suena compacto, aunque tampoco sobresaliente.

Buen tema de álbum, rozando el relleno que tuvo cierta repercusión porque incluso grabaron un video en directo donde dejan rienda suelta y llegan a los 10 minutos. 

5,5

07 - POP LIFE

Y aquí nuevamente tenemos a The Revolution tocando y el resultado es otro. Está claro que Prince era un GENIO tocando todos los instrumentos pero el espíritu que se logra en este tipo de música cuando son varios músicos tocando al unísono es otra historia. Se nota en el ambiente.

"Pop Life" era tras "Raspberry Beret" el tema más accesible para el público y no es raro que ambos fueran los 2 singles editados en USA y ambos tuvieran éxito en las listas. Dales al público lo que quiere.

Aunque fuera un tema compuesto y producido por el propio Prince parece ser que la labor de Sheila E. fue algo más que tocar la batería en ella (en esta Bobby Z no participó siendo el único Revolution que se quedó fuera). Según leo en princevault.com (de donde he sacado mucha información para esta crítica), en USA y otros mercados se usó el mix que ella hizo del tema y que en el Reino Unido utilizaron para el single el remix del propio Prince (en ambos casos estamos hablando de versiones extendidas). 

Tras escuchar ambos remixes, el "Fresh Dance Remix" de Sheila E y la "Extended Version" de Prince, me quedo sin dudas con la segunda, que conserva de manera más fiel el rollo de la canción del álbum.

La canción es un clásico en su carrera. Tiene una melodía genial, la letra está inspirada, él canta genial y suena todo súper. Tiene un rollo de hit que tira para atrás y tiene tantos detalles como pequeñas notas de piano por debajo o ese bajo que arrastra con una fuerza brutal. Es una maravilla.

Fue el segundo single del disco en USA y alcanzó el #7 en pop y el #8 en r&b. (A pesar de ser Prince un artista negro no tiene una colección de números 1 en la lista de r&b; 8 de sus temas lograron serlo en toda su carrera).

10

08 - THE LADDER

El 31 de octubre de 1984 en el Saint Paul Civic Center Arena se realizó el último ensayo para el inminente "Purple Rain Tour" y Prince también aprovechó para grabar el "basic track" de "The Ladder". Días más tarde el tema sería retrabajado en el Flying Cloud Drive Warehouse donde se le añadirían los coros de las chicas y se harían las mezclas finales.

"The Ladder" era una nueva colaboración de Prince con su padre, John Nelson. Y contaba con una bellísima intro de cuerdas que fue compuesta por Wendy y Lisa. Aquí volvían a estar presentes todos los miembros de la banda y además también participaba en un apasionado solo de saxo Eddie M. que era parte de la banda de Sheila E. También estaba presente una sección de cuerda de 8 músicos para esa intro antes nombrada.

"The Ladder" me vuelve loco, desde el principio. Debe ser una de las primeras canciones de Prince que escuché y me gustó de manera inmediata y sin explicación. Por supuesto no entendía la letra, solo me dejaba llevar por el sentimiento que me provocaba y el sonido. Una vez que me llegó la letra la pregunta era: ¿Qué pasa con esa escalera?

Supongo que tanto hijo como padre estaban tras respuestas y esperaban encontrarlas en la religión. No sé si su padre era muy creyente pero Prince pasó de casi tener una propia creencia mental y personal a hacerse Testigo de Jehová años más tarde. Quizás estaba buscando ese perdón que dicen que te otorgan desde arriba y bla bla bla.

Musicalmente "The Ladder", de 5 minutos y medio, comienza con esos 20 segundos de violas, violines y cellos, para dar paso tras un extraño sonido de teclado, a esa batería (mezcla entre batería real y Lynn Drum) que estará constante durante todo el tema, sin cambios. Los versos están hablados, con la voz de Prince con un efecto de reverb, mientras nos cuenta esa especie de fábula de un rey (que no merecía serlo) que pasada de todo y se pasaba el día mirando a "la escalera".

Los estribillos están cantados y los coros se van haciendo más presentes conforme va pasando el tiempo. El añadido del saxo también va haciéndose más intenso aunque no tan protagonista como en la demo que grabó en los ensayos.

Y sobre todo Prince se va agenciando la canción con esos "adlibs" cada vez más intensos y pasionales, hasta convertir el tema en un pseudo canto gospel.

Termina con un "fade out" larguísimo (unos 15 segundos) y sin ofrecer respuestas a lo que esa escalera significa realmente, aunque está claro que nos imaginamos que es la que te lleva al cielo...

Es una joya y uno se imagina como sonaría si se cogiera pista por pista y le dieran un tratamiento mejorando el sonido.

10

09 - TEMPTATION

Y llegamos al final del disco. "Temptation" fue grabada en una prueba de sonido previa al concierto del 4 de diciembre que Prince & The Revolution dieron en el Richfield Coliseum de Ohio. Aparentemente era una especie de blues mucho más rápido que la canción que acabaría en el álbum.

Pues bien, al día siguiente Prince, no contento con la versión que tocó con sus "compañeros" de banda, decide irse él solo (junto al saxofonista Eddie M.) a los Capitol Studios de Hollywood para grabar una nueva versión en una jornada entera de trabajo y volver el día 9 a Chicago donde daría el siguiente concierto de la gira. Unos 3.200 kilometros de ida y otros 2.800 de vuelta...

"Temptation" es el tema más largo del disco con más de 8 minutazos en los que tenemos ese blues/rock que por momentos parece que se vaya a ir hacia el heavy metal, tenemos saxo y guitarra eléctrica a saco y como invitado tenemos al mismísimo God (himself) en una conversación con un salidorro Prince.

A los 5 minutos y tras un solo loco de guitarra y unos gritos y aullidos marca de la saca, hay un breakdown en el tema y nos encontramos con un Prince que, si por no te habías dado cuenta de lo que hablaba, te dice que él está hablando de "tentación sexual" de necesitar a una amante, ahora mismo! De quererla de la peor manera.

Pero entonces entra Dios a la ecuación y tienen esta charla: 

"Tu, imbécil, así no es como funciona. Debes amarla de la manera correcta" - dice God.

"Lo hago" - le contesta Prince.

"No! Ahora; muere! - le espeta God.

"No, no, déjame ir" - suplica Prince.

Y entonces le dice que será bueno, que ha entendido el mensaje, que el sexo sin amor no es lo correcto y todo ese rollo.

Pura fantasía.

La canción tiene algunos momentos chulos pero como un todo a mi no me convence para nada, además el teatrillo y el mensaje de amor puro cuando Prince se estaba tirando (de manera muy apasionada eso si) a toda la que podía no me cuadra. Una manera un tanto baja de terminar el disco y un mensaje que seguiría colándonos en los siguientes álbumes.

6

 

NOTA FINAL:  6,94 (Bien Alto).

Un álbum con 3 dices y otros 2 temas muy fuertes y tan solo consigue acercarse al 7. Le penaliza la tontería de "Tambourine" y un par de temas muy corrientes como son "Amercia" y "Temptation". Incluso "Condition Of The Heart" no deja de estar simplemente bien. Los otros 5 son temazos a los que si le hubiéramos sumado "She's Always In My Heart" y otras que más tarde han aparecido, estaríamos hablando una vez más de un mejor álbum. Pero Prince fue así y hay que aceptarlo.

Por esas fechas hubo cierto revuelo con unas quejas por parte de prominentes personajes de color que criticaban que tanto Prince como Michael Jackson estaban usando demasiados músicos blancos en sus grabaciones y que esto les estaba alejando de sus raíces. En fin; "bullshit", pero si es verdad que este disco no contenía demasiada "música negra" y que el siguiente, "Parade", tampoco iba demasiado en esa linea.

Prince pasó de coronar la lista de álbumes de r&b durante 17 semanas con "Purple Rain" a quedarse en el puesto #4 con este nuevo disco... y en el #2 con "Parade", en el #4 con "Sign O' The Times", en el #5 con "Lovesexy", en el #5 con "Batman" y en el #6 con "Graffiti Bridge". Y tendría que llegar su álbum más redondo (para mi gusto) para volver al primer puesto de la lista de r&b con "Diamonds And Pearls" en 1991.

Para mi la segunda mitad de los años 80 de Prince es casi una repartición de "cal y arena" al 50% y nunca he tenido muy claro que era lo bueno entre la cal y la arena pero a mi me tira mucho para atrás (aquí los "FAMS" me quemarían en leña verde) "Parade", "Lovesexy" y Graffiti Bridge" (y podemos sumarle el "Black Album" también). Todos tienes algunas joyas pero todos tienen mucha paja y por una vez en el mundo de Prince nos referimos a relleno y no a lo otro.

Pero es cuestión de gustos, lo sé.

Para mi la década de los 90, sin ser sobresaliente, tiene mejores álbumes.

 

La Canción De La Semana "Amor Prohibido" Selena Quintanilla

 

El pasado 31 de marzo se cumplían 30 años del asesinato de Selena Quintanilla.

Selena nació en 1979 en Freeport, una pequeña ciudad del estado de Texas. Su padre con ascendencia mexicana y su madre cheroqui. La pequeña Selena rápidamente mostró interés por la música y se dieron cuenta de que poseía un tono y un dominio vocal fuera de lo común para alguien tan joven.

Su padre Abraham abrió un restaurante de comida tex-mex donde 3 de sus hijos interpretaban temas. Cuando el restaurante quebró la familia tuvo que buscarse la vida y los 3 chiquillos actuaban donde podían, incluso en la calle.

El grupo fue bautizado como Selena y Los Dinos y pronto comenzó a ganar atención. En 1984, cuando Selena contaba con 13 años, grabaron su primer álbum. Ella quería cantar en inglés (que era su idioma) pero le instaron a cantar en español y que hicieron música tex-mex (como la comida) y que era originaria de los mexicanos que cruzaban la frontera y solían acomodarse en el estado de Texas. En teoría era un género muy conciso y daba pocas posibilidades de extenderse...

Pero ocurrió todo lo contrario. Selena fue ganando popularidad y haciéndose más y más grande y notoria.

7 álbumes grabó con sus hermanos hasta que finalmente en 1989, con 18 años, decidió ir en solitario. Antes, en 1987, ganó el primer de sus 9 galardones como mejor voz femenino de los "Tejano Music Awards".

EMI la ficharía para que grabara con ellos a pesar de que Sony Music le ofrecía el doble, pero Selena se decidió por los primeros porque le prometieron que grabaría en inglés; su sueño. Y esa era la idea pero mientras iban confeccionando el disco se dieron cuenta de que era aún una desconocida para el gran público y que primero sería mejor afianzarse con "los suyos", por lo que tan solo grabó 3 temas en inglés.

EMI pensaba que tenían a la nueva Gloria Estefan cuando Selena obtuvo su primer hit la la lista Billboard Hot Latin Tracks con "Contigo Quiero Estar" que llegó al #8. El álbum, titulado Selena, entró en la lista pop de Billboard en el puesto 67. No estaba nada mal para una semidesconocida que hacía un estilo musical bastante limitado.

En 1990 y 1992 edita 2 nuevos álbumes; "Ven Conmigo" y "Entre En Mi Mundo" y a pesar de obtener números relativamente discretos (*) su figura no deja de llamar la atención apareciendo en algunas series y en la televisión nacional.

* Discretos en el mercado pop de Billboard, ya que en el latino son verdaderos bombazos.

Por esos días Selena comenzaría una relación en secreto, o al menos a espaldas de su padre, con Chris Pérez, que había entrado como guitarrista y compositor en la banda de Selena. Estaban enamorados...

También por esos días y gracias a ese crecimiento popular de Selena, una mujer se acercó a su padre (que llevaba su carrera profesional) para pedirle permiso para abrir un club de fans. Su nombre era Yolanda Saldívar... 

El padre de Selena se entera que su hija y Pérez están liados y automáticamente lo echa del grupo y le prohíbe acercarse a su hija. Pero la pareja sigue viéndose en secreto y finalmente en marzo de 1992 se casan en secreto. Finalmente a Abraham, no le queda más remedio que aceptar la decisión de su hija y vuelve a incluir a Pérez en la banda.

Su siguiente disco sería un álbum en directo "Selena Live!", de un concierto grabado en Corpus Christi a principios de 1993. Esa era la localidad donde la familia se trasladó una vez que el restaurante del padre se fue a pique. Gracias a ese disco Selena ganaría su primer premio Grammy, al mejor disco de música "mexicanoestadounidense".

En 1994 editan el disco que finalmente cambiaría todo; "Amor Prohibido". El disco sería tal hito que incluso se colaría en el Top10 de los discos más vendidos de la lista más importante del mundo. Llegaría hasta el puesto #9 en pop y sería un nuevo #1 en la lista de álbumes latinos.

Se extrajeron 6 singles y 4 de ellos serían #1 en la lista "Hot Latin tracks". Se vendieron 2 millones de copias del disco.

Selena está en todo lo alto y todos sus negocios van viento en popa. Abre 2 boutiques de ropa que resultan ser un enorme éxito en ventas con las que solo ese 1994 generan 5 millones de dólares. Ambas tiendas están siendo dirigidas por Yolanda Saldívar que ha pasado de llevar el club de fans en Texas a ser la persona más cerca a Selena, en tan solo 3 años.

Pero comienzan a surgir rumores de que Saldívar no es la persona que Selena y su familia creen conocer. Los trabajadores de las tiendas se ponen en contacto con el padre y le explican que Yolanda está actuando como una tirana. Las boutiques comienzan a tener perdidas y finalmente tienen que cerrar en muy poco tiempo. Por si fuera poco Abraham también recibe cientos de cartas de fans que claman haber sido engañados al no recibir los paquetes que se daban al hacerse miembro a través de su club de fans, gestionado por Saldívar. Se estima que tales paquetes equivalían a unos 60.000 dólares.

Ante todos estos indicios Abraham advierte a su hija pera esta no le hace caso y sigue dejando que Saldívar siga gestionando el club, las boutiques e incluso siga como agente personal.

En febrero de 1995 Selene congregó a 67.000 fans en su concierto en el Astrodome de Houston, un colosal estadio que cayó rendido a su magia. Los videos de ese concierto dejan constancia del nivel que había alcanzado Selena como artista.

Un mes más tarde todo termina de manera abrupta y de la peor manera: el 30 de marzo Selena acude a un motel donde se alojaba Saldívar para que esta le entregara unos documentos relacionados con registros bancarios y pagos a hacienda. Recordemos que Saldívar llevaba TODO de Selena.

A la salida del motel y al entrar en el coche donde le esperaba su marido, Selena le comenta que Saldívar tenía arañazos y algunas de las prendas de ropa rotas.

Al día siguiente, el 31 de marzo, Selena vuelve al motel a reclamarle a Saldívar el resto de documentos que no estaban en la bolsa que le entregó y esta pone trabas y finalmente le dice que había sido violada la noche anterior. Selena decide acompañarla al hospital donde le hacen una serie de pruebas pero no encuentran ningún signo de violación.

Vuelven al motel, al mediodía, y es entonces cuando comienzan a discutir. Saldívar saca de su bolso un revolver y dispara a Selena que trataba de huir. El disparo en el hombro derecho alcanza una arteria y la herida se convierte en mortal. Selena sale de las habitación y cae en pocos metros después.

La gente del motel llama a la ambulancia y en unos minutos están allí los sanitarios que tras varios intentos por salvar su vida no les queda otra que declararla fallecida.

Saldívar huye en su furgoneta pero es detenida horas más tarde por la policía. Acaba siendo condenada a cadena perpetua con posibilidad de libertad condicional en 2025... que ha sido denegada.

Al entierro de Selena acudieron más de 30.000 personas y el 16 de abril, fecha de su cumpleaños, fue declarado "Día de Selena" en el Estado de Texas.

Selena tenía 23 años. La pregunta es ¿hasta donde hubiera llegado?

Esta semana, nos acordamos de ella y le rendimos homenaje al escuchar una de sus canciones.

Feliz escucha, feliz semana... descansa en paz.

 

"AMOR PROHIBIDO"

Selena

 

Terence Trent D'Arby "Vibrator" - Crítica

 

Mi intención original era una bien distinta; me explico. En 1995 los planetas se alienaron y mis 3 cantantes favoritos, junto a Stevie Wonder (¡que también editó álbum ese año!) coincidieron sacando nuevo disco. Ellos son Michael Jackson (faltaría más), Prince (por supuesto) y Terence Trent D'Arby.

En ese año Michael Jackson se jugaba seguir siendo relevante para la industria tras lo que había pasado 2 años antes (denuncia por abusos sexuales), Prince estaba batallando con Warner Bros y pronto dejaría de ser parte de su plantel de artistas y Terence Trent D'Arby intentaba mantenerse en un negocio duro y vengativo como pocos...

Mi idea era hablar de ese 1995 a través de sus trabajos y dejar bien claro que estos 3 artistas eran imposibles de contener para sus discográficas e inclasificables a la hora de vender su música en las tiendas. ¿Dónde los colocabas? ¿Pop? ¿Rock? ¿R&b? Nada de eso; ellos se puede decir que tenían estilos libres que a su vez contenían un poco de todo, o casi.

Como el "HIStory" de Michael Jackson ya lo he analizado en este Blog y quizás haga una crítica del "The Gold Experience" de Prince, he pensado que sería buena idea darle un tratamiento a TTD como se merece. Perdón; a Sananda Maitreya... bueno; tampoco voy a entrar en eso. En 1995 Sananda Maitreya aún era Terence Trent D'Arby y editaba su cuarto álbum de estudio titulado "Vibrator (Batteries Included)".

Como viene siendo habitual esta crítica estará dividida en 2 partes; en la primera repasaré el estado de la carrera de D'Arby, cómo había llegado hasta aquí y con que se iba a enfrentar en las listas, y por otra parte, la crítica tema a tema del álbum.

Vamos allá!

En 1995 a mi me tocó cumplir con mi país y hacer el Servicio Militar o "mili" como la llamaban. Poco tiempo después dejaría de ser obligatoria y hoy en día es un trabajo más, como cualquier otro. Os preguntaréis a que viene contar esto si voy a hablaros de Terence Trent D'Arby, pero es que su debut en la música tiene que ver con el ejército, ya que en 1983/84 estaba destinado en Frankfurt, Alemania y fue allí donde empezó su carrera musical. 

Sería con la banda "The Touch", un grupo multirracial pero musicalmente enfocado hacia la música de color, con un joven de 21/22 años llamado Terence Trent D'Arby con una apariencia física muy llamativa; alto, fibrado, con trencitas y que además de cantar de manera espectacular también era capaz de bailar de forma molona. El pack completo porque además componía gran parte de los temas del grupo. Sacarían un disco llamado "Love On Time" pero pasaría desapercibido.

En 1986 decide dejar Alemania y se va a Londres, con la idea de tener su propia carrera musical. Sería fichado nada más y nada menos que por CBS Records y se pondría manos a la obra para sacar su primer disco en 1987. 

Supongo que todos conocéis (o deberíais) su álbum de debut "Introducing The Hardline According To Terence Trent D'Arby" porque fue una irrupción potentísima en el mundo del disco. Ya no solo por la calidad del álbum y de su creador si no también por el revuelo que causaron varias de las declaraciones que hizo Terence en diversas entrevistas... y de ahí viene lo que dije más arriba sobre que el negocio del disco era duro y vengativo. Esa arrogancia pronto sería castigada por los medios a los que no les gustaba la idea de que un cantante de color hablara de manera tan clara y directa y a la primera que pudieron (con su segundo álbum "Neither Fish Nor Flesh") le saltaron a la yugular como si de un grupo de hienas se tratara.

La carrera de Terence, con un inicio espectacular, estaba tocada tras su segundo disco. Y todo lo que vino después fue luchar contra ello. En 1993 sacaría su tercer álbum "Symphony Or Damn" que logró remontar el vuelo en ciertos mercados (USA ya lo había perdido) y ahora, en el 95, regresaba con "Vibrator" que sería el disco que decantaría hacia un lado o hacia el otro la posibilidad de continuar con una carrera musical en primera plana. Ya sabemos que no lo logró y que su posterior carrera ha sido como jugar en tercera división. Pero el disco y su música, no tuvieron la culpa de ello, si no más bien una industria que ya comenzaba a crear a sus propios productos, dirigirlos, venderlos y hacerlos desaparecer a los 5 años. Comenzábamos la era de la comida rápida en la música...

En 1995 hasta Michael Jackson tuvo problemas para mantener su reinado. En USA tan solo 2 semanas en el número 1 su nuevo álbum y fue sobrepasado por un puñado de artistas de géneros dispares que vendían para un público que estaba más fraccionado que nunca; hip hop, r&b, rock, country, etc... pero que prácticamente ni se tocaban a pesar de convivir en las listas.

Por su parte Prince, lograba colarse en el Top10 (#6) y vender a penas 500.000 copias y recibir críticas que decían que estaba perdiendo toque entre la gente joven... que definitivamente estaba a otras cosas en ese año. Primero con el estallido del rap, la cultura hip hop (que se cargaría buena parte de la música negra), y más tarde con el resurgir de la "fan manía" con las Spice Girls, los Backstreet Boys y Britney Spears.

Y Terence, lo dicho; se jugaba mucho con este disco, aunque nadie (ni él mismo) esperara acercarse a los resultados del primer álbum, claro.

Así que nos vamos a darle un meneo al "Vibrator"... ejem. Esta es mi crítica.

01 - VIBRATOR

La primera en toda la cara; "Vibrator" con las pilas incluidas como rezaba el subtítulo. Un tema rockero para comenzar con un renovado estéticamente D'Arby; se había cortado las trenzas y se había teñido de rubio, pero musicalmente seguía estando a tope. En este disco, yo os lo adelanto, nos vamos a encontrar con mucho y muy variado.

Aquí por supuesto destacan esas guitarras, de Louis Metoyer (guitarrista fijo del disco) y la propia de TTD. Pero no se quedan simplemente en el rock; siempre sus temas van a tener un fondo negro y aquí hay suficientes elementos funky.

A destacar la potente batería también tocada por Terence. De hecho, salvo la guitarra de Metoyer y el bajo de Kevin Wyatt (el bajista del álbum) el resto está tocado enteramente por TTD. Incluido el sitar...

Líricamente no podría decir que es lo que nos cuenta. TTD era uno de esos artistas que tenía un mundo interno muy rico y no solía utilizar las típicas rimas ni hablar de manera muy directa. Quiero entender que es una especie de tema de ayuda, de sacar lo que uno lleva dentro, de cambiar el dolor por ese sentimiento que te haga vibrar...

Salió como segundo single del disco, con video promocional en blanco y negro, en una versión edit de 4 minutos y medio que recortaba casi minuto y medio del tema original en el que al final había más desvarío. En Reino Unido solamente llegaría al #57 en sus 2 pírricas semanas en lista.

Aquí podéis ver una actuación en directo donde la banda demuestra lo bien cohesionada que estaba y lo bueno que era Terence... y el regalazo que se mete Kevin Wyatt con el bajo.

Es un muy buen tema para dar comienzo al show.

8,5

02 - SUPERMODEL SANDWICH

Para el segundo tema nos volvemos a encontrar con los mismos 3 protagonistas, que son la base instrumental del álbum, más alguna colaboración destacada y poco más.

Louis Metoyer es un guitarrista de sesión que ha tenido una longeva carrera tocando para artistas como Bobby Brown, New Edition, Macy Gray o Stantley Clarke. También, en su lado más rockero, llegó a formar parte de la banda "4 Non Blondes".

Por su parte Kevin Wyatt, otro músico de sesión, tiene apariciones en discos de Tevin Campbell, Rahsaan Patterson, Anthony Hamilton o En Vogue, por nombrar a unos pocos. Fuera del r&b tiene colaboraciones con Hanson o con Belinda Carlisle.

Por lo que está claro que Terence se supo rodear de un par de músicos que le aportaran esa experiencia de haber tocado mucho y con muchos.

"Supermodel Sandwich" comienza con una oscura guitarra eléctrica pero rápidamente le da paso al estribillo que aunque no sea muy brillante, es muy armonioso y te engancha bastante con esos "flame/fame". Los versos están cantados con ese efecto como de eco, de estar enlatado y encerrado, que quita un poco de brillo a la voz de T, pero hace que cuando llegues al estribillo sea una explosión sonora al escucharse tan limpio todo.

Aquí hay espacio para una guitarra wah wah, nuevamente vuelve a estar el sitar, y toda una serie de ruiditos que van haciendo más interesante su escucha.

Y otra vez es rock... pero que suena funky. En esto Terence era un genio.

"Supermodel Sandwich" no fue editada en single (una pena) pero tuvo su reconocimiento al ser incluida en la banda sonora de una de las películas del año; "Pret-À-Porter" de Robert Altman (que es una castaña). La banda sonora salió a la venta a principios de 1995, antes de la salida -en abril- del disco.

8,5

03 - HOLDING ON TO YOU

Tras 2 grandes temas llegamos ahora a una de las joyas del disco. Para mi es una de las canciones más bellas que he escuchado jamás. Aquí la letra es clara y es pura poesía, la música es sensacional y la interpretación es para tirar cohetes, para que se te pongan los pelos de punta y para ponerle un piso al bueno de Terence.

Leí hace tiempo por ahí que él la escribió con la idea de ofrecérsela a Rod Stewart... y si la escuchas te convences de que perfectamente podría ser así. No hace falta decir que Rod Stewart en su "prime" fue una de las más grandes voces.

Pero finalmente TTD se la quedó, la pilló con ganas y la transformó en obra maestra.

Hay tantas frases destacables que lo mejor sería hacer un estudio exhaustivo del tema, linea a linea, pero a mi la frase que habla de ese nuevo amor y canta lo de "Goobye Picasso, Hello Dalí" no puede ser más descriptiva a la vez que concisa. Estoy pensando en ella y se me llenan los ojos de lágrimas, en serio.

"Aferrarse a ti significa dejar al dolor, dejar a las lágrimas, a la lluvia"... ufff. Nos está cantando sobre AMOR en mayúsculas y lo hace con una voz privilegiada, auténtica, de cuando nos emocionaban de verdad y ellos eran cantantes reales. El final del tema es de sacársela...

"¿Por qué yo entre todos esos chicos duros? Supongo que habrá escuchado mi corazón entre todo ese ruido". Mejor paro porque uno se emociona fácilmente...

A nivel de instrumentación es el tema más concurrido del disco. Aquí Terence toca la guitarra acústica y canta (nada más) y deja a un grupo de músicos el resto. Siguen estando Metoyer y Wyatt pero nos encontramos con un baterista, Stepehen Théard, que también co-escribió "Supermodel Sandwich", al saxofonista Warren Hill (que tenía varios discos en solitario) y secciones de cuerda y metales. Incluso está tocando la viola Novi Novog, que había tocado para Prince. En total 12 músicos tocando todos juntos.

Fue single, el primero, y llegó tan solo al puesto 20 en Reino Unido. Tampoco tengo datos en ninguna otra lista al ser TTD un artista casi invisible para las redes después del primer álbum.

Tiene un video que no es precisamente una joya a diferencia de la canción pero en YouTube nos podemos encontrar con una maravillosa actuación en concierto (lo tengo grabado y lo guardo como oro en paño) donde toda esa emoción de la que antes hablaba aparece.

A alguien le sorprende que le de un...

10

04 - READ MY LIPS (I DIG YOUR SCENE)

Tras 3 temazos de gran envergadura tenía que llegar tarde o temprano el bajón. No es que sea un mal tema pero sinceramente T podía componer decenas como esta sin dificultad.

Aquí nos encontramos en territorios funk/dance en donde Terence toca todo menos la guitarra solista, que en este caso no es Metoyer, si no Stevie Salas.

Este músico de descendencia apache ha tocado desde mediados de los 80 con artistas como George Clinton, Bootsy Collins, Shakespears Sisters o Michael Hutchence de INXS. Además también fue director musical de una de las giras de Mick Jagger.

Es un tema más bien para bajar un poco el nivel de emoción, aquí se busca el ritmo y poco más. No hay mucha profundidad.

6

 

05 - UNDENIABLY

Pero como si de una montaña rusa se tratara volvemos a subir... y de que manera!

"Innegablemente" nos encontramos con otra joya que va creciendo y creciendo. Comienza con un breve "speech", donde T le dice a la chica "parece que el último tío con el que estuviste solo estaba interesado en hundirte y hacerte llorar. Pero cariño, yo estoy aquí para adorarte". Han pasado 30 segundos y aquí comienza una bellísima melodía musical y vocal. Hay algo de clásico en el tratamiento a pesar de algunas aparentes "disonancias" que hacen que algo se escape al tiempo.

Hay como un ritmo hipnótico que va por debajo que parece una especie de metrónomo. La base es guitarra, bajo y batería pero los demás instrumentos tienen todos su razón de ser. Hay una cama de base por un sintetizador muy bello y la wah wah está tocada por el propio Terence.

Justo en el minuto 3 hay un breakdown que poco a poco irá luego -en menos de un minuto- dejando paso a uno de los invitados del disco; Branford Marsalis. Uno de los grandes músicos de jazz de la segunda mitad del siglo XX. De familia de músicos de primera. Aquí nos regala un solo fantástico que lo deja solo, junto al percusionista Christopher Trujillo (que ha currado con Mariah Carey, Ariana Grande o las Fifth Harmony).

En cuanto a letra nos volvemos a encontrar con grandes e inspiradas frases que son casi poesía musicada. "Bautizado por el fuego, en tus ojos me quedé hipnotizado. Una noche perfecta en el paraíso pasé contigo y pagué el precio. Se que los ángeles deben volver a sus nubes pero preferí quedarme y arder".

Me repito:

10

 

06 - WE DON'T HAVE THAT MUCH TIME TOGETHER

Cuando decía que en "Vibrator" nos íbamos a encontrar casi de todo me refería a temas como este "We Don't Have That Much Time Together". Si "Undeniably" terminaba con ese solo de saxo jazzístico aquí el jazz vuelve a ser protagonista pero en su vertiente relacionado con la Bossa Nova. Este género musical, creado en Brasil, tiene una gran influencia del jazz y por eso que esos 2 temas fueran seguido tiene bastante lógica. Aunque el resultado final fuera tan distinto.

Aquí es pura música latina e incluso tira de músicos como Luis Conte, percusionista cubano que ha trabajado con gente como Santana, Maná o Shakira pero también con Madonna, Eric Clapton o Rod Stewart. Al trabajo de Conte en este tema se le suma la aportación de trompetas y saxos pero también, saliéndose del género de lo latino, de Patrice Rushen. Esta cantante/instrumentista/compositora/productora tuvo un gran hit en 1982 llamado "Forget Me Nots" y ha tenido una exitosa (en cuanto a relevancia musical) carrera. Aquí toca los teclados.

Tiene una bonita melodía cantada suavemente por T, que hace variaciones en el verso y estribillo pero mantiene la linea. En el minuto 1:45, la estructura del tema cambia y meten un puente que cambia el ritmo del tema para nuevamente volver a lo anterior. Tras esto una nueva variación, esta todavía con más toques latinos que vuelve a acelerar el tema para finalmente una nueva pausa con algunas improvisaciones y un último subidón final casi instrumental. Una gozada. Sensacional.

Entonces... ¿es otro...

10

07 - C.Y.F.M.L.A.Y.?

Volvemos a territorios ya escuchados. Esa mezcla de rock con funk y con efectos en la voz que no siempre se agradecen. Otra vez nos encontramos con un tema que TTD se sacaba del bolsillo cada vez que quería. Si; está cantada con rollo y tiene un buen ritmo pero tras los temazos que llevamos este vuelve a bajar la nota.

Por cierto; "C.Y.F.M.L.A.Y.? significa "Can You Feel My Love Around You?"

Tras 2 temas de casi 6 minutos y 3 de casi 5, este, que dura 4:40 se me hace un poco largo... y eso no es buena señal. Todo lo que suena lo toca Terence.

6

08 - IF YOU GO BEFORE

Pero no pasa nada porque estamos nuevamente en la senda del oro. Nos cruzamos otra vez con otra joya (si; me repito, pero es lo que tiene este disco).

"If You Go Before Me" comienza otra vez con otro pequeño "speech" que para mi sobra. De hecho yo este tema lo habría editado y lo habría dejado exactamente en unos 2 minutos y medio puesto que también tiene un fade out demasiado largo (aunque sirva de transición con el tema siguiente).

Pero esos 2 minutos y medio nos habrían dejado una pequeña/GRAN canción con un desgarrador texto:

"Un día de primavera surgió una pregunta ¿cantan los ángeles cuando están al borde de las lágrimas? Necesito saber la respuesta, así que si te vas antes que yo ¿me lo harás saber?

Un día una bala gritó y fue directamente hasta a ti. Y vi el sol comenzar a sangrar bajo un diluvio de lágrimas y sirenas. ¿Son los espíritus ciegos a los colores? Entonces, si te vas antes que yo, ¿me lo harás saber?

Son 2 simples versos/estribillos cantados con suma emoción junto a un acompañamiento de un piano/teclado y algunos soniditos de fondo (tocado todo por TTD). 

Es absolutamente preciosa y nuevamente hay mucha poesía en ella. 

La cantó en la gira de ese mismo año.

10

09 - SURRENDER

Ese largo impass nos sirve para unir ambos temas que nada tienen que ver el uno con el otro. Salimos de la pura emoción de "If You Go Before Me" y nos damos de bruces con la potencia de "Surrender".

Aquí el protagonismo musical se lo lleva el bajo y la percusión en cuanto a instrumentos. No hay guitarra en ella y el resto de sonidos vienen a través de los teclados, sintes y un clavinet (que toca T) que nos da ese sonido tan particular.

El resto es la potencia y la maestría vocal del artista, que con 32 años estaba en su prime.

No es una joya pero tampoco está al nivel de los 2 temas que te cortan un poco el rollo ("Read My Lips" y "C.Y.F.M.L.A.Y.?").

7,5

10 - TTD'S RECURRING DREAM

En los créditos del álbum pone una nota que dice que el disco se grabó durante 3 meses en mitad de 1994 en los estudios TTD's Monasteryo de Los Ángeles. Desconocía que Terence hubiera sido propietario de unos estudios... o es que quizás fuera un pequeño estudio doméstico al que bautizó de esa manera. De todas maneras el dato más importante no fue donde si no cuando, y es porque un tema que se editaba en single en agosto de 1994 de la cantante Kylie Minogue llamado "Confide In Me" y este "TTD's Recurring Dream" tienen unas cuantas semejanzas. Solo por eso. Quizás Terence la escuchó y se inspiró en ella o tal vez haya sido el azar.

Lo importante es que ambos son 2 temazos. El de Kylie está compuesto y producido por los Brothers In Rhythm, un trío de creadores ingleses que tuvieron en los años 90 una importante exposición sobre todo en el campo de las remezclas para otros artistas.

El de Terence es incluso mejor. Un ritmo percusivo dance lleva junto al bajo la base del tema al que le van añadiendo una serie de caramelos sonoros absolutamente divinos. Cuando llega al estribillo esa guitarra acústica y esa linea de teclados se unen para dibujar una bella melodía. Hay un break con una serie de metales sonando en un momento de disfunción total en la canción.

El tema suena oscuro en los versos, incluso hay como un efecto de fondo mientras canta T que parece el sonido producido por un monstruo pero recordemos que estamos en el mundo de los sueños y todo puede ser posible. De la letra poco puedo decir porque nuevamente deja de ser el A-B-C de las composiciones pop, cosa que se le agradece pero por otro lado desconoces de que nos está hablando.

Hacia el final del tema hay un sonido de sinte que me recuerda a música para muertos (si; soy así de rarito) y es fascinante el mundo sonoro que crea este tío.

Me gusta mucho mucho este tema aunque está a nada de ser otro 10.

9,5

11 - SUPERMODEL SANDWICH W/CHEESE

"T, despierta cariño; estás hablando en sueños otra vez" - una voz femenina termina el tema anterior advirtiendo a Terence, que despierte y vuelva al mundo de los vivos, a lo real, a lo carnal...

Esta "Supermodel Sandwich+con queso" es un tema que podrían haberlo metido en una cara B de un single, como extra y hubiera pintado más que aquí en el disco. Aunque tal vez lo metieran para descongestionar el disco que se estaba volviendo un tanto oscuro.

No deja de ser un groove alargado con el estribillo del tema normal al que luego le van poniendo cositas, algunos adlibs chulos, ruiditos, voces, una especie de rap y también unas frases funky cantadas por Matt Goss (cantante de Bros).

Te lo pones de fondo y mola, incluso puedes darte unos bailoteos pero me saca un poco del momento del disco y 12 queda mejor que 13 como número de canciones para un disco.

6,5

12 - RESURRECTION

Es el corte más largo del disco con una duración de 6:25 minutos. Comienza con una guitarra con distorsión pero luego se aclara y limpia el sonido para el primer verso y todo parece cuadrar hasta que llega el estribillo y suenan esas voces como medievales de super machotes que asustan. Las 2 voces pertenecen a Rodney Saulsberry que es un doblador con una larguísima carrera y a Kevin Dorsey, cantante que fue durante muchos años la voz grave de los coristas que llevaba Michael Jackson de gira y que también ha cantado para un montón de artistas.

Cuando antes he dicho lo de medieval es también por ciertos sonidos que utiliza T en el tema, hay un aire a leyenda a bosques con lobos y cosas de esas...

La dulzura con la que canta los primeros versos se torna en otra cosa hacia el final del tema, que junto a la guitarra eléctrica y un sonido más rockeros se hace urgente y rota y chillona. Es un gran tema a nivel de producción y ejecución pero es un disco plagada de temazos y entonces se queda un poco atrás.

7

13 - IT'S BEEN SAID

Y llegamos al final. Una balada en el que Terence se hace acompañar tan solo de 2 músicos (en la viola y el violín) y el resto se lo maneja él mismo.

Otra vez una bonita melodía cantada de manera emotiva pero con algún efecto en la voz que a mi me sobra aunque tampoco sea muy notorio. Se escuchan nuevamente soniditos raros y por momentos parece que la hayan grabado en un lugar oculto, escondido y pequeño, pero entonces entra esa sección de cuerdas en primer plano que suena tan bien y el sonido se torna limpio sin efectos.

De vuelta a los versos, ahora también hay un poco de reverb en su voz y alguna armonía le acompaña y más ruiditos de fondo. Un órgano que suena a iglesia y más cosas.

La canción dura 4:15 pero la alargan con un vacío hasta los 5 minutos clavados, sin necesidad.

Está bien, ya hemos escuchado temas en este formato suyos pero nuevamente queda un poco en tierra de nadie como la anterior.

7

Nota Final: 8,2 (Notable Alto)

GRAN álbum de Terence Trent D'Arby que no tenía absolutamente nada que envidiar a su primera obra; la celebrada "Introducing The Hardline According To Terence Trent D'Arby" que es uno de mis 10 discos favoritos de mi vida, sin duda.

Saltándonos el segundo disco, que no es para nada malo, se puede decir que tanto este "Vibrator" como el "Symphony Or Damn" de 1993 y si me apuráis el "Wildcard" del 2001, son todos discos de notable. En todos nos vamos a encontrar con joyas, con hits y con temas a descubrir o redescubrir y por supuesto con un sonido único y personal que era de lo que os quería hablar en la idea original junto a Michael Jackson y Prince; el que tu música fuera instantáneamente reconocible a pesar del estilo, de las colaboraciones o de los tiempos que corrían. Estos 3 tíos hacían SU música y luego el resto (discográficas, vendedores y público) ya si eso que se rompieran el coco a la hora de categorizarla. Eran en 1995 3 de las artistas PRIME más libres a la hora de crear y todos ellos tenían sus propios mundos interiores y en ellos podían sonar cosas dispares y casi sin sentido fuera de ellos.

Este "Vibrator" debía haber sido el disco que siguiera más o menos los pasos del anterior, que llegó a colocarse en el #4 en la lista de álbumes del Reino Unido e incluso a lograr que sus 4 singles fueran todos Top-20 (ninguno de ellos se coló entre los 10 primeros). Pero el disco salió y debutó en el #11 y a partir de ahí, en tan solo 6 semanas, estaba fuera de la lista inglesa del Top-75. No es justo y más viendo lo que había por entonces...

Pero TTD era demasiado musical para esos nuevos tiempos en los que se buscaban otras cosas y con 32 años prácticamente decía adiós a la posibilidad de seguir (que ya no lo estaba de todas formas) en primera división. Una pena que la gente no valore lo que significa cantar, componer, tocar o producir de esta manera.

Personalmente, en su caso, eso no me supo ningún trauma y siempre representaba para mi como un secreto -el seguirle- como si nadie más lo conociera o supiera de su existencia. Cuando hablaba de música siempre lo ponía por detrás de MJ y Prince y gente me preguntaba quien era...

4 "dieces" y 1 rozándolo, atesoran su gran calidad, y la variedad. Poco se repite aunque si es verdad que tiene como canciones tipo que suenan parecidas en los distintos álbumes, pero aún así en esos años, lo vuelvo a repetir, tan solo en discos de estos artistas te podías encontrar en un mismo trabajo con temas como "If You Go Before Me", "We Don't Have That Much Time Together" o "Recurring Dream".

A esa variedad, añádele esa forma de cantar e interpretar, con esas letras que en algunos casos eran poemas, con sonidos que te transportaban, que te hacían que algo se moviera dentro de ti, que te emocionaran hasta las lágrimas como en "Holding On To You".

Que le jodan al mundo que no valora todo esto, el ARTE. Si pudiera les quitaba las orejas como castigo.

Y yo, de mientras, lo sigo disfrutando 30 años después, aunque su carrera tras "Wildcard" no me diga absolutamente nada.