The Jacksons "The Jacksons" - Crítica

 

En marzo de 1976 el contrato entre The Jackson 5 y Motown llegaba a su fin. En aquel momento Jackie, el mayor, aún no había cumplido los 25 años y Randy, el más joven y la nueva incorporación, a penas tenía 14. Michael tenía 17... y sus carreras pendían de un hilo. Podrían haberse quedado -con suerte- como un grupo de viejas glorias que pasara el resto de sus días cantando "I Want You Back" y "ABC" para audiencias nostálgicas en algún casino de Las vegas.

De hecho eso ya lo habían vivido un año antes con una residencia en la ciudad del juego (y del pecado) mientras tenían un hueco en su gira mundial. Fue algo puntual y porque evidentemente les reportaba unos buenos dividendos.

Buenos dividendos que por otra parte no obtenían de la venta de discos con Motown. El contrato que firmaron en 1968 les otorgaba un porcentaje del 2,8% de los royalties obtenidos. Cuando en 1975 las ventas ya no eran las de los primeros 3 años, se dieron cuenta de que a pesar de llevar vendidos unos 60 millones de discos, no eran millonarios. Vamos a ver; faltar no les faltaba, pero ¿que pasaría en un futuro cercano?

Hubieron negociaciones entre la familia Jackson y Berry Gordy (o algún otro en su nombre), los Jackson buscaban mejorar esos beneficios y también tener mayor libertad (o algo de libertad) a la hora de crear sus propias canciones, algo en lo que Gordy se cerraría en banda a pesar de los buenos resultados obtenidos a base de darle cuerda a Marvin Gaye y a Stevie Wonder.

Por lo que no había otra opción que irse. Y cuando se fueron se dieron cuenta de que Gordy, además de lo que les había hecho, también había registrado el nombre "The Jackson Five" o "The Jackson 5" como marca propia, por lo que los hermanos Jackson no podrían utilizar el nombre que los había convertido en célebres.

Así que The Jackson 5 pasaron a llamarse The Jacksons.

Por el camino, a parte del nombre, también perderían a Jermaine como integrante del grupo, ya que estaba casado con la hija del jefe y no podía hacerle un feo a su suegro...

Por lo que entró Randy en su lugar, aunque el pequeño de la familia ya llevaba un par de años acompañando a sus hermanos mayores en los conciertos y en actuaciones en televisión.

Y ¿ahora qué?

Pues aquí aparece CBS que fue quien les hizo la oferta más lucrativa entre las que recibieron. Ellos les pagarían 500.000 dólares (una pasta en su momento) por el fichaje y les prometieron un mayor peso a la hora de tomar decisiones en los álbumes (que no es lo mismo que darte libertad para crear).

Y si el sonido de los Jackson 5 estaba unido al de la Motown, a partir de ahora formarían parte de la familia del Philadelphia Sound, que era en los 70 tan representativo como el de la Motown en los 60.

El Philadelphia Sound estaba viviendo unos momentos inmejorables bajo las producciones de Kenny Gamble y Leon Huff. Este dúo forma parte de la historia musical de Estados Unidos; juntos han compuesto más de 3000 canciones, logrando más de 50 números 1 y más de 75 singles han sido certificados como oro, platino o multiplatino. Forman parte del Hall Of Fame de compositores y fueron artífices de uno de los sonidos más característicos.

El sello estaba logrando éxito tras éxito con artistas como The O'Jays, Harold Melvin & The Blue Notes, Billy Paul, Lou Rawls, The Trammps, Patti LaBelle, The Stylistics, Teddy Pendergrass, Jerry Butler o Archie Bell & The Drells, por nombrar a unos pocos.

Con respecto al sonido de la Motown se le consideraba un poco más adulto y elaborado y su público solía ser más mayor, por lo que fichar a The Jacksons y hacerles grabar en Philadelphia no era una mala idea; por un lado obtenías sangre joven y por otro, el grupo, maduraría junto a sus seguidores que iban creciendo a la par que ellos.

Pero aún así hubo quienes dentro de la compañía criticaron el fichaje; The Jacksons podían haber pasado ya su mejor momento y gastar dinero en ellos quizás no era una buena idea y más cuando CBS estaba creciendo día a día con artistas más "sólidos" y... más blancos. Quizás por eso era más sencillo mandarles al sello negro y que allí se las apañaran...

Esto era lo que pasaba meses antes de la salida del primer disco de The Jacksons en Epic Records / CBS y hoy -5 de noviembre- se cumplen 50 años de ello, y debido a ese hecho aquí está MI crítica del álbum "The Jacksons".

 

01 - ENJOY YOURSELF

Este fue el single de debut del grupo para la nueva compañía. Fue editado un par de semanas antes de la salida del álbum y fue un tema que cosechó un éxito considerable y que mejoraba considerablemente los resultados que habían obtenido en los últimos 2 años. Alcanzó el puesto #6 en la lista pop y el #2 en la de r&b y fue certificado como single de oro (500.000 copias) en febrero del 77. Posteriormente en 1989 lo sería de platino por 1 millón de copias.

Como inicio de esta segunda etapa de carrera no estaba nada mal. Era un tema compuesto y producido por el dúo Gamble & Huff que añadían de esta manera otro hit para la saca...

A pesar de estar en 1976 no es un tema disco y sus raíces están en el funk, aunque demasiado light, que quizás era el único campo en el que Gamble & Huff no eran unos maestros.

Un tema alegre que invita a divertirse, con Michael como voz principal y Jackie como segunda voz, en los pre-estribillos y las voces de todos los hermanos armonizando. Con la marcha de Jermaine ahora más que nunca el resto quedaría relegado a un inevitable segundo plano.

La música de casi todos los temas del sello Philadelphia International Records estaba tocada por una gran banda, al estilo de los Funk Brothers de la Motown, que aquí se llamaban MFSB (Mother Father Sister Brother) y que la formaban no menos de 30 miembros. Estuvieron tocando juntos desde 1971 hasta 1985. En 1974 incluso se lanzaría un single con ellos como protagonistas que titularon "TSOP" (The Sound Of Philadelphia), que era el tema del programa de Tv "Soul Train". El tema llegaría al #1 en pop, r&b y easy listening. También en Canadá y... en España!

Volviendo al tema de The Jacksons y a pesar de recuperar esa buena posición en las listas y del empeño vocal de Michael, a mi es una canción que nunca me dijo demasiado. Entiendo su importancia pero no es ni de lejos una de las mejores del grupo.

7,5

 

02 - THINK HAPPY

El segundo corte del álbum volvía a tener a Gamble & Huff como sumos hacedores. Ellos fueron los productores ejecutivos del disco y 5 de los temas, la mitad, eran composiciones propias.

En este caso volvíamos a tener otro tema movido y alegre. Basta con ver los títulos de las canciones de la cara A del disco para darse cuenta de la dosis de optimismo que flotaba en el ambiente; "Diviértete", "Piensa Feliz", "Buenos Tiempos", "Continua Bailando" y "Lejos La Tristeza". Vamos; ni las tazas de Mr. Wonderful!

Aquí batería y bajo llevan la base del tema al que luego se le van añadiendo capas y capas de instrumentos. Las secciones de vientos y sobre todo la de cuerdas son poderosas, no en vano había una orquesta detrás.

Nuevamente la segunda voz es la de Jackie que cobra en los discos en Philadelphia mayor protagonismo pero sin llegar a tapar por un solo instante a Michael, que se vuelve a merendar el tema.

Quizás es un poco mejor que la anterior pero andan por el mismo camino...

7,5

 

03 - GOOD TIMES

Tercer tema de Gamble & Huff pero esto es otra cosa; una preciosa balada que para mi debería estar en el Top20 de baladas de Michael, ya sea en solitario o en grupo.

Su voz a partir de 1974-75 había cambiado y había adoptado un tono tristón y melancólico que sonaba divino en temas como este. En los movidos seguía teniendo esa fuerza casi imposible de domar.

"Good Times" es un tema sensacional, a parte de la interpretación de Michael, la música es maravillosa, los arreglos son espectaculares, la sección de cuerdas es pura belleza y los hermanos están BRILLANTES en los coros y cuando falta poco más de 1 minuto para finalizar hay un breakdown en la música que deja a Michael por un lado y los coros por otro para dar lo mejor de si antes de una nueva subida final.

Aunque no fue editada como single, el grupo acudió a los American Music Awards de 1977 para interpretarla.

10

 

04 - KEEP ON DANCING

El primer corte que no era obra del dúo G&H, es este "Keep On Dancing" que venía firmado por Dexter Wansel. Wansel era un portento en cualquier disciplina que tuviera que ver con la música; cantante, músico, productor, arreglista, ingeniero y si se lo pedías también estoy seguro de que te cocinaba o te colgaba un cuadro. Talentos como el suyo los hemos visto muchas veces en la sombra y pocas veces se les ha valorado como debían/merecían.

Él firmó como "chico para todo" por PIR (Philadelphia International Records) a principio de los años 70 y se especializó en el tema de los sintetizadores. De hecho fue como una especie de "probador" para el mítico ARP2600 y era fijo en los Sigma Sound Studios de Philadelphia.

Estos -también míticos- estudios era donde grababan la gran mayoría de artistas del sello y aquí fue donde se grabó el 90% del disco de The Jacksons (tan solo las voces de 2 temas se grabaron en otro estudio).

Este lugar (tristemente desaparecido en 2014) fue creado por Joe Tarsia en 1968. Este caballero a parte de ser el dueño del estudio también era quien registraba y mezclaba la música allí grabada (el ingeniero principal, vamos). El empeño de Tarsia por tener uno de los mejores estudios del país le hizo apostar por las nuevas tecnologías y los Sigma Sound fueron de los primeros en tener una mesa de mezclas de 24 pistas y el primero en utilizar la "automatización de consola", que recordaba a los ingenieros y productores las posiciones de los faders en cada pista, algo que las mesas digitales hacen solas pero que en esos días ahorraba muchísimo trabajo y evitaba fallos.

Pues bien; Dexter Wansel les trae a The Jacksons otro tema bailable, molón, fuerte, mucho más funky que las composiciones de Gamble & Huff y que Michael le hinca el diente desde la primera frase.

La primera parte del tema es con un ritmo marcado por la batería, un tanto slow pero potente, con una guitarra juguetona por debajo. A los 2 minutos el tempo del tema cambia y se convierte en ese funky con locos sonidos de teclados seguramente de la mano de Wansel y con muchos juegos vocales. Michael se libera del todo e incluso hay un solo de guitarra eléctrica con efectos.

Si tengo que decir algo negativo es que el "vamp out" es quizás demasiado largo. Yo lo hubiera cortado medio minuto. Pero aún así es un muy buen tema.

En su primera visita a España (promocional) fue uno de los temas que el grupo grabaría en unas sesiones interminables en Prado del Rey en Madrid bajo la batuta de Valerio Lazarov y que daría pie a aquel incidente de "estoy negro de tanta toma" que uno de los hermanos oyó y pensó que lo de negro iba por ellos y se armó la marimorena (nunca mejor dicho). 

8

05 - BLUES AWAY

Y esta si que era toda una novedad; era la primera canción compuesta por un Jackson (Michael) que entraba en un álbum. Nunca antes se les había dejado componer y grabar sus propios temas, aunque en 1974 los Jackson 5 compusieron un tema llamado "What's Your Game" para el grupo femenino MDLT Willis (Maxine, Diane, LaVerne y Tina Willis), que Joe Jackson quiso convertir en negocio propio montando su propio sello discográfico, Ivory Tower Records, que no iría a ninguna parte.

Aquí Michael es el primero en meter un tema propio en un álbum de la familia. Jermaine, quedándose en Motown, lo lograría en 1977 en su cuarto disco "Feel The Fire" donde firmaría 4 de las 9 canciones.

"Blues Away" podría estar compuesta por Michael pero tampoco es que le dieran total control ya que en la producción del tema están Kenneth Gamble y Leon Huff, Gene McFadden y John Whitehead (estos 2 formaban un dúo también en el sello), Dexter Wansel... y los 5 hermanos Jackson. ¡10 productores! Ni que estuviéramos en 2025...

Así que a saber cómo sería el tema original antes de presentárselo al resto de productores. De todas formas Michael siempre consideró a Gamble & Huff unos genios y que había aprendido más viéndoles componer sentados al piano que lo que había vivido anteriormente (¿un tirito a la gente de Motown?).

El tema cerraba la cara A del disco y dejaba un buen sabor de boca tanto al grupo (que se sentía orgulloso de ella) como a los fans que veían que comenzaban a poder -aunque fuera poquito- tener su hueco para sus propias melodías.

A mi es un tema que siempre me gustó. Me fascina como Michael graba los versos en una doble voz (se aprecia en su versión a capella) y la intensidad y emoción que pone en los pre-coros. 

Está claro que pronto vendrían más y mejores temas propios pero esta se deja escuchar más que bien.

7,5

06 - SHOW YOU THE WAY TO GO

Y, junto a "Good Times" llegamos a la gema del disco. Y sin lugar a dudas una de las mejores del dúo Gamble & Huff dentro de toda su colección de hits a lo largo de décadas de creación.

"Show You The Way To Go" decididamente marcó el camino a Michael. Aquí es uno de esos temas en donde se pone como en plan narrador, la forma en la que está escrita, la melodía, el break y ese momento de brillar vocalmente. Es una auténtica joya y ya os adelanto que es un 10 sin pestañear...

Era tan buena que fue el segundo single y aunque injustamente no tuvo el éxito de "Enjoy Yourself" deja bien claro que es una gran canción ocupe la posición que ocupe en las listas.

Llegó al #28 en pop a pesar de entrar bien en lista y subir como la espuma en sus 5 primeras semanas, pero de golpe se estancó y se quedó a las puertas de lograr algo mayor.

En r&b alcanzó el sexto puesto, pero su momento llegaría coincidiendo con una visita del grupo al Reino Unido actuando en el programa Top Of The Pops que hizo que el tema se disparase en listas y alcanzara la primera posición en las islas británicas. Algo que no habían logrado ni con los superventas de los Jackson 5 en 1970-71.

Como curiosidad decir que Dannii Minogue (hermana de Kylie) habría un cover en 1993 y que en 1996 el grupo Men Of Vizion también haría lo propio. Estos Men Of Vizion firmaron por el sello MJJ Music de Michael que sería hundido por la propia Sony en el inicio de la guerra entre artista y compañía...

Todo el tema es magistral pero la parte final, a partir del minuto 3:55, es una gozada máxima con Michael dándolo todo.

10 

07 - LIVING TOGETHER

Dexter Wansel nuevamente a los mandos; segundo tema compuesto y producido por él. La temática era muy del Philly Sound; hermandad, unidad para encarar lo que venía por delante. La década de los 70 había resultado ser relativamente buena para los negros en USA (relativamente) y podían algunos encarar el futuro con muchas más garantías (algunos)...

Por lo que la letra de temas de este tipo abundaban y todo ello acompañado de música pulsante que te hiciera moverte. Aquí incluso con congas en primer plano...

Otra vez la voz de Jackie salpicando con unas breves frases las estrofas y Michael haciendo el resto, pero también destacar las buenas armonías del conjunto.

Brilla la voz de Michael cuando se le llena de optimismo mientras canta lo de: 

"If this world is gonna be our home, we gotta make it strong by living togeeeetheeeer"

A parte de lo ya comentado, se nota que estas canciones están un poco recargadas, muchas melodías, muchos instrumentos,... y a veces menos es más.  

7

 

08 - STRENGHT OF ONE MAN

Y aquí los que tienen su tema son el dúo McFadden & Whitehead. Gene y John formaron parte del grupo The Epsilons, que estuvo un tiempo siendo teloneros de Otis Redding en los años 60. Posteriormente firmarían un contrato con el sello Stax, uno de los grandes de la música soul americana, pero de ahí no surgió demasiado.

En los primeros 70 serían rescatados por Gamble & Huff que los unirían para la causa (de crear música molona) en el sonido Philadelphia y ellos entraron a formar parte de la familia como compositores.

De sus talentos surgieron temas como el "Back Stabbers" de The O'Jays (una de mis canciones favoritas de siempre), "Bad Luck" de Harold Melvin & The Blue Notes o esta "Strenght Of One Man" para The Jacksons...

Este tema se salía un tanto de la temática del resto; aquí cantaban sobre el peso, la carga, que debía soportar un hombre para crecer de manera recta y honorable. A parte de la novedad del cambio de tema también estaba el hecho de que casi todos los hermanos cantaban como voz principal (menos Tito).

Hay en el minuto 2:48 un cambio muy chulo de tempo que empalma luego con un pequeño breakdown que deja la parte vocal un poco más limpia (con menos instrumentación). Es un buen tema pero nuevamente la encuentro sobrecargada.

Como curiosidad, sobre McFadden & Whitehead, ellos en 1979 decidieron que también querían estar frente a los focos y se lanzaron como artistas con 3 álbumes, siendo el primero de ellos el único con éxito. Su temazo "Ain't No Stoppin' Us Now" es mítico. 

7,5 

09 - DREAMER

La segunda balada puramente hablando del álbum es también un tema destacable pero sin llegar a la magia de "Good Times".

"Dreamer" es el quinto y último tema aportado por Gamble & Huff y da la sensación leyendo la letra de que la compusieron observando al joven Michael de 17-18 años. Y solo por esa más que acertada conexión creo que Michael les brindó una gran interpretación vocal pero muy medida y sin excesos, manteniéndose siempre en la melodía sin salirse ni un solo instante. Comedido pero certero.

Una agradable base musical (existe una versión con más percusión) y una melodía bonita y perfectamente cantada. El resto de hermanos está pero casi ni se notan. 

Gracias al éxito de "Show You The Way To Go" de decidió editarla en single en el Reino Unido y obtuvo un puesto 22 en las listas. The Jacksons la interpretaron en algunas presentaciones promocionales coincidiendo con sus shows en Europa.

8

10 - STYLE OF LIFE  

Y llegamos al final del Lp con la otra canción compuesta por The Jacksons, en este caso por Michael y Tito. Por cierto Tito tocaba la guitarra en el disco y Randy la percusión a pesar de contar con esos 30 musicazos del TSOP...

Las partes vocales de los 2 temas compuestos por los hermanos fueron lo único que se grabó fuera de los Sigma Sound de Philadelphia. Para registrar estas tomas se fueron hasta Chicago donde grabaron en los Paragon Studios (también desaparecidos). 

Con sus creaciones el grupo demostraba que estaba capacitado para componer canciones a la altura. Aquí es cierto que volvemos como en "Blues Away" a tener esos 10 productores y que tal vez -seguramente- varios de esos nombres corregirían los posibles fallos pero el resultado está por encima de un simple correcto. Son buenos temas y que mantiene la linea de un álbum muy homogéneo, sin altibajos.

Volvemos a encontrar esa envolvente producción con multitud de capas y de sonidos pero la melodía, lo básico, es buena. Tenemos cuerdas, congas y todos los elementos que podías encontrar en un disco de Barry White o de cualquier otro artista de "la casa".

Y eso era posiblemente lo peor que se podía esperar de The Jacksons... 

7

Nota Final: 8 (Notable)

Lo peor que podían esperar The Jacksons era sonar como cualquier otro grupo. ¿Habían perdido parte de su esencia yendo (o siendo mandados) a Philadelphia? Un poco si, pero tampoco estaban ellos para exigir mucho. 

Habían sido fichados casi como viejas glorias aunque sus éxitos se remontaban simplemente a 4/5 años atrás. Está claro que la música en aquellos tiempos llevaba otros ritmos y 5 años equivalían a 4 o 5 álbumes que te ponían o te quitaban rápidamente del lugar que habías ocupado. Todo era más instantáneo, incluso el desaparecer...

Si que es verdad que si habías tenido un gran éxito, como ellos tuvieron, siempre te quedaba la opción de vivir de rentas pero eso era algo que ponía enfermo a Michael, o más bien lo pondría tiempo después, porque en estos momentos supongo que él también sentiría la espada sobre su cabeza ante la posibilidad de pasar de moda sin tener ni siquiera 20 años (tenía 18 y 3 meses cuando editaron el disco).

Debe ser duro enfrentarte ante esa posibilidad; el que no tengas futuro cuando tu sabes que tienes mucho dentro de ti que ofrecer.

Trabajaron muy duro para conseguir lograr llegar a la Motown y luego para mantenerse en forma a pesar de que los singles ya no coparan las primeras posiciones en las listas. Entre 1972 y 1975 estuvieron girando por todo el mundo con varias giras interminables, con más de 120 conciertos al año en varios continentes, porque si una cosa tenían o se habían ganado era que eran universales.

Y cuando la historia de amor con Motown se terminó tuvieron que despertar de golpe de un sueño, que ya llevaba algún tiempo que no era tal. CBS acudió y ellos aceptaron.

Los resultados finales del álbum fueron aceptables; #36 en pop (la misma posición que su último Lp con Motown "Moving Violation") y #6 en r&b. Pero la sensación era muy distinta; este disco vendió en 3 meses 500.000 copias y fue certificado como disco de oro y los 2 singles habían funcionado poniendo nuevamente el apellido Jackson cerca de la cima.

Además la calidad del disco era muy uniforme; era un disco sin canciones malas, casi todas con un nivel muy parecido y donde 2 destacaban por encima.

Pero seguían habiendo voces críticas dentro de la compañía y estas se hicieron todavía más presentes cuando su siguiente disco "Goin' Places", al año siguiente no logró acercarse a estos números. Pero eso sería otra historia...

Resumiendo; The Jacksons cumplieron con la difícil tarea de no desentonar dentro de los grandes artistas del sonido Philadelphia y eso no era poca cosa. Gamble y Huff estuvieron contentos de trabajar con ellos y el grupo valoró cada momento que compartieron, como si de una masterclass se tratase.

Pero lo cierto es que el sonido Jackson estaba más alejado del soul de Philadelphia. Su raíz era el funk aunque en cuanto a mensajes compartieran casi los mismo ideales.

"The Jacksons", el álbum, es siempre obviado entre los propios fans y la crítica ni pierde el tiempo nombrándolo. A mi me parece un muy buen disco de soul/r&b de finales de los 70, pasando del disco y centrándose en las melodías.

  

La Canción De La Semana "Blue Lights" Jorja Smith

 

 

Hace unos días me dispuse (por aburrimiento) a ver la gala de entrega del Balón de Oro, que finalmente se llevó Harry Kane de manera creo que justa.

Mi Barça -el femenino- triunfó llevándose hasta 5 premios; mejor club femenino, Alexia Putellas fue elegida la mejor jugadora, Vicky López se llevó el de la mejor jugadora joven, Cata Coll mejor portera y Pere Romeu mejor entrenador.  

Pero aquí hablo de música y traigo una canción semanal (cuando se puede) a destacar y esta semana la artista la descubrí en la misma entrega de premios; Jorja Smith.

Abrió la gala con una actuación, ella sola sobre el escenario, cantando en directo sobre una base grabada y me dejó prendado ante semejante espectáculo de mujer; tanto físicamente como en lo artístico.

Cantó "Blue Lights" que luego haciendo una búsqueda he descubierto que fue su canción debut allá por 2018. Y yo sin sabe de esta diosa... Luego también he visto que Drake se acercó y eso me ha tirado un poco para atrás...

El tema, muy actual hoy en día, habla sobre esos jóvenes que son "confundidos" por las fuerzas del orden y prácticamente declarados culpables de cualquier cosa negativa debido a su color, forma de vestir, comportamiento o cualquier otra excusa que tengan los poderes con tal de hacer que la juventud (o al menos una parte de ella) no levante cabeza y siga siendo fácil de llevar y controlar...

Y no voy a hablar más de estos temas. Punto.

Además la canción lo deja bastante claro con la letra:

"No corras cuando escuches venir las sirenas, será mejor que no corras porque las sirenas no vienen a por ti. ¿Qué has hecho? Fuiste a la escuela ese día, ibas tarde pero era un lunes. Te quedaste después de clase por contestar mal. Te disculpaste, ¿qué hay de malo en eso?"

Pero en el siguiente verso ese mismo chico se encuentra con un amigo en el bus y este viene con sangre y le pasa una navaja o un cuchillo y le dice: "Mira hermano; lo siento porque sé que tu me apoyaste" mientras el chico se cuestiona sobre esa amistad al querer pasarle el marrón y entonces la letra cambia a:

"Será mejor que corras cuando oigas las sirenas venir porque vendrán por ti"

Y todo esto cantado por Jorja con gran sentimiento y rollazo por encima de una base que en varios momentos tiene unos motivos sonoros muy chulos.

Jorja Alice Smith es una cantante británica de 29 años y tiene editados 3 álbumes. 

 

Os dejo la versión del Balón de Oro y la original.

Feliz escucha y feliz semana.    

"BLUE LIGHTS"

Ballon d'Or 2026

 

"BLUE LIGHTS"

2018 Original Version 

Babyface "The Day" - Crítica

 

A mitad de la década de los años 90 Kenneth "Babyface" Edmonds era considerado como el creador de hits y productor más importante de la industria. Sus composiciones estaban copando las listas de éxitos y batiendo récords y sus producciones eran requeridas por artistas que iban más allá del r&b.

Pero Babyface también era un artista con una carrera de solista y hoy vamos a repasar su cuarto álbum en solitario ya que cumple 30 años y además es un disco que me gusta mucho y le tengo en gran estima.

Kenneth Edmonds había comenzado en la música formando parte de un grupo llamado Manchild, donde conocería a Daryl Simmons. Posteriormente pasaría por The Deele, entre quienes estaba Antonio Reid. En ambos casos aquellas experiencias le sirvieron al joven y retraído Kenneth soltarse un poco y desarrollar sus cualidades como músico y compositor. Más tarde Simmons y Reid serían parte de su salto definitivo como autor.

En 1986 debutó en solitario con "Lovers", un álbum que pasó casi desapercibido y que tan solo tuvo cierto impacto (#28) en las listas de r&b. Tres años después, con "Tender Lover" su segundo disco, pasaría de prácticamente la nada al todo; #14 en pop y #1 (durante 11 semanas) en r&b y triple disco de platino por ventas de más de 3.000.000 de copias.

En 1993, y cuando tuvo un cierto respiro entre producción y producción y entre hit & hit, editaba su tercer álbum; "For The Cool In You",  que lograba casi calcar los buenísimos resultados de su predecesor; #16en pop y #2 en r&b y nuevamente 3 millones de copias despachadas.

Así que cuando se puso a grabar su cuarto disco las expectaciones estaban por todo lo alto y más si cabe porque en aquel momento ya era el productor y hitmaker número 1 en USA.  

Entre "For The Cool In You" y "The Day" hay temas compuestos y/o producidos para Mariah Carey, TLC, Toni Braxton, Boyz II Men, Tevin Campbell, Johnny Gill, Aretha Franklin, After 7, Madonna o Whitney Houston... por nombrar unos cuantos...

Y finalmente ese día llegó; un 28 de octubre de 1996, hoy hace 30 años (de nada) salía a la venta el nuevo disco de Kenneth "Babyface" Edmonds.

Y esta es MI crítica de "The Day". 

 

01 - EVERYTIME I CLOSE MY EYES

Y volvía Babyface pero no lo hacía solo y es que una de las cosas más destacables del disco son las estelares colaboraciones con las que cuenta. Yo os he compuesto auténticos temazos y ahora vosotros me hacéis el favor de salir en mi disco, como buenos colegas...

Es el caso de esta primera canción en la que Mariah Carey y Kenny G están presentes para arropar al bueno de Kenneth. En el caso de Mariah no era la primera vez que ella se dejaba caer haciendo coros para otros artistas y ya había colaborado con él en los temas "Never Forget You" y "Melt Away", y el otro Kenneth (Golerick); también era un recién invitado por Face en el disco "Secrets" de Toni Braxton.  

Recientemente Face reconocía que "Everytime I Close My Eyes" había sido compuesta para Luther Vandross pero que este la había rechazado. Y escuchando ahora la canción me cuadraría perfectamente la voz de Vandross en ella.

Se trata de una preciosa balada, una canción de amor con una bella melodía, con una estructura clásica en las composiciones de Babyface en los 90, incluso su instrumentación. Compuso un buen número de temas de esta índole y la diferencia entre unas y otras era básicamente lo que el artista para quien iba dirigida podía aportar vocalmente con respecto a otro. ¿Un poco formulaica? Quizás, pero de muchísima calidad y buen gusto sonoro.

Aquí Babyface ofrece una sólida interpretación y además de Mariah y Kenny G, cuenta con otros grandes músicos de sesión como eran Greg Phillinganes, Nathan East, Michael Thompson y Sheila E. Todos ellos "tope de gama" en sus respectivos campos. Por lo que estaba claro que el resultado iba a ser satisfactorio si o si.

El tema salió como segundo single del álbum llegando al #6 en pop y al 5 en r&b. Fuera de USA ya sabemos que a los artistas de r&b les costaba más impactar en otros mercados (aún teniendo a la artista de los 90 como fue Mariah). En Reino Unido se quedó en el puesto 13, el 8 en Nueva Zelanda, el 38 en Escocia, el 40 en Australia... el 87 en Alemania... el 93 en Holanda...

Como curiosidad y como ya pasó con el tema de Toni Braxton "How Could An Angel Break My Heart", la canción fue incluida en el álbum "The Moment" de Kenny G, que salió un par de semanas antes que el disco de Babyface. La diferencia es que tenía más saxo y no estaba Mariah presente.  

Rodaron un video, sin los ilustres invitados, en el que lo más destacable era la chaqueta verde chulísima con la que salía Edmonds.

8

 

02 - TALK TO ME

En 1995 Tommy Sims, Gordon Kennedy y Wayne Kirkpratick compusieron un tema llamado "Change The World" que fue interpretado por la cantante country Wynonna Judd. Mese más tarde el tema sería vuelto a grabar, por Eric Clapton para la película "Fenómeno" de John Travolta. Esta nueva versión estaba producida por Babyface que además hacía coros. Sería la primera colaboración entre ambos artistas.

Y Babyface le pilló gusto y quiso componer su propia canción con toques country y volver a llamar a Clapton para que colaboraran de nuevo. Y así apareció "Talk To Me".

El tema está cantado por Babyface (que también toca la guitarra acústica) y Eric Clapton aparece con su guitarra. Junto a ellos nuevamente la flor y nata de los mejore músicos de estudio; Nathan East, Michael Thompson, John Robinson, Sheila E y las voces a los coros de Mar Nelson, Shanice Wilson y De De O'Neal. Es un buen tema, con casi los mismos ingredientes que "Change The World" pero que no llega a la brillantez de esta última.

Si "Change The World" fue un enorme éxito en medio mundo (#5 en USA y 2 en el Eurochart) llevándose el Grammy a la mejor canción y mejor grabación del año, "Talk To Me" se tuvo que conformar con entrar en el disco de Babyface y poco más.

Aún así ambos se juntaron para tocar ambos temas en el Unplugged de MTv de 1997 con Babyface (& Friends) como protagonista.  

Sin ser un temazo tener a Clapton en tu disco no es mala cosa tampoco... 

6,5

 

03 - I SAID I LOVE YOU

Y tras la incursión en el country (o lo más cercano a lo que se podía acercar Babyface) volvemos a terrenos más cómodos para el artista de Indiana; el r&b.

"I Said I Love You" es una balada que combina los elementos más representativos de las composiciones de Babyface; una buena melodía, un estribillo que se queda (sea mejor o peor), coros y buenas interpretaciones tanto a nivel vocal como instrumental. Aquí junto a Face vuelve a estar el núcleo duro del álbum; Nathan East, Michael Thompson y Sheila E. El añadido en esta ocasión es Kenny Crouch al pinao acústico. El resto (teclados, batería programada y voces) son de Face.

No es su balada más brillante, es quizás un pelín demasiado lenta y no guarda sorpresa alguna. Ese mismo año había compuesto un tema para Michael Jackson titulado "On The Line" que finalmente Jackson no utilizó para ninguno de sus discos y que tan solo apareció en la cabecera de la película de Spike Lee "Get On The Bus", pues bien; ambas canciones guardan cierto parecido aunque sea estructuralmente, con la salvedad de que Face no era Michael Jackson y este era capaz de agregar mucho más sentimiento al tema.

Es un buen tema de álbum (relleno) pero es de lo más simple, incluso diría aburrido del proyecto.

6

 

04 - WHEN YOUR BODY GETS WEAK

Y el ritmo cansino continua. A estas alturas entiendes como un tema como "Everytime I Close My Eyes" habría el disco; ¡casi parece un medio tiempo comparado con estas 2 últimas!

En este caso sumamos el hecho de que estamos ante el corte más largo del disco con 5:40 minutos. Too much...

Lo más destacado son las aportaciones vocales en forma de coro; están presentes Shanice Wilson, el propio Face, Wanya Morris (de "Boyz II Men") y 2 miembros de un grupo que LaFace Records había presentado unos meses antes; Az Yet. Ellos eran Marc Nelson (el chico que dejó "Boyz II Men") y Kenny Terry. Las voces suenan increíbles; todos ellos eran TOP.

La música también suena genial. Face se luce con la guitarra acústica incluso teniendo un bonito solo que dibuja la melodía principal y están Nathan East y Sheila E. (Thompson por lo que fuera no fue requerido ese día). También volvía a estar Kenny Crouch con el piano acústico.

Si hubieran logrado ofrecer lo mismo restándole casi 2 minutos hubiera quedado perfecta, pero no.

6,5

 

05 - SIMPLE DAYS

Y tenía que llegar un tema que salvara del bache (o agujero negro) en el que habíamos entrado, y esa es "Simple Days".

Esta vez Face busca colaborar con otros para componer este tema. Bradley Spalter, Emmanuel Officer,, Robbie Neville y Babyface son los creadores.

¿Quienes eran cada uno de ellos?

Bardley Spalter es uno de esos ejemplos de talentos capaces de casi cualquier cosa en un estudio. Faena que le pidas, faena que saca adelante. Su caso concreto no lo conozco pero viendo los créditos que atesora su extensa carrera veo que aparece tanto como compositor, productor, ingeniero o músico. Y ahora parece que está metido de lleno en la industria del cine supervisando bandas sonoras para películas muy caras, por lo que estoy seguro que es un gran profesional.

Emmanuel Officer es uno de esos nombres que para quienes devoramos los libretos de los Cd's es una presencia casi omnipresente. Está presente ya sea componiendo o haciendo coros en discos de artistas como Bobby Brown, Jeremy Jordan, Silk, Keith Sweat, Peabo Bryson, Jade, Chanté Moore, K-Ci & Jojo, Johnny Gill,...

Y Robbie Neville (o Nevil) es -estoy seguro de que la conoceréis- quien canta "C'est La Vie" TEMAZO de 1986 que llegó hasta el #2 en la lista pop de Billboard. Nevil editó 3 álbumes, el primero tuvo bastante éxito y los siguientes no los compró nadie, y más tarde redirigiría su carrera convirtiéndose en un compositor de éxitos. Ha escrito para artistas como Luther Vandross, Ricky Martin, Eternal, The Pointer Sisters, Kenny Loggins, Jessica Simpson,...

Y el cuarto es Babyface, claro.

Entre los 4 se las congeniaron para crear esta preciosa "Simple Days" y uno casi puede imaginárselos con las guitarras, charlando y cantando mientras va surgiendo la magia, porque este tema va de magia; esos recuerdos que te transportan a otros tiempos, los buenos, los felices, los que guardas dentro de ti y que nunca se irán...

Bradley Spalter está junto a Face en los teclados y la programación (también co-produce el tema), vuelve Thompson y están en los coros Emmanuel Officer, Marc Nelson y el hermano de Face, Kevon.

La canción es maravillosa; tiene un medio tiempo genial, buenas guitarras, gran melodía y voces geniales.  

10

 

06 - ALL DAY THINKIN'

Y de vuelta al campo del r&b...

Babyface lo hacía casi todo bien (o muy bien); era un excelente productor, un gran compositor, muy buen músico y destacable haciendo coros. Como voz solista tenía sus limitaciones y más cuando lo comparamos para muchos de los artistas para los que creó alguna de sus históricas canciones. Y dentro de la interpretación, quizás su punto más debil era que podía sonar romántico pero no sexy.

Él ha reconocido que es un tío bastante tímido pero también lo eran Prince o Michael Jackson -por ejemplo- y luego eran capaces de seducir como auténticas bestias. Incluso en su Unplugged para MTv lo reconocía antes de pasar a tocar una "de mis primeras canciones sexy" que era "Whip Appeal".

Por lo que en esta "All Day Thinkin" pues se queda corto y la canción no va muy lejos.

En esta ocasión está acompañado por un tal Gerald Baillergerau que co-produce el tema junto a él. (Solo 3 de las 10 no están producidas por Babyface en solitario). Además hace gran parte de la música a través de teclados y baterías programadas. Face tan solo toca su guitarra y Sheila E. a la percusión.

En cuanto a las voces de coro están Face, Shanice y Nelson (los fijos) y un tal Pete Farmer.

"¿Has estado pensando en mi, cariño? - canta Shanice Wilson, mientras otras voces van haciendo algunas armonías. El ritmo es lentorro, de esos para escuchar en posición horizontal, en cuanto a sonido es gustosa, pero se repite demasiado esa parte de Shanice y los versos no son demasiado especiales. Está bien (al igual que "I Said I Love You") tenerla como relleno pero ya son 2 que no destacan a penas...

6,5 

  

07 - SEVEN SEAS

Seguramente el que esté leyendo esta crítica estará pensando: "pues por las puntuaciones que llevamos tampoco es un disco espectacular..." pero como decía Súper Ratón: "no se vayan todavía, aún hay más!".

Tras "Simple Days" como tope llega ahora otra joya que le está a la par. Esta vez colaboran Face y Marc Nelson que deja claro que no solo era una bonita voz. Ambos temas tienen un fondo folk y esta sobre todo podría ser un tema que le hubiera escrito Lionel Richie a Kenny Rogers en 1980. Aquí la voz de Babfyace si que cuadra a la perfección con el mood del corte, y está acompañado por Nelson y por otro de sus hermanos, en este caso Melvin.

En cuanto a la música; Face se curra casi todo (teclados, guitarra acústica y programación) y vuelven a estar Sheila E., Michael Thompson y Kenny Crouch que tiene unas bonitas lineas de piano acústico.

Esos siete mares, son los que cruzaría por su chica, porque no hay nada que no haría por ella. A pesar de ser una letra bastante corta (los versos son cortitos y el estribillo se repite en repetidas ocasiones) es bastante bonita sin llegar a ser pura poesía o ni siquiera de las mejores que haya compuesto en su carrera, pero el conjunto de todo es de...

10

 

08 - THE DAY (THAT YOU GAVE ME A SON)

Y aquí el motivo de este álbum. En el libreto del CD (mi copia es una reedición del 2001 con 3 remixes) cuentan de que a pesar de encontrarse en un momento estelar de su carrera, con todo el éxito y el reconocimiento, lo que verdaderamente hizo feliz a Kenneth Edmonds fue el nacimiento de su primer hijo Brandon (luego vendrían 2 más). Su nacimiento le llenó de alegría y quiso componer una canción relatando el momento en el que ella, Tracey Edmonds le dio a su hijo.

Reconozco que las primeras veces que la escuché en el álbum no me dijo demasiado pero meses después la incluyó en su concierto Unplugged para MTv y fue entonces cuando paré atención en ella. Si un tío con las posibilidades que tenía él de incluir canciones en un evento tan especial, eligió esta era por algo más que por el simple hecho de hacerle feliz. Es que era una gran canción. 

En el disco tiene una duración normal, de hecho es la segunda más corta con 4:29 minutos, pero en el Unplugged hay unos parones que parecen hechos para que él se recompusiera de la emoción. La música tiene esas pausas, esos silencios, que muchas veces dicen más de lo que parece.

Aquí se hace acompañar de ese grupo de cracks que son John Robinson en la batería, Sheila E. en la percusión, Nathan East al bajo, Michael Thompson a la guitarra y Greg Phillinganes al piano. Incluso hay una orquesta para añadir mayor dosis de magia. Babyface en este corte se dedica simplemente a cantar.

¿Es perfecta? No, pero está muy cerca.

9

 

09 - HOW COME, HOW LONG

Para perfección ya había otras...

Un nuevo "featuring", si Mariah Carey, Kenny G o Eric Clapton no eran suficientemente grandes aquí el amigo Face llama al genio Stevie Wonder. La canción demandaba alguien grande para terminar de bordar con hilo de oro estos 5 minutos y 15 segundos de enormidad sonora.

En un mano a mano entre uno de los maestros y uno de los alumnos aventajados (quizás 2 de los más grandes compositores/productores de la historia), se sacan de la chistera esta "How Come, How Long" que empieza sonando tremendamente sólida y termina de manera épica.

Al cuarteto de Robinson, E, East y Thompson, añádele de nuevo a Greg Phillinganes con su piano y a Stevie Wonder con su armónica (y Face a los teclados y guitarra acústica). Y para los coros más de lo mismo; Shanice, Marc, Kevon, Face y Stevie. Con estos ingredientes tienes que ser un bestia para que salga mal la cosa.

El tema, según vas leyendo la letra, trata sobre un claro caso de malos tratos de un hombre hacia una mujer, visto desde la perspectiva de un tercero o de un narrrador... pero hicieron un video, ya que este tema salió en single (el tercero y último del álbum), y en el clip supieron darle un giro a la historia que por supuesto no voy a desvelar aquí. Id a verlo.

Increiblemente tal temazo y colaboración fracasó en las listas americanas que ya por 1996-97 se habían convertido en otra cosa... Fuera de USA este dúo no pasó despercibido aunque no fueran los mercados para un artista como Babyface; Top-10 en Reino Unido, Holanda, Australia, Austria, Noruega, Irlanda, Nueva Zelanda, Suiza o Suecia.

Como curiosidad decir que fue nominada 2 veces a los Grammy en la misma categoría en 2 años distintos; una en 1997 a la mejor colaboración pop vocal y lo mismo al año siguiente... lo que pasa es que la primera nominación fue para la versión del álbum y la otra para el dúo que se marcaron en el Unplugged de la MTv (en ambos casos perdieron).

10

  

10 - THIS IS FOR THE LOVER IN YOU

Y llegamos al final del disco y ¡por fin tenemos algo de ritmo!

Con el tempo que llevan la mayoria de los temas esta, que es un medio tiempo, parece un temazo con el que romper la pista de baile, pero ya digo que es un medio tiempo muy cool, eso si.

El crear formaciones es algo tan viejo como el mismo negocio del disco. No empezó con los New Kids On The Block o los Backstreet Boys, no. A finales de los 70 2 importantes hombres de la industria decidieron crear un grupo al que llamarían Shalamar. Estos 2 hombres eran nada más y nada menos que Don Cornelious (presentador del famosísimo programa "Soul Train") y Dick Greffey (ejecutivo y "cazador de talentos"). Ambos eran responsables del programa más famoso de música y baile de la historia de la televisión americana. "Soul Train" estuvo 35 años en antena...

Pues estos 2 caballeros tiraron de talentos propios y escogieron a Jody Watley y Jeffrey Daniel entre todos los bailarines más brillantes del show. Eso fue en 1977 y 2 años más tarde entraría el tercer y definitivo miembro; Howard Hewett (este si era cantante).

La idea era sobre todo producir música de baile y que ellos se lucieran en escena. Estamos en los tiempos del post-disco y ante el nacimiento del r&b moderno.

Shalamar tuvo varios buenos años con 3 álbumes de oro en USA, aunque ninguno llegaría a ser un súper éxito.

Y entonces vinieron los problemas; falta de pagos, luchas de egos y Watley y Daniel abandonan el proyecto en 1983. Hewett lo haría 2 años más tarde.

Pero la fuerza del destino (como cantaba Mecano) los hizo reunirse en 1996 para un evento especial; Babyface hizo un cover de un tema suyo y los quería cantando en él.

"This Is For The Lover In You" había sido grabado por Shalamar en 1980 y llegó al #17 en la lista de r&b. Ahora Babyface contaba con ellos, nómbrandolos a cada uno por separado y nunca haciendo referencia a Shalamar. También estaba presente Ll Cool J, que rapeaba en esta nueva revisión al tema original.

Babyface incluso sería capaz de reunirlos para que actuaran junto a él en la única actuación de los 3 miembros después de 1983.

Howard Hewett y Jeffrey Daniel limaron asperezas y volverían a revivir a Shalamar junto a la hija de Greffey y así llevan desde el año 2000, dando conciertos y viviendo de ello.

Jody Watley por su parte comenzaría en 1987 una carrera en solitario que ha resultado bastante equilibrada. 

La canción de Babyface, que era mega cool, salió como primer single del disco y llegó al #6 en pop y al 2 en r&b vendiendo 1 millón de copias en USA.

En el video también aparecian los 3 pero se habían grabado por separado... 

En cuanto a los créditos del tema; la música se la curran entre Face y Bryce Wilson (del grupo Groove Theory) y cuentan con una sección de metales de saxo (Gerald Albright), trompetas y trombón. Luego está LL Cool J con sus raps y los coros que lo forman los miembros de Shalamar y los habitaules Wilson, Nelson y el propio Face. 

PD: Como curiosidad decir que Jeffrey Daniel fue quien inventó el "moonwalk" y fue él mismo quien se lo enseñó a Michael Jackson. El nombre de "moonwalk" corresponde a otro paso de baile pero Michael pensó que molaría más llamar a este de esa manera. Daniel posteriormente aparecería en varios video de Michael Jackson como parte de su cuerpo de baile. 

10

Nota Final: 8,25 (Notable)

Ninguna sorpresa; "The Day" es un GRAN álbum. Comienza correcto, luego tiene un bajón pero la última parte es una joya. Tenemos r&b en varias de sus variantes, tenemos pop, folk, un poco de country. Un disco con acercamientos bastante claros y con su punto de riesgo al entrar en territorios no demasiado negros... y parte de sus resultados (que tampoco fueron malos) están ahí; #6 en pop y solo 4 en r&b...

Fuera de los Estados Unidos pues lo normal; asomarse a las listas de algunos países que si abrazaban la música negra como en Holanda (#10), Nueva Zelanda (12) o Australia (14). En Reino Unido tan solo el puesto 34 y en la lista de r&b ni siquiera entró... 

En ventas también cayó con respecto a los 2 anteriores que habían vendido 3 millones de copias en USA; para "The Day" fueron 2. 

Pero una cosa son los fríos números y otra son las sensaciones y más las de uno mismo; para mi fue un disco que disfruté y además lo hice en grupo. En nuestro grupo de colegas casi todos han sido seguidores del r&b y aquellos tiempos fueron especialmente positivos para este género. El programa MTv Base nos mostraba los nuevos videos de artistas a los que comenzamos a seguir, salir de fiesta en locales como Otto Zutz, Jamboree o la buena época del Maremagnum, nosotros con 20-21 años abriéndonos al mundo y experimentando, etc...

Son muchos recuerdos unidos a este y a otros discos de esa etapa de mi vida y quizás por eso tampoco puedo ser del todo objetivo (nunca lo somos al 100%).

Para Kenneth Edmonds fue su pico como artista solista y aquellos días también lo eran como productor y compositor. La siguiente década la música había cambiado/degenerado tanto que ya no se apreciaban las melodías, ni los grandes músicos de sesión y artistas que habían colaborado aquí como estrellas eran venerados -y considerados- como dinosaurios de otros tiempos.

El hip hop lo enguyó todo y todo se fue al garete... pero nos quedan los recuerdos de los simple days...

 

Prince "Controversy"- Crítica

 

"I just can't believe... this album turned 45"... pero si; estamos de aniversario y no quería esperar a la cifra redonda de los 50, porque tenía ganas de hablar de este disco que para mi fue fundamental en la carrera de Prince.

Otros tal vez dirán que fue el anterior, "Dirty Mind", el que consolidó a Prince como artista y le dio el suficiente impacto como para seguir dando guerra, pero para mi fue "Controversy".

Prince había debutado con "For You", 2 meses antes de cumplir los 20 años. Warner le contrató y lo quiso vender como el nuevo Stevie Wonder y desde el primer minuto quisieron destacar el hecho de que era un "one man band" que cantaba, tocaba, componía y producía todo y que si le hubieran dejado también habría vendido él mismo los álbumes en las tiendas.

Warner puso a su disposición 180.000 dólares para grabar sus 3 primeros discos... pero Prince se gastó 170.000 solo con el primero. A pesar de lo que apuntaba ese talento capaz de tocar 27 instrumentos*, los resultados del disco no fueron ni mucho menos los esperados, ni por Warner ni por Prince; #163 en la lista pop y tan solo 5 semanas de permanencia en ella. En la de r&b si que tuvo más suerte; #21 y 23 semanas. 

* No es por tratar de restarle méritos a Prince como instrumentista pero eso de 27 instrumentos está hinchadísimo. Si tu tocas el piano se sobreentiende que tocas cualquier instrumento que lleve teclas, no? No hace falta enumerar los modelos de sintes y teclados que existían con tal de darle más bombo a tus cualidades como músico.

18 meses después Prince volvía a la carga con "Prince", su segundo álbum, que para mi es casi intercambiable con el primero. Ambos suenan más a maqueta si sobre todo lo comparamos con algunas obras maestras que estaban creando en aquellos días otros artistas negros.

Pero esta vez el disco se vio beneficiado de un single de éxito; la genial "I Wanna Be Your Lover" con esa mezcla de funk y disco llevaba a Prince al #11 de las listas pop y al #1 durante 2 semanas en la de r&b. Gracias a eso el disco se impulsó en las listas hasta superar ampliamente a "For You", logrando un puesto número 22 en pop y el 3 en r&b y vendiendo 1 millón de copias en USA.

Todo parecía indicar que la siguiente bala en el cargador sería la definitiva y que Prince lograría acceder al escalón más alto del podio.

Y entonces llegó "Dirty Mind".

Si nos basamos tan solo en datos, "Dirty Mind" fue un paso atrás comparado con "Prince". Se quedó en el puesto 45 en la lista pop y en el 7 en r&b. Para mi el mayor problema es que Prince no se estaba ganando ni a su potencial público, el negro. Sus álbumes estaba claro que funcionaban mejor en las listas de r&b pero tampoco eran éxitos rotundos. En cuanto a los singles, a parte del #1 de "I Wanna Be Your Lover" hasta ese momento tan solo había sido capaz de meter 2 temas en el Top-20 y aunque "Uptown", el primer single llegaría hasta el 5, tampoco fue un tema en el que se notara una mejora con respecto a los 2 anteriores álbumes. Incluso en cuestión de ventas, llegaría a las 500.000 copias en 1984 y gracias al bombazo de "Purple Rain".

Si nos metemos más a fondo en la música si que hay algo más del Prince que luego terminaría siendo pero aún se le nota inseguro en muchos momentos del disco y falto de ideas en varias canciones. 

¿Se habría equivocado Warner con él?

"Controversy" fue compuesto (seguramente) mientras Prince estaba embarcado en su "Dirty Mind Tour", en el que ganó muchísima confianza tras dejar de ser el telonero de Rick James. Aquello estoy seguro de que le sirvió para desarrollar todavía más su personaje artístico y escénico de cara al público y enfrentarse aunque fuera dando la espalda a los que no le tragaban (recordad el incidente siendo telonero de The Rolling Stones en Los Ángeles).

Y una vez terminó la gira, Prince se encerró en el estudio y grabó en tiempo récord (como él solía hacer) el disco en verano de 1981 para tenerlo listo para octubre.

Más le valía presentar ante Warner mejores resultados o dejarles bien claro que había mucho más por lo que seguir confiando en él que lo ofrecido hasta ese momento. Se la jugaba...

Es momento de hablar de los temas que componen el álbum, es momento de MI crítica de "Controversy".

 

01 - CONTROVERSY

El sonido que Prince había estado buscando en sus 3 primeros álbumes llega aquí a su plenitud. Fuera las líneas de teclados chorras y vergonzantes, aquí es percusión y guitarra funky el corazón de este temazo. Para mi su mejor canción hasta la fecha.

Más de 7 minutos de funky donde era complicado sacar emoción debido a lo cuadriculado de su base pero aún así Prince se la ingenia para con unos simples toques de sintes y su voz (más la de Lisa Coleman) darnos la nota humana a tan robótico ritmo.

Los primeros segundos del corte ya dejan claro de que hay una evolución sonora conforme a lo que hubo antes y eso que volvía a utilizar como estudio de grabación el que tenía en su propia casa (Kiowa Trail Home) que dejaba bastante que desear en cuanto a calidad.

En la letra dejaba caer cosas que se iban diciendo de él y así hacía crecer la mística sobre su persona y su vida privada; 

"Soy blanco o negro, hetero o gay, creo en Dios o creo en mi?

Controversia..."  

La estructura de la canción es:

Verso - estribillo

Verso - estribillo

Puente

Estribillo

Puente instrumental

Speech (Donde recita el Padre Nuestro)

Y a partir de aquí son más de 3 minutos jugando con el ritmo añadiendo voces, gritos, efectos y un último parón donde él y Lisa recitan lo de 

 

"People call me rude, I wish we all were nude, I wish there was no black or white, I wish there were no rules"

  

Son 7:14 minutos (que acortaron a 3:35 en el single de 7 pulgadas) que son enteramente necesarios para el desarrollo del tema y del nuevo Prince, ya totalmente seguro de sus posibilidades y que había dado con la tecla necesaria.

Tampoco es que fuera un mega-éxito; #70 en pop (pero venía de sonoros fracasos de ni siquiera entrar entre los 100 primeros) y #3 en r&b pasando 11 semanas en el Top-10.

Tras "I Wanna Be Your Lover" se convertía en el segundo tema que entraba en alguna lista que no fuera la americana; puesto #15 en Australia, 28 en Holanda y 52 en Francia...

Grabaron un video(*) dirigido por Bruce Gowers que fue uno de los primeros directores de videoclips cuando estos eran simples ítems promocionales. Gowers dirigió el "Bohemian Rhapsody" de Queen, el "How Deep Is Your Love" de The Bee Gees, el "The Logical Song" de Supertramp, el "Do You Think I'm Sexy" de Rod Stewart o el "Rock With You" de Michael Jackson".

*Una simple grabación de una actuación en playback.

PD: Según los créditos Prince lo toca todo y lo canta todo, con la excepción de la participación de Lisa Coleman en la segunda voz y coros. Hay un rumor de que la batería está tocada por Morris Day pero no está acreditado. No sería la primera vez que algún colaborador se queda fuera de los créditos...

Para mi "Controversy" es una de sus GRANDES.

10

 

 

02 - SEXUALITY

En el segundo tema ni Lisa ni Morris ni tu tía; esto es un (típico) "Juan Palomo" de Prince, que se casca él solito todo lo que suena en los 4:20 minutos que dura.

Entre los tecladitos y parte de la letra del comienzo nos podría recordar a lo que venía haciendo en sus anteriores álbumes: mezclar esas líneas de sintetizadores con cierta blasfemia (o "profanity" como decían ellos) pero luego conforme avanza este alocado tema, la letra se pone más seria y Prince ciertamente tiene unas cuantas buenas frases que hoy en día, 45 años después, siguen vigentes.

Después de decir que "lo único que necesitas es la sexualidad" cambia al tema que también es citado en "Controversy"; el racismo y la importancia de levantarse ante injusticias:  

"Estoy hablando de una revolución, debemos organizarnos, no necesitamos la segregación, no necesitamos razas" 

y finalmente en la parte más cañera suelta hostias como panes:

"Vivimos en un mundo de turistas(1), inventores del accu-jack(2). 

Miran la vida a través de una cámara de bolsillo. 

Son todos unos idiotas que enseñan a sus hijos que el amor es malo. 

La mitad de su cerebro está de vacaciones.

Necesitamos una nueva generación; líderes, levantaros! organizaros!

No dejen que sus hijos vean la televisión hasta que sepan leer, o si no solo aprenderán a maldecir, pelear y reproducirse. 

Ningún niño es malo desde el principio, solo imita a su entorno, si están en compañía de turistas, alcohol o la historia de Estados Unidos"

(1) No se refiere a viajeros, es una metáfora.

(2) Parece ser que era un aparato usado en fertilización asistida... 

Y todo esto mientras se combinan percusiones machaconas, bajo, guitarras y teclados, todo a una velocidad considerable, y Prince haciendo decenas de voces de todo tipo; desde falsetes a gritos, gemidos y dobles voces. Aquí ya tenemos al Prince definitivo.

Fue editada en algunos mercados (Japón, Alemania y Australia) como single promocional y no entró en ninguna lista pero tiene lo suyo. No es tan buena como "Controversy" pero es destacable.

También grabaron un vídeo (el mismo día que "Controversy") y que era lo mismo... 

7,5 

03 - DO ME, BABY

Vosotros de quien sois más ¿de papá o mamá? ¿De "Do Me, Baby" o de "The Beautiful Ones"?

Hasta que salió la segunda, esta "Do Me, Baby" era LA BALADA de Prince.

Parece ser que fue compuesta en 1977 y que contó con la ayuda de André Cymone (de hecho dicen que la música era suya). Cymone era amigo de Prince desde que ambos tenían 12 años, inlcuso Prince vivió durante un tiempo en casa de la familia de André.

Posteriormente sería el bajista de la primera banda de Prince durante la etapa que iba desde su debut en 1978 hasta 1981 con el "Dirty Mind Tour". Posteriormente dejaría la formación y sería reemplazado por Brown Mark.

"Do Me, Baby" sería grabada en 1978 con Cymone como voz solista y posteriormente, en 1979, retrabajada con una letra nueva (de la mano de Prince) y con él haciendo todo en el tema. Esta nueva versión acabaría saliendo en 2021 en un single de edición limitada y ya ahí, en ese estado, era una joya. 

Para "Controversy" Prince decidiría incluirla, llevando su duración hasta los 7:44 minutos y con el final que todos conocemos; yendo al extremo...

Sería editada en single, el tercero en USA, y no entraría en ninguna lista a pesar de su brillantez.

Muchísima más suerte tendría Meli'sa Morgan en 1986 cuando su versión llegaría al #1 de la lista de r&b (y al 46 en la de pop). 

Es de esas canciones que da igual la posición que logre en las listas; es otra de sus grandes.

10 

 

04 - PRIVATE JOY

Este tema es histórico dentro de la carrera de Prince por un par de motivos; primero porque fue la primera canción que grabaría en los Sunset Sound Studios de Hollywood, donde grabaría gran parte de sus obras hasta que Paisley Park estuvo acabado en 1986-87, y segundo, porque sería la primera canción en la que usaría la LinnDrum Machine, que sería uno de sus sellos sonoros en los próximos discos/años.

Estos 2 datos son más destacables que la canción en si misma...

"Private Joy" venía, al menos su música, de otra canción que Prince no terminó y que fue reutilizada para esta misma. Contiene esas lineas de sintes bastante juguetonas y estúpidas de sus primeros 3 álbumes y es que suena más a ellos que a lo mejor de "Controversy". El bajo mola y que Prince use su voz sin falsete era una muestra más de que se sentía más seguro, pero salvo esto poco más. Se trata de una canción de amor (a lo Prince) donde ella es su juguete preferido, su alegría privada... "Si alguien te pregunta, perteneces a Prince".

PD: Ah! El solo de guitarra claro! El final se casca un solo de guitarra eléctrica que más de una década después utilizaría para su infame ¿canción? "Orgasm" del álbum "Come" de 1994.

5,5

 

05 - RONNIE, TALK TO RUSSIA

Por si alguien necesita saberlo, este "Ronnie" es Ronald Reagan, ex-presidente de los Estados Unidos y que en los años 80 mantenía aquella pugna con la Unión Soviética en el marco de guerra fría que nos tuvo tan acojonados durante años a todos porque cualquier día podía ser el último. menos mal que ahora estamos super seguros...

Así que en teoría es un tema con política de por medio, pero Prince hizo mejores peores que esta en su carrera...

"Ronnie, habla con Rusia antes de que sea tarde. 

Antes de que hagan estallar al mundo.

Puedes ir al zoo pero no alimentes guerrillas (1)" 

(1) ¿Estaría Prince haciendo un juego de palabras entre guerrillas y gorilas? 

 

Hay 2 cosas buenas en esta canción; la guitarra y que tan solo dura 1:51 minutos. El resto es horrible y una más de las bromas que Prince hacía de vez en cuando en forma de tema...

3

 

06 - LET'S WORK

Tras 2 castañas importantes era momento de remontar el vuelo o terminar estrellándote contra el suelo y gracias a Dios que Prince se vuelve a sacar de la chistera otro gran tema; "Let's Work".

Parecido a ese sonido cuadricualado de "Controversy", con percusión tajante y funky sincopado con un bajo pirulelo en toda la cara, pero sin llegar a la magia total de la primera.

"Let's Work" al igual que "Do Me, Baby" venían de tiempo atrás. Fue compuesta en 1979 con el título de "Let's Rock" y fue pretendida para un álbum de la primera banda que Prince creó paralela a su carrera de solista; The Rebels... pero que terminó siendo un esfuerzo efímero ya que nunca se editó nada ni la banda fue a más (poco después crearía a The Time).

Para "Controversy" Prince hechó mano de su baúl y convirtió "Let's Rock" (que iba -dicen- más orientada al rock) en "Let's Work". 

Fue editada como segundo single y tampoco tuvo demasiada suerte en las listas; 104 en pop y 9 en r&b.

En el maxisingle incluyeron una versión extendida "Dance Remix" de 8 minutos en la que Morris Day tocaba la batería y Prince el resto... claro.

Por supuesto que ese "trabajar" era una metáfora sobre tener sexo. 

No llega a "Controversy" pero se le acerca y la versión extendida es tremenda.

9 

  

07 - ANNIE CHRISTIAN

Sin duda estamos ante el tema más raro del disco (y para mi también uno de los más extraños de su carrera). En "Annie Christian" Prince podría estar hablando sobre "cualquier cristiano" y que por el simple hecho de serlo no los convertía precisamente en angelitos, ya que aquí enumera una serie de crímenes terribles que acompañaron a un final de década de los 70 y principios de la siguiente que fueron convulsos a más no poder.

Primero nombra lo de los asesinatos de Altanta, donde 27 niños, adolescentes y chicos negros fueron asesinados entre 1979 y 1981. Luego el asesinato de John Lennon y el intento de Ronald Reagan y finalmente el caso ABSCAM donde el FBI tras 2 años de investigaciones detuvo a varios senadores y congresistas que terminarían en la cárcel por varios chanchullos graves de corrupción ubanística.

En la canción Prince siempre se refiere a Annie, como ella, como una mujer; "era una puta buscando acción, ser buena era aburrido por eso se compró un arma...", pero me da la sensación de que es más una condena a los actos de los que dicen ser muy religiosos y luego hacen lo que hacen...

La letra no es la parte rara, aunque sea poco habitual, es la música la que la aleja de cualquier tema que pudiera existir en las listas de aquellos días. Prince usó una Korg Minipops, que era una caja de ritmos análoga de los años 60 y 70 que venían con una serie de ritmos ya integrados (como los Casio PT1 que casi todos tuvimos con aquellos presets de "marimba, rock, samba, etc...". Ya en este disco la jubilaría dando entrada a la célebre LinnDrum Machine.

Luego también hay guitarras y otros sonidos raros de sintetizador, que le dan un aire (junto a los filtros de la voz) de tema que mezclara la New Wave con lo demoníaco, jeje.

La salvo por rara y diferente pero... ufff.

4,5

 

08 - JACK U OFF 

Y tenía que estar aún algo del anterior Prince. Si con "Head" o "Sister" no habíamos tenido suficiente, aquí tenemos una oda al desenfreno manual con esta "Te Haré Una Paja", que por si fuera poco tiene también las lineas bobas de teclados...

Al menos es alegre... como una buena paja, vamos, pero es bastante tonta y chorra.

Y resulta curioso que en un tema donde Prince se ofrece a calmar a su chica, sea también el que más manos están tocando en ella (en la canción digo); junto a Prince están Lisa Coleman (coros y teclados), Bobby Z (batería) y Dr. Fink (teclados).

5

 

Nota Final: 6,8 (Bien)

No es una nota para tirar cohetes y más siendo el cuarto álbum de tu carrera pero aún así me parece que era un paso -uno bien grande- hacia delante en su desarrollo como artista y como personaje. Incluso en los contados momentos absurdos ("Ronnie" y "Jack U Off") podías sacar cosas positivas, del resto; aunque no fueran temazos, si que había más cosas que anunciaban un crecimiento en Prince.

Y en los momentos más destacados; los 3 singles americanos ("Controversy", "Let's Work" y "Do Me, Baby") encontrabas genialidad y a un intérprete mucho más seguro con su voz sobre todo. Ya no tenía que cantar todo en falsete y podía dejar de limitarse.

Si hacemos una comparación con la carrera de Stevie Wonder, este "Controversy" podría ser el "Where I'm Coming From" de Stevie, al que muchos dejan fuera de su "classic period" pero que para mi fue justamente el inicio del mismo. Desde aquí Prince fue hacia arriba (casi simpre), o al menos en los siguientes álbumes de los 80 (aunque reconozco que yo no soy fan de "Parade", "Lovesexy" o "Graffiti Brigde"). 

El disco en las listas americanas tuvo una carrera digna sin llegar a ser un gran éxito; #21en pop y #3 en r&b. Editado en octubre del 81 en febrero sería certificado como álbum de oro por ventas de 500.000 copias (su primer disco de oro). El platino, el millón, llegaría ya en 1985 tras el "boom" de "Purple Rain".

Fuera de USA bien poco; el Reino Unido estaba aún a la expectativa con Prince y tan solo en Holanda se asomó en el puesto 50...

 

 

La Canción De La Semana "La Nieve" Guitarricadelafuente

 

"Los Javis"...

No soy yo mucho de cine español, por lo general. Estos 2 muchachos llevan tiempo haciendo mucho ruido y me acerqué a ellos con la serie "La Mesías".

Me petó la cabeza. Totalmente recomendada.

Aunque no sea para todo el mundo...

 

Luego escuché que estaban metidos en otras cosas y hubo algunas movidas que no me hicieron demasiada gracia; los dejé de lado.

Cuando me enteré que su nueva película iría sobre "La Guerra Civil Española" me dije: "otra más!".

Pero no; "La Bola Negra" no es una más... Si; totalmente recomendada.

Que debería ser para todo el mundo... 

 

Pero hoy no estoy aquí para hablar de la película. De su apabullante belleza visual y sonora, de la emotividad, del dolor guardado de toda una vida, de la magia de un creador sin igual o de las espectaculares interpretaciones de sus protagonistas (ojito a Penélope Cruz y Glenn Close con unos escasos minutos de ambas).

No, hoy estoy aquí para trae una canción, que esta sección trata precisamente de eso; música.

 

En uno de los momentos más oníricos de la película se escucha esta obra maestra, dejémonos ya de tonterías y llamemos a las cosas por su nombre.

Raül Refree es un genio y aquí junto a Guitarricadelafuente nos ofrecen 4 minutos de pura magia, de belleza, de escapismo, de todo... 

"La Nieve" es uno de los temas que conforman la banda sonora de una película que cuenta 3 historias que se cruzan a pesar de casi 100 años de distancia entre ellas y que tiene a "La Guerra Civil Española" como excusa y a Lorca como pegamento.

Esta semana "La Nieve" es la elegida.

Feliz escucha, feliz semana y no dejéis de ir a disfrutar de este evento en tu cine de confianza...

 

"LA NIEVE"

"LA NIEVE" (en directo)

 

Stevie Wonder "Songs In The Key Of Life" - Crítica

 

Estamos ante un disco capital y ante la culminación de una etapa inigualable. Desde 1972 hasta 1976 Stevie Wonder editó 5 obras maestras de la música y dominó -como pocos- el panorama musical en Estados Unidos.

Hoy se cumplen 50 años de la edición de "Songs In The Key Of Life" de Stevie Wonder y por supuesto que no iba a dejar escapar la oportunidad de humildemente adentrarme en esta obra magna.

Primero tenemos que tener en cuenta de que existen, al menos, 2 Stevie Wonders; "Little Stevie Wonder" que asombró a todo el mundo con sus capacidades siendo un niño y que fue creciendo hasta convertirse en un gran cantante, músico y compositor, y el Stevie Wonder que llegado a su mayoría de edad luchó por llevar las riendas de su carrera y se convirtió en un artista total, un innovador y un auténtico genio.

A la etapa anteriormente mentada se la conoce como el "classic period" y normalmente los críticos la reducen a estos 5 álbumes: "Music Of My Mind" (1972), "Talking Book (1972), "Innervisions" (1973), "Fulfillingness' First Finale" (1974) y "Songs In The Key Of Life" (1976), pero yo personalmente la estiro con un disco anterior; "Where I'm Coimg From" (1971) y los 2 posteriores; "Journey Through The Secret Life Of Plants" (1979) y "Hotter Than July" (1980). Una década entera de música absolutamente perfecta.

Como siempre en estas críticas las divido en 2 partes; ¿de dónde venía Stevie Wonder antes de editar este álbum? y luego un repaso paso a paso por cada uno de los temas que forman la obra.

La primera es muy sencilla; Stevie Wonder venía de arrasar. De demostrar un absoluto dominio en los premios Grammy (cuando estos tenían su valor) ganando el premio al "Álbum del año" por "Innervisions" en 1974, por "Fulfillingness' First Finale" en el 75 y llevándose también el gramófono -ya lo anuncio- por "Songs In The Key Of Life" en el 77. En total 13 premios Grammy (de 20 nominaciones) en 3 años.

Todos estos reconocimientos eran por parte de la industria que veía con asombro el trabajo de un genio que iba haciéndose más grande disco a disco. Pero estos trabajos no tuvieron unas ventas espectaculares porque en aquellos años la música blanca, el rock, mandaba con absoluta autoridad.

Además la Motown no estaba afiliada a la RIAA y las ventas de los discos no eran auditadas y por lo tanto no recibían certificaciones de oro y platino, por lo que encima es más complicado conocer los datos del impacto de los mismos a nivel de ventas.

Sabemos que "Fulfillingnss' First Finale" y "Songs In The Key Of Life" fueron número 1 en la lista pop durante 2 y 14 semanas y que tanto "Talking Book" como "Innvervisions" llegaron a los puestos 3 y 4 (todos fueron #1 en la lista de r&b, claro).

Lo de Stevie Wonder fue más una revolución dentro de la industria, al luchar como también hizo Marvin Gaye, por ser amo y señor de sus trabajos y carrera a nivel creativo.

Ese salto vino dado en parte por la colaboración de Wonder con Robert Margouleff y Malcolm Cecil, 2 productores, ingenieros y locos que habían desarrollado una máquina del futuro a la que llamaron T.O.N.T.O. (en serio; no es coña). Se trataba de un mega sintetizador del tamaño de una habitación que estos 2 habían creado por su cuenta, sacando un par de discos que literalmente fascinaron a Stevie Wonder que vio en esos sonidos el futuro de su música.

Les llamó para "Music Of My Mind" y desde entonces una nueva pátina de sonidos y colores aparecieron en escena. Parecía que Wonder no tenía limitación alguna a la hora de dejar a su mente crear y Margouleff y Cecil le seguían ciegamente...

No me quiero extender demasiado en esta parte puesto que son muchas las canciones a repasar, porque esa es otra; no contento con lanzar nuevos discos por año (2 en 1972) este álbum terminó siendo doble y además con las primeras ediciones (en vinilo) se regalaba un Ep de 4 temas que llamaron "A Something Extra Ep", por lo que estamos hablando al final de 21 canciones y 104 minutos de música.

Está claro que esto no iba a ser simplemente un nuevo disco de Stevie Wonder...

Y ahora si; es momento de MI crítica sobre "Songs In The Key Of Life".  

 

01 - LOVE'S IN NEED OF LOVE TODAY

"Buenos días o noches, amigos, aquí vuestro amable anunciador. 

Tengo serias noticias que comunicaros a todos vosotros. 

Lo que voy a decir podría significar el desastre mundial

Podría cambiar vuestra alegría y risa en lágrimas y dolor

Y es que hoy el amor está necesitado de amor"

 

Como si de un predicador o un Nostradamus se tratase, Stevie Wonder inicia su nuevo disco de esta manera; advirtiéndonos del peligro hacia donde nos encaminábamos. Esa falta de empatía, de tacto, de respeto, de amor en definitiva que estaba mostrando la humanidad. Nada nuevo por otra parte. En 1976 la Segunda Guerra Mundial había ocurrido un par de décadas atrás, Vietnam estaba reciente y la Guerra Fría contra la Unión Soviética empezaba a estar en todo lo alto.

El siglo XX fue bastante convulso... pero por suerte (nótese el sarcasmo) hoy en día estamos en la cresta de la ola; todo es perfecto! (Aclarar que escribo esto el 31 de enero y quizás cuando esta entrada salga ya estemos en la Tercera Guerra Mundial... o extinguidos).

Por lo que vamos a ir directamente a la música que me interesa más que la deriva hacia el abismo que tenemos como humanidad.

"Love's In Need Of Love Today" es un tema que me ha fascinado desde siempre. No tengo claro el recuerdo de cuando la descubrí o cuando comencé a escucharla, simplemente un día llegó a mi y desde entonces nunca se fue. Es una de mis favoritas de Stevie Wonder (esto seguramente se repita unas cuantas más en esta crítica).

Lo primero que escuchamos de estos 7 minutazos de temazo son unas voces haciendo un juego coral, grabadas en capas y dando esa sensación de ser un coro formado por varias personas... pero son todas de Stevie.

Seguidamente entra un clavinet y se le añade un bajo sintetizado y la batería. Todo está tocado por él. Los elementos de percusión están tocados por Eddie "Bongo" Brown que era uno de los integrantes de los Funk Brothers.

El tema es tiene una cadencia deliciosa con esos sonidos de piano eléctrico y la voz urgente y emotiva de Wonder. Podrían haber hecho un edit con un fade out a los 4 minutos y el tema ya sería una pieza preciosa pero es a partir de ese instante donde la interpretación de Wonder se vuelve cada vez más libre y se yendo hacia arriba para cantar con una mezcla de desesperación y como si fuera una plegaria.

A los 5 minutos y medio hay un break donde se queda la base sola y Stevie improvisa sobre la melodía hasta el final del corte. A mi este final, en bajada, me da la sensación de que siente que el futuro no será nada halagüeño.

En 1985, en la celebración del 50 aniversario del mítico teatro Apollo de Nueva York, Stevie cantó este tema con un invitado especial; un inglés blanco de 21 años que estaba a punto de comenzar su carrera en solitario. Este joven es George Michael y ambos se marcan una espectacular versión del tema.

Otra cover de esta canción lo harían los Blackstreet en 1994 en una burrada de Teddy Riley. 

A pesar del pesimismo, aún así, es un...

10 

02 - HAVE A TALK WITH GOD

Cada cual se comunica con Dios como quiere y Stevie lo hace a modo de funky sintetizado, claro que sí. Aquí te canta que si tienes un mal momento, que hables con ÉL, ten una charla, y te ayudará.

Tras el pesimismo del primer tema ahora viene el mensaje de que quizás buscar en Dios cobijo sea una buena idea. Como no soy religioso ni creyente pues me quedo con el ritmazo del tema, que tras los 7 minutos del primero, ahora con 2:40 pasa casi como un suspiro.

Lo mejor son esos sonidos del bajo sintetizado y la chulería vocal de Stevie.

Mola pero no es una joya.

6,5 

03 - VILLAGE GHETTO LAND

Pero rápidamente está nuevamente Stevie para darnos lo mejor. Esta es una sacada de chorra del maestro; todo lo que suena musicalmente lo hace a través de su Yamaha GX-1, un sintetizador polifónico que costaba un pastizal y que Yamaha desarrolló casi para Wonder.

Al ser polifónico podías tocar varias melodías en varios tonos y aquí es una muestra que los de Yamaha podrían haber utilizado como marketing perfecto para su producto.

La melodía es preciosa, con esos toques barrocos y esas cuerdas (que son el Yamaha) que suenan tan divinas.

Este corte está compuesto junto a Gary Byrd que era un todoterreno (Dj, músico, poeta, activista, etc...). 

10

 

04 - CONTUSION (Instrumental)

Aquí tenemos un tema instrumental que me recuerda a partes iguales a lo que Prince intentó en algunos momentos de sus 2 primeros álbumes (de hecho se nos quiso vender que era el nuevo Stevie Wonder) y la otra parte jamás nadie se la esperaría...

Yo tengo un tío en Galicia (tengo mucha familia ya que mis padres son gallegos) que se llama Manuel Pajón y que tuvo un grupo llamado Taranis que hacía música celta. Mi tío era el compositor de la gran mayoría de los temas y además era músico. Pues bien; hay temas de Taranis que me recuerdan a esta "Contusion" y a otras 2 o 3 canciones de Stevie Wonder de esos años (77-80).

Esta "Contusion" suena como una especie de jam session y mola pero este disco era otra cosa... 

6

 

05 - SIR DUKE

"Songs" fue compuesto y grabado entre mediados de 1974 y mitad del 76. Duke Ellington fallecía en 1974 y Stevie, a modo de homenaje, quiso componer un tema donde nombrar a algunos de sus héroes y mayores influencias musicales. Desde el principio tuvo claro cual sería el título "Sir Duke" y también que quería que otros grandes se unieran a él en el tema, pero lo mejor de todo es que para recordarlos no compuso una canción lenta y triste buscando la emotividad si no más bien todo lo contrario; un tema divertido y alegre en el que ellos fueran recordados por todo lo bueno y grande que nos dejaron.

"But here are some of music's pioneers that time will not allow us to forget now

For there's Basie, Miller, Satchmo and the king of all, Sir Duke

And with a voice like Ella's rinding out

There's no way the band could lose" 

  

Count Basie, Glenn Miller, Louis Armstrong y Ella Fitzgerald junto "al rey de todos, Sir Duke", con ellos estaba claro que la banda no podría perder... 

El groove del tema está por encima de todo lo demás por eso líricamente no es ninguna maravilla y gran parte del tema repiten una y otra vez el estribillo que curiosamente no es aparece el título. A parte del propio Stevie, lo que nos da ese buen rollo es la sección de metales que aquí estaba formada por Raymond Maldonado y Steve Madaio a las trompetas y Hank Redd y Trevor Lawrence a los saxos.

El resto de músicos son casi unos "don nadies" como Nathan Watts al bajo, Michael Sembello y Ben Bridges a las guitarras. La batería la toca Raymond Pounds y Stevie toca el Fender Rhodes y la percusión. Y hace todas la voces.

Fue el tercer single editado del álbum y lograría el primer puesto tanto en pop como en r&b. Curiosamente fue un éxito mayor en pop (3 semanas) que en r&b (tan solo 1).

En 1996 con motivo del 20 aniversario del disco para la serie de documentales "Classic Albums" Stevie y el resto de implicados se volvieron a reunir y volvieron a tocar el tema en directo y les quedó así de bien.

Para mi es un gran tema pero tiene otros mejores, incluso dentro de este mismo disco...

9,5

 

06 - I WISH

... como por ejemplo esta auténtica joya del buen rollo y de los buenos recuerdos. 

Cuenta el propio Stevie que compuso esta canción tras pasar un sábado de verano en un picnic de la Motown, en los que se reunían -como si de una familia se tratase- artistas, compositores, productores, músicos y ejecutivos de la compañía de Berry Gordy. Dice que a pesar de tener un horrible dolor de muelas, al salir de allí se marchó directamente a los Crystal Sound Studios de Hollywood porque lo había pasado tan bien que quería inmortalizar ese sentimiento en una canción. Y le salió esta "I Wish"...

El bajo de Nahtan Watts lleva el peso del tema que vuelve a ser una disfrutada total. Aquí también vuelven a estar presentes esa sección de metales con trompetas y saxos. Los vientos siempre daban más vida a los temas. Y el propio Stevie que además de todas las voces* tocaba el ARP2600, que era un sintetizador novedoso y que fue de los primeros en poner sus manos sobre el.

* La voz que dice "You nasty boy!" es Renee Hardaway, hermana de Wonder.

La canción es una sucesión de momentos en la vida de cada uno; en este caso Stevie canta sobre esperar su regalo en Navidades, estar en la calle jugando con sus amigos, jugar a los médicos con alguna chica, fumar tus cigarrillos o gastarte la paga en chuches... al fin y al cabo recuerdos que se quedan junto a nosotros durante el resto de nuestras vidas.

Recuerdo ver el Motown 25 por primera vez y flipar cuando Stevie comenzó su medley cantando este temarro guapo.

"I Wish" fue el primer single del álbum y fue #1 en pop (1 semana) y #1 en r&b (5 semanas). También llegaría al primer puesto en Canadá y al Top-5 en Reino Unido, Irlanda y Holanda.

Will Smith y Dru Hill la traerían de vuelta (aunque nunca se fue) en 1999 con "Wild Wild West" donde la sampleaba junto también al tema de Kool Moe Dee del mismo título. 

Para mi sin duda es uno de sus temas antológicos. 

10

 

07 - KNOCKS ME OFF MY FEET

Esta siguiente canción es la prueba inequívoca de que estábamos ante un álbum monumental porque una joya de este calibre no fue ni siquiera single... y es una verdadera obra maestra.

Cuando Stevie se ponía en los temas románticos le salían cosas como esta "Knocks Me Off My Feet" que tiene una melodía absolutamente perfecta y una interpretación maravillosa por su parte.

Una intro a piano anuncia cosas grandes, entran bajo y percusión y dan un ritmo de balada r&b pero los versos parecen más pop que otra cosa. Un genio como él no tenía limitaciones y podía cruzar de estilo a estilo y entre géneros. El trabajo de la batería y del piano durante el corte también te alejan del r&b pero su corazón si es puro r&b y es gracias a la voz de Stevie.

Aquí la estructura también es poco habitual; el título viene en el pre-coro cuando canta:

"But there's something about you love, that makes me weak and knocks me off my feet"

Para luego, en el estribillo, con esa subida y cambio de tempo, cantar: 

"I don't wanna bore you with it, oh but I love you, I love you, I love you, more and more"

 

El sentimiento en su voz hace el resto. Si habéis estado alguna vez enamorados, entenderéis la sensación. Así de simple.

A pesar de no haber sido single se convirtió en uno de esos temas clásicos que otros cantantes versionan para tratar de sacar lo mejor de si mismos.

Algunas covers molonas; Tevin Campbell, Luther Vandross y Donell Jones 

10

  

08 - PASTIME PARADISE

Y nos encontramos con una nueva y asombrosa muestra de que todo puede encajar si sabes hacer como.

Ese Yamaha GX-1 imitando a la sección de cuerdas, con esa percusión africana a base de bongos, sonidos sacados de algún lugar de la mente de Stevie (gracias al T.O.N.T.O.) y coros gospel y Hare Krishna, todo junto y mezclado para un óptimo resultado.

Y luego Stevie Wonder cantando esa linea melódica tan curiosa, doblando voces y haciendo coros.

Todo perfecto.

La letra del tema, un tanto rara en algunos pasajes, parece indicar que la gente de occidente se pasa el tiempo esperando que llegue lo bueno, lo que verdaderamente le llene, dejando mientras pasar el tiempo/la vida.

"Han estado gran parte de sus vidas viviendo en un futuro paraiso

Han estado buscando en sus mentes por el día que la tristeza termine para siempre

Siguen hablando sobre el día en que el Salvador del amor vuelva para quedarse"  

 

Había creado otro clásico que sería versionado nuevamente por distintos artistas que muchas veces no tenían nada que ver con la música negra. En 1995 el rapero Coolio le pidió permiso para usar música y melodía del estribillo para uno de sus raps y Wonder estuvo de acuerdo siempre y cuando no usara palabras malsonantes en ella.

"Gansta's Paradise" se convirtió en uno de los bombazos del año llegando al #1 en USA, Reino Unido, Eurochart, Austria, Bélgica, Australia, Dinamarca, Francia, Alemania, Islandia, Italia, Irlanda, Holanda, Nueva Zelanda, Noruega, Escocia, Suiza, Suecia...

Estaría nominada a canción del año en los premios Grammy y Stevie aparecería para cantarla junto a Coolio y L.V. (que era quien cantaba el estribillo) en los Billboard Music Awards.

La de Coolio es genial, la de Stevie es...

10 

09 - SUMMER SOFT

Tras 4 temazos brutales llega el momento de una pequeña pausa. "Summer Soft" comienza como una balada pero posteriormente va haciéndose grande y cambia el tempo. Tiene una preciosa letra y veuvle a ser una muestra de maestría a la hora de combinar elementos. Stevie hacía música que intregaba todos los colores...

Es un gran tema pero como viene de 4 GIGANTES esta se nos queda un pelín corta. Lo que para otro artista sería una gema aquí casi es una más...

7,5

 

10 - ORDINARY PAIN

En el doble vinilo esta "Ordinary Pain" cerraba la cara B con sus casi 6 minutos y medio.

Comienza como una bonita balada a medio tiempo, la melodía es muy agradable, bajo y batería en primer plano y Stevie tiene voces de coristas que le doblan y apoyan. Por cierto entre esas voces están verdaderas amas como Minnie Riperton, Syreeta Wright o Deniece Williams. También está Michael Sembello a la guitarra.

El tema como decía antes era una bonita canción de amor hasta el minuto 2:42 cuando de repente cambia todo y se convierte en un especie de funk donde las voces femeninas toman el protagonismo.

Mola pero es quizás demasiado larga y cuando algo se hace largo no es buena señal...

6,5

   

11 - ISN'T SHE LOVELY

Para encontrar algo negativo a este disco (que algo siempre hay) decir que en algunos temas hay un excesivo alargue que muchas veces no viene a cuento. "Love's In Need" superaba los 7 minutos, veníamos de "Ordinary Pain" con casi 6 minutos y medio y esta "tercera cara" la componen 3 canciones que duran 6:34, 6:30 y 8:27. Demasiado...

Y eso que "Isn't She Lovely" tiene una alegre melodía y ritmo... pero se rpite una y otra y otra y otra vez hasta que ella deja de ser tan lovely... ya no sabes si los lloros son porque está cansada de tanta vuelta y volver a repetir.

Pero también hay que entender el contexto; Stevie había tenido a su hija Aisha el 2 de febrero de 1975 y estaba en las nubes y le dedicó esta canción. Luego con los 8 que vinieron después creo que no tuvo ese detalle...

Musicalmente Wonder toca todo (incluido un larguísimo solo de harmónica) en el tema menos una parte de teclado que toca Greg Phillinganes. Phillinganes sería un descubrimiento de Wonder y formaría parte de su "Wonderlove", grupo que le acompañaba en las giras. Posteriormente sería arreglista para The Jacksons y director musical en la gira "Bad" de Michael Jackson.

A pesar de no ser editada como single, solo con las veces que la ponían en la radio, el tema se coló en la lista de música para adultos llegando al puesto 23.

Nuevamente Wonder creaba un estandar que sería versionado por infinidad de artistas; Lee Ritenour, Jermaine Jackson, Frank Sinatra o Jacob Collier, por nombrar unos pocos...  

"Isn't She Lovely" es muy emotiva pero un buen edit, dejándola en menos de 4 minutos es lo mejor...

8

 

12 - JOY INSIDE MY TEARS

Tiene un ritmo un tanto cansino, es un poco oscura a pesar de tratarse de un tema de amor y sinceramente le sobran un par de minutos... aunque lo mejor del tema viene en la última parte donde Stevie se suelta y nos ofrece una interpretación vocal muy suelta.

En esta canción, a parte de todo lo que hace Stevie, vuelve a estar Greg Phillinganes al teclado y a los coros está Susaye Greene (ex-Supremes) y con quien Stevie compuso algunos temas en esta época (destacando el "I Can't Help It" que entró en el "Off The Wall" de Michael Jackson).

Un edit, nuevamente le daría mejor nota al tema...

7

 

13 - BLACK MAN

Y ¿qué decir sobre un tema que dura 8 minutos y medio? Buff; se me hace bola a pesar de sus indudables momentos de calidad, pero... 8 minutos y medio...

"Black Man" es un especie de canción tributo-clase de historia en clave de funky. Aquí Stevie, a través de los colores (de sus pieles), nombra a una serie de hombres que fueron históricos por algún motivo.

Comienza por Chispus Attucks, que se considera el primer mártir de la Revolución Americana (1770) y continúa con otros negros, rojos, amarillos o blancos, que lograron algo positivo para la humanidad. Sinceramente merece mucho la pena leer la letra y buscar quienes fueron todos esos elegidos...

Musicalmente me flipa absolutamente la manera de cantar de Stevie, con una voz más alta de tono.

Los 4 primeros minutos son más o menos una canción típica, luego vienen un par de minutos de una sección instrumental y para terminar otros 2 minutos largos de una especie de clase o recitado de varios de esos nombres y que es lo que hicieron.

Tema muy interesante, con mucho contenido, para la época que estamos hablando bastante innovador pero con 8 minutos y medio imposible de radiar en ninguna parte. Stevie Wonder toca todo exceptuando una sección de metales con trombones y saxo.

6,5 

14 - GNICULELA - ES UNA HISTORIA - I AM SINGING

Llegamos a la cuarta cara del vinilo y nos encontramos con otro tema bastante novedoso ya que está cantado en 3 idiomas; zulú, castellano e inglés. Para las partes en zulú Wonder necesitó la ayuda de Thoko Mdladose, que es una artista africana, y para el español la mano se la echó Raymond Maldonado.

Otra curiosidad del tema es que Wonder toca todo (eso no es nuevo) pero si lo es que esté acompañado por una pequeña legión de percusionistas. Creo que son 8 porque incluso Nathan Watts deja de lado su bajo para tocar algún instrumento percusivo.

Tras 4 temas que iban desde los 6:15 hasta los 8:30, que esta dure tan solo 3:50 también ayuda a que te guste más. En serio; siempre le tuve bastante cariño a esta canción y no solo por el hecho de que cantara una estrofa en castellano. Hay algo en la melodía que me atrapa.

8

 

15 - IF IT'S MAGIC

En el libro de composiión de Stevie Wonder hay un capítulo especial para sus BALADAS, en mayúscula.

Estamos ante una poesía hecha canción, con un harpa tocada por Dorothy Ashby. Dicen de ella que fue una de las músicos más injustamente valorada. Ella, con estudios universitarios, prácticamente llevó el harpa al mundo del jazz. Aunque también podía tocar otros instrumentos y cantar y componer.

Parece ser que fue Bill Withers el que habló de ella a Stevie y él la llamó para escucharla y finalmente se creó ersta joya donde ambos se lucen, ella con el harpa y Wonder con la harmónica y su voz.

Lamentablemente Dortohy fallecería en 1986 con 53 años víctima de un cáncer...

Sirva esta maravilla para el corazón como forma de homenaje y recuerdo.

En los Grammy del 2015 Usher hizo una bonita versión del tema con la sorpresa final de Stevie apareciendo para tocar la harmónica. 

Es perfecta.

10

 

16 - AS

Para este siguiente tema y como si de una rareza se tratara, Stevie se hace acompañar de un buen número de músicos y coristas. Esta vez él solo canta, hace coros y toca el Fender Rhodes. A su lado están Dean Parks a la guitarra, Greg Brown a la batería, Nathan Watts al bajo y como si nada llama a Herbie Hancok para que se toque algo también en el Rhodes. Luego un par de coristas (Mary Lee Whitney y Yolanda Simmons) y unos cuantos más para tocar las palmas.

"As" es un tema que en el disco de Stevie me gusta bastante pero que luego, en sus distintas versiones, no me llega o mejor dicho; no llegan a imprimirle el sentimiento que merece. Y eso que una de ellas fue de George Michael y Mary J. Blige...

La temática es la de una canción de amor pero con el planeta y sus maravillas de fondo, o como excusa. Dicen que Stevie cambió bastante a raiz de un durísimo accidente en 1973 que le tuvo en coma durante semanas. Podría haberse acabado todo para él, con 23 años... y ahora estaba más decidido que nunca (tras algunas dudas existenciales que le hicieron meditar una posible retirada de la música) que su sitio era justamente ese donde estaba y su finalidad era la de crear.

La canción fue el cuarto y último single editado del disco y llegaría al puesto 36 tanto en pop como en r&b a finales de 1977.

Nuevamente en el disco tenemos una duración de 7:08 minutos... aunque en su versión como single la dejaron en 3:27. Lo mejor de la versión larga (que cansa un poco) son los desvaríos vocales de Stevie que se viene muy arriba.

Existe un video donde salen grabando el tema en el estudio. 

8

 

17 - ANOTHER STAR

 Y llegamos al último corte del álbum; el número 17... aunque aún vendrían unos extras...

"Another Star" es el final de fiesta a esta bacanal sonora que es "SITKOL" y con ello ya nos podemos esperar que sería una nueva demostración de hasta donde era capaz de llegar este tío en este momento de su carrera.

Ya sabemos que lo de los estilos y géneros para Wonder no eran ningún impedimento en ningún sentido y aquí se saca de la manga una especie de latin funk con muchísimos toques de salsa.

Para esta obra monumental de 8 minutos y medio se vuelve a rodear de un buen grupo de colaboradores entre los que destaca George Benson que toca su guitarra y canta en los coros.

Luego hay una espectacular sección de metales con trompetas, saxos y flauta (un elemento que antes se escuchaba bastante en la música soul y que fue desapareciendo). A todo esto añadir -como no- el omnipresente bajo de Nathan Watts y a 2 percusionistas que parece que sean 6 o 7.

Los coros (los "la, la, la") están cantados por Wonder, George Benson y Josie James.

Durante esos 8 minutos y medio hay un puente sobre el minuto 2 y luego hay un break instrumental en el 6:15.

En este caso, y siendo el más largo del disco, no me sobra prácticamente nada.

Es casi perfecta.

Fue el tercer single del álbum llegando al #32 en pop y al #18 en r&b.

Aquí una actuación en el Festival de Glastonbury en 2010. 

9,5  

 

(A SOMETHING EXTRA EP)

Con la edición original del disco de 1976 regalaban un Ep de 7 pulgadas que contenía 4 temas extra.

Posteriormente y con la aparición del CD estos temas se incluyeron definitivamente en el álbum y hoy consta como un doble disco de 21 temas y 104 minutos de música.

 

18 - SATURN

"Saturn" es una composición de Stevie junto a Michael Sembello, uno de los varios guitarristas del disco.

A Sembello quizás lo recordaréis más por el tema "Maniac" que sacaría en 1983 para la película "Flashdance", y que fue un exitazo, pero él era primordialmente un maravilloso guitarrista.

En este tema Stevie canta de estar harto de lo que pasa en la tierra y que quiere viajar a Saturno "donde los anillos brillan, arcoiris, rayos de luna y nieve naranja".

Se trata sin duda de una canción con crítica social pero con un aire derrotista; no confías en quienes deben hacer bien las cosas y por eso -cansado- decides irte lejos.  

Como curiosidad decir que aunque tenga a Sembello y a Ben Bridges tocando las guitarras, el tema está dominado por el bajo (sintetizado) de Stevie o de Phillinganes.

Buen tema de acompañamiento del disco. Duración correcta (4:55).

7,5 

 

19 - EBONY EYES

Aquí Stevie "negrea" un tema que podría colar como obra de algún grupo blanco de los 70, con ritmo a piano y solo de saxo con voces haciendo coros un tanto raros. Tipo Supertramp o algo por el estilo...

Algunos dicen que "Ebony Eyes" podría ser un homenaje a Florene Ballard de The Supremes que había fallecido a principios de 1975 y con la que Wonder tenía una estrecha relación, pero el aire del tema no me pega para nada. Más bien pienso que era un intento de hacer una canción donde alabar la belleza de una mujer usando un ritmo bastante alegre.

A Stevie le acompañan Nathan Watts al bajo, el solo de saxo es de Jim Horn e incluso tiene una "steel pedal guitar" tocada por Peter Kleinov.

Como tema poco habitual en el catálogo de Stevie está bien, relaja el tono del disco y vuelve a tener una duración lógica de poco más de 4 minutos.

7

 

20 -  ALL DAY SUCKER

Sin duda estamos ante el mejor tema de este Ep de regalo y un tema que debería haber estado directamente en el álbum original. Estamos en terreno funky, donde Stevie era un maestro y encima tenemos una inoovación como era el "Marshall Time Modulator" que era un cacharrito con el que hacían efectos de sonidos nunca escuchados hasta ese momento.

El creador de este modulo fue Stephen St. Croix, que a parte de diseñador e inventor de equipos, era productor, ingeniero y músico. Tocaba toda clase de teclados, guitarra y batería. Y a parte de que Stevie usara su creación en este disco y en "Journey Through The Secret Life Of Plants", St. Croix fue quien reconstruyó y restauró las bandas sonoras de películas como "Lo Que El Viento Se Llevó", "El Mago De Oz" o "Desfile De Pascua". Casi nada...

Pero es que además "All Day Sucker" suena adelantadísima a su tiempo; nada más comenzar tienes esos sonidos de "scratchs" que eran toda una novedad. Se dice que fue Grand Wizzard Theodore quien lo inventó en 1975. Pues entonces Stevie quiso estar a la vanguardia y no dudó de meterlo en su música.

Buena melodía, sonidos chulos, grandes voces e instrumentación funky. El tema lo tiene todo.

Por cierto, la voz femenina es la de Carolyn Dennis, que estuvo casada con Bob Dylan y que ha aparecido en discos del propio Dylan, Bruce Springsteen, The Carpenters o Michael Jackson.

Aquí os dejo una actuación del 2021 en el programa de Jimmy Fallon, interpretando la canción junto a The Roots. 

9,5

  

21 - EASY GOIN' EVENING (My Mama's Call) (Instrumental)

Y ahora ya si; llegamos al final de "SITKOL". "Easy Goin' Evening" tiene una melodía que me recuerda a otra cosa... está ligada al jazz y es una especie de bonus (dentro del Ep de bonus) donde Stevie parece decir; también puedo hacer esto. Claro que si Stevie; eres el amo.

Aquí se lo cocina todo menos la aportación del bajo de Nathan Watts, que posiblemente sea el músico más utilizado para este disco. Dicen que Watts tocó varias lineas de bajo para que Stevie las reprodujera con sus teclados pero que finalmente Stevie prefirió usar el bajo "real".

A parte de las contribuciones de Watts, se podría decir que este álbu fue donde más gente estuvo involucrada, también debido a su gran extensión en cantidad de temas y duración, pero choca con los 4 gatos que prácticamente se curraron los discos anteriores.

Con este tema instrumental, el segundo del disco, Stevie también dejaba claro (por si alguien lo dudaba) de que era mucho más que un cantante que tocaba la harmónica o el teclado. Él podía con todo y esta es otra muestra de ello.

Los temas instrumentales quedan bien en los disco y siendo este un álbum tan largo pues está bien su inclusión. Está bien.

7

 

Nota Final: "SITKOL" - 9 (Excelente)

("SITKOL" + A Something Extra Ep - 8,76 (Notable Alto))

Ninguna sorpresa; "Songs In The Key Of Life" es un álbum excelente con un 9 como nota total.

Seis 10's y tres 9,5's. Las notas más bajas son "Contusion" con un 6 y otras 3 con 6,5, ¡que es un bien! Los temas del Ep tan solo bajan unas décimas la nota...

Para mi la única pega es que es un disco muy largo, con muchas canciones y algunas de ellas alargadas sin motivo aparente, por lo que sea hace complicado escuchar de una sentada. Es lo único que cambiaría.

El resto es una bacanal sonora como dije anteriormente. Una sacada por parte de Stevie que venía de ofrecer 5 discazos y que como final de fiesta servía este doble para que si había algún cabeza cuadrada que no lo había entendido le quedara claro ya; Stevie era el amo.

De hecho había firmado el mayor contrato discográfico de la historia hasta ese momento; 13 millones de dólares por 7 álbumes, que había hecho sudar tinta al agarrado de Berry Gordy. Pero no lo quedaba otra; el oro había que pagarlo.

El álbum debutaría en el #1 de Billboard (primer álbum por un americano en lograrlo tras 2 de Elton John) y pasaría 14 semanas en lo más alto en la lista pop. En r&b más de lo mismo: #1 durante 20 semanas.

Como la Motown no estaba afiliada a la RIAA, el disco no sería certificado hasta el 2005 con 10 discos de platino por sus 5 millones de copias vendidas en USA (al ser un álbum doble se cuenta de esta manera).

Y por supuesto Stevie recobraría su estatus como dueño de los Grammy al volver a llevarse el galardón a mejor álbum del año por tercera vez en 4 años. (En aquellos días tenías que ser un auténtico GENIO para eso, hoy en día lo hace Taylor Swift...).

Pero más allá de ventas y premios de la industria, está el reconocimiento por parte de los otros artistas que consideran esta obra como uno de los momentos cumbres en cuanto a creación y se inspiraron en ella para seguir el camino que Wonder había marcado.

Y eso es lo que hace de este disco algo tan único y mágico.

Sobre todo recordar que Stevie Wonder tenía 21 años cuando comenzó su "classic period" con "Where I'm Coming From" y 26 cuando editó este "Songs In The Key Of Life".