Bruno Mars "The Romantic" - Crítica

 

Parecía que no iba a llegar nunca... y ya lo tenemos aquí! El nuevo álbum de Bruno Mars "The Romantic" ha salido a la venta y para ello tan solo hemos tenido que esperar 9 años y 9 meses. Era un 18 de noviembre del 2016 cuando aparecía "24K Magic", su último disco en solitario.

Entre medias tuvimos, ya en 2021, la colaboración con Anderson. Paak en el proyecto Silk Sonic y su "An Evening With Silk Sonic". Y lo último, en forma de colaboraciones puntuales, dúos junto a Lady Gaga, Rosé y Sexxy Red. Unas más logradas que otras...

Pero era momento de volver a disfrutar del que posiblemente (seguro) sea el mejor cantante en la actualidad, al menos a mi me lo parece. Ya tocaba y no solo por esos casi 10 años de espera si no también -y sobre todo- por el hecho de que Bruno ya tiene 40 años y lleva 4 discos (5 con el de Silk Sonic) a sus espaldas y eso es muy poco, a pesar de que también cuentan los temas que compuso para otros artistas cuando estaba empezando.

El tema de la edad tanto de Bruno (40), como de Lady Gaga (le falta un mes también para los 40), Beyoncé (44), Rihanna (38), Taylor Swift o The Weeknd (ambos con 36), es algo curioso ya que son gran parte de los artistas más seguidos o con más seguidores (sea lo sea eso) y todos comienzan a tener ya una edad importante. 

Creo que ya lo he mencionado anteriormente (en la crítica del disco de Rosalía) y es el hecho de que muchos eruditos y entendidos musicales, dicen que los grandes artistas han creado sus mejores obras en sus 20's, y repasando un poco por encima a algunos de los grandes (Beatles, Michael Jackson, Prince, etc) pues puede que tengan razón.

La pregunta es ¿dónde situamos a Bruno Mars hoy en día? Es un artista consumado a todos los niveles o es el mejor de la actualidad porque como decía el dicho "En el país de los ciegos, el tuerto es el rey"?

Antes de ponerme con las escuchas definitivas y tras una primera pasada a "The Romantic" me puse a buscar las críticas que hice en este mismo Blog sobre sus anteriores álbumes y la nota que les dí:

"Doo-Wops & Hooligans" -> 6,5

"Unorthodox Jukebox" -> 7,85

"24K Magic" -> 7,7

"An Evening With Silk Sonic" -> 7,9 

Como veis notas bastante parejas, exceptuando el álbum de debut (entendible por otra parte) y en ningún caso acercándose al excelente. Mala señal para un artista con su caché y fama.

 

Esta es MI crítica de "The Romantic" de Bruno Mars.

 

01 - RISK IT ALL

Y comienza el disco con sorpresa; primero porque lo hace con una balada, algo poco habitual en un álbum y segundo porque el tema está plagado de elementos latinos.

Esa pequeña "fanfarria" con trompetas de estilo Mariachi a los pocos segundos, la guitarra española (es Chris Payotn el único guitarrista en todos los cortes) y en el minuto 1:06 cuando entra esa percusión con ritmo típico de bolero. Percusión que suena muy orgánica. La fanfarria del inicio va apareciendo en segundo plano a lo largo del tema e incluso hay un break instrumental entre trompetas y guitarra.

Luego está la parte vocal y la melodía, que son habituales en las canciones soul-pop, pero que aquí han decidido transformar en una especie de bolero-soul.

La interpretación de Mars era de esperar es espectacular. Es cierto que no nos ofrece nada nuevo con respecto a otras tantas canciones anteriores pero lo que canta lo hace tan increíblemente bien y suena tan bello que tampoco hace falta que redefina la música. Eso está al alcance de muy pocos artistas en la historia.

"Risk It All" tiene una letra ya escuchada, típica con esa frases de "montaña más alta" o "traerte la luna" pero que funciona porque es más importante como lo cantas a lo que cantas.

Escuchando a este tío cantar y mezclar el soul con lo latino me hace volver al pensamiento de cómo habría sido un álbum mezclando estos estilos de Luis Miguel a mediados de los 90...

Volviendo a Bruno; "Risk It All" es el segundo single extraído del disco, salió el mismo día de la edición del álbum (veremos a donde llega en las listas) y fue presentado con un video sencillo pero con gusto. Una historia de amor a través de los años como en las películas románticas.

Este primer corte también les sirve para presentar de alguna manera los protagonistas que acompañan a Bruno en cuestión de composición y producción: 

Dernst "D'Mile" Emile; protegido de Rodney Jerkins comenzó a producir en el 2005 con trabajos para Rihanna o Mary J Blige. Fue el primer compositor en ganar el Grammy a la canción del año de manera consecutiva; en 2021 por el "I Can't Breathe" de H.E.R. y al año siguiente por el "Leave The Door Open" de Silk Sonic. También tiene un Oscar por su canción "Fight For You" (H.E.R.) de la película "Judas & The Black Messiah". También es uno de los compositores del dúo de Mars con Lady Gaga "Die With A Smile".

James Fauntleroy; cantante, productor y compositor. Ha colaborado con artistas como Beyoncé, Rihanna, Justin Timberlake, Travis Scott, Jay-Z, Drake, Kendrick Lamar o Chirs Brown. Con Bruno Mars estuvo en "24K Magic" componiendo casi todas las canciones (junto a un variado grupo de letristas) y volvió a repetir en el álbum de Silk Sonic de manera menos destacada.

Phillip Lawrence; el "socio" de Bruno desde casi los comienzos. Ha estado en todos sus álbumes menos en el de Silk Sonic. Su carrera comenzó trabajando en un parque Disney y ahora llevo 8 premios Grammy por sus trabajos de producción y/o composición.

  

PD: Aunque en el video salga Bruno tocando la guitarra, en los créditos del disco solo pone que canta y toca la percusión en varios temas. Cosa rara para alguien que tiene la habilidad de tocar múltiples instrumentos.

El disco comienza fuerte.

10

 

02 - CHA CHA CHA

¿Qué podría ser más latino que el "Cha cha cha"? Lo que eran indicios en el primer corte parece que se confirman en este segundo; Bruno Mars se "latiniza"... pero los primeros 15 segundo de tema me llevan directamente a esta canción de The O'Jays; "Back Stabbers", una de mis favoritas de siempre y que es 100% soul setentero.

Luego entran las voces de Lawrence y Fauntleyroy (en los únicos temas donde participan como vocalistas) que junto al propio Bruno dan esa sensación de grupo cantando al unísono. El resultado es de un tema de soul con nuevamente elementos de música latina con esa percusión con congas, muy orgánica, y con toques también del mismo estilo en las secciones de viento.

Gran frescura en los arreglos y los mejores momentos se viven hacia el final del tema cuando aceleran un poco más la canción y la percusión toma todavía mayor protagonismo.

"C'mon and cha cha cha with me and Imma cha cha cha with you tonight"

Más participantes en el disco que presento a continuación (por cierto este tema lo componen 6 personas):

Christopher "Brody" Brown; es un antiguo colaborador de Bruno que está de vuelta otra vez. El formó junto a Mars y Lawrence el grupo de producción "Shampoo Press & Curl" que produjo el tercer disco de Mars ("24K Magic") y que sustituyó a Ari Levine que junto a Mars y Lawrence formaba "The Smeezingtons", que produjeron los 2 primeros. ¿Se entiende? Pero también estuvo en los demás álbumes como compositor y/o músico. Además de su trabajo con Bruno ha colaborado con Alicia Keys, Lupe Fiasco, Adele, Snoop Dogg o Kesha.

"Cha cha cha" contiene porciones del tema "Slow Motion" del rapero Juvenile por eso él (Terius Gray) también recibe créditos de composición aquí. 

Y toda esta mezcla ¿en qué resulta al final? Pues a mi casi que no me convence demasiado. El estribillo facilón con lo de "cha cha cha with you" es pegadizo por lo simple que es pero luego como un todo no termina de encajarme. Si que es verdad que los coros con otras voces dan otra sonoridad a los de Mars y que la estructura del corte no es la habitual pero es casi como si hubieran metido cosas en una coctelera a ver que salía...

Recuerdo que cuando hice la crítica de "24K Magic" puse sobre el tema "That's What I Like" que era casi puro relleno... y luego resultó ser un mega hit (#1) y se llevó el Grammy a la canción del año, o sea que como Nostradamus no valgo y quizás esta acabe saliendo como single y logrando un gran éxito... 

Pero yo le doy un...

6 

 

03 - I JUST MIGHT

Esta fué la canción que presentó en sociedad el nuevo proyecto de Bruno Mars. Ya hablé de ella en su momento, otra vez esa sensación de ya escuchado, de refrito -con clase y buen gusto, claro- pero que evidentemente me volvía a confirmar que Bruno Mars es un "follower" y no un "pioneer"...

Aquí entra bien como tercer tema pero algunos elementos en común con "Cha Cha Cha" te reafirma en las limitaciones en cuanto a ideas.

Ha sido todo un número 1 y te encuentras en YouTube y demás lugares a un montón de iluminados diciendo que es la mejor canción y bla bla bla. Gente en sus 20 que no han esuchado NADA del soul de los 70, claro.

Para mi una pequeña decepción que a su vez me refresca los oidos ante lo actual.

7

 

04 - GOD WAS SHOWING OFF

"Uno, dos, tres", la típica cuenta del mambo... y la única referencia a música latina en el tema. Tras estos 5 segundos el resto del tema son 100% soul de los años 70, tanto en su creación como en su ejecución.

Me hace gracia lo de "The Romantic", aquí te das cuenta de que es una especie de viaje en el tiempo al romanticismo del pasado. Las letras de las canciones de amor solían estar llenas de clichés que aquí se repiten constantemente. Es como si "el amor" no hubiera evolucionado desde entonces.

Funcionó entonces con The Temptations o tantos otros grandes grupos vocales y le funciona a Bruno Mars. Ya veremos si las generaciones de hoy en día aceptan de la misma manera este acercamiento entre los implicados en un encuentro amoroso. En los 70 sabíamos que iban a acabar follando (hablando claro) pero el calentamiento era tan importante -o más- que el desenlace. En los tiempos actuales, donde los 15 segundos de TikTok mandan, no se yo si sabrán apreciar la parte del enamoramiento y el halagar a tu compañer@.

Aquí tenemos frases como:

"Oh pequeño ángel en la tierra, la forma en la que estás hecha, solo Dios puede hacerlo"

o

"Dios se estaba luciendo mientras te hacía"

o

"Sabes, quien dijo que Dios no tenía favoritos es porque no te había visto. No todo el mundo tiene algo especial pero está claro que tu has sido bendecida..."

 

Está entre lo bonito de su simpleza y el piropo baboso. Es un mensaje fácil pero está lejos de las más bellas composiciones de Smokey Robinson o de Hollad-Dozier-Holland para los artistas de la Motown.

Pero si obviamos esto, lo que suena es puro soul de mediados de los 70. Melodía reconocible, buenas armonías, perfectos arreglos, cierta complejidad en las partes de cuerda, etc.

Está claro que a Bruno se le quedó la fórmula, entendió la raiz del sonido de aquellos temas... y sabe replicarlos a la perfección. Eso es; replicar.

Mejor que "Cha Cha Cha" y "I Just Might" pero lejos de "Risk It All".

PD: Aquí quiero destacar la labor de Larry Gold en las orquestaciones. Gold es un veterano de casi 80 años que formó parte del grupo de músicos del sello Philadelphia International Records, músicos que acompañaban las grandes canciones de Kenny Gamble & Leon Huff o de Thom Bell, auténticos genios del soul e inventores del Philly Sound, que eran como los rivales de la Motown.

Gold es el arreglista de las partes de cuerda del disco y quien dirige la orquesta. 

8

 

05 - WHY YOU WANNA FIGHT?

"Why You Wanna Fight?" es el tema más largo del álbum con 4:14 minutos. De hecho es el único que pasa de los 4 minutos y al final este nuevo álbum, tras casi 10 años de espera, se resume en 31 minutos de música...

Se trata de una balada de esas chorreantes con incluso guitarra eléctrica (Chris Payton) y unos bonitos caramelos sónicos de un piano que según los créditos es un teclado (John Fossitt). Otra vez destacar los bellos arreglos de la sección de cuerda pero por encima de todo esta el "delivery" de Bruno cantando. Si; ya le hemos escuchado cantar decenas de veces en este registro pero por ello no deja de ser espectacular. Por cierto; TODAS las voces son él mismo. El tío va subiendo y subiendo hasta rasgar su voz y dejar bien claro que es el mejor cantante actual.

Va en la linea de "Calling Out My Lovelies" del "24K Magic" o de "After Last Night" de Silk Sonic, y a ambas les puse un 10...

Esta está un pequeño peldaño por debajo. Por cierto, aquí de latino ya no hay nada.

9,5 

 

06 - ON MY SOUL

Y aquí tampoco encontramos nada latino. Nuevamente estamos en terreno sólido y cómodo para Bruno, donde él se mueve de manera gracil como en sus videos.

Otra vez un derroche vocal, con voz rasgada y a tope de poder. Aunque la melodía de los versos nos recuerde a Anderson. Paak, él no está aquí presente. La duración del tema es de 2:55 minutos (y aún hay otra más corta) pero va a por todas desde el primer acorde.

Nuevamente tenemos guitarra eléctrica y un break final con gritos muy chulo. La sección de metales va -como el resto- a toda caña.

Temazo.

8,5

 

07 - SOMETHING SERIOUS

"Oye cómo va...", ah no; parecía pero no...

Esta es la más corta del disco con 2:47 y vuelve el toque latino, con percusión poderosa y metales punzantes. Bruno está funky y cuenta con las voces de Payton (el guitarrista) y de "D'Mile", que a parte de componer y producir casi todo el disco también te puede echar una mano.

La tienes que escuchar 2 veces porque se pasa como un rayo. Junto con "On My Soul" son los temas más rápidos y movidos. 

Lo de "algo serio" se refiere a lo que serían él y ella como pareja. 

"¿Quieres tener hijos guapos? Yo te los puedo dar."

La última parte que va en fade out (maaaaaal) con Bruno dejándose la garganta es genial.

El resto está chulo.

7,5

 

08 - NOTHING LEFT

Y tras esas 2 trallas (cortitas pero matonas) cambiamos un poco de registro. Primeramente en lo temático; aquí el amor parece haberse ido y esa llama que antes existió se está apagando, y él se pregunta si queda algo a lo que aferrarse. Por lo que la amargura con la que canta se trasnmite a la canción que es algo entre medias al rock sureño con alguna reminiscencia folk (al menos a mi me lo parece).

Parece un tanto fuera de lugar entre el resto de temas y podría haber sido incluída en "Unorthodox Jukebox" por la variedad del disco. Aquí no tiene nada que ver con el soul aunque Bruno cante con toda su alma, claro.

Aquí lo que quería destacar es a otro Hernández, a Eric, hermano de Bruno que es el batería/percusionista del disco y aquí se pega unas regaladas guapas con lo que parece un boble bombo como en la increíble actuación de Elvis Presley cantando "Suspicious Minds" con el batería (Mr. Ronnie Tutt) haciendo del mismísimo demonio.

Buen tema que nada tiene que ver con el resto pero que supongo que lo han metido para darle algo a los amantes de otros géneros.

7,5 

09 -  DANCE WITH ME

Y llegamos al final de "The Romantic", y ¿qué hay más romántico que bailar?

Aquí podría enlazar con el tema anterior, como una posible reconciliación cuando canta:

"Baila conmigo, amor. Una vez más. Coge mi mano y bailemos lento toda la noche. Espero que una vez se acabe la música, tu y yo nos volvamos a enamorar otra vez"

Aquí musicalmente me transporta a tiempos anteriores a ese soul de los 70. Esto me suena al maravilloso Sam Cooke, uno de los más grandes que han existido jamás. Esto es soul de los años 60 con esas subidas coronadas en esos redobles de batería y con esas pequeñas lineas de guitarra y esos coros de "oooohhhhs". Suena verdaderamente genial y Bruno demuestra una vez más lo gran vocalista que es tanto como solista como doblándose en los coros. El final se va demasiado pronto cuando hace esos agudos sensacionales.

Esto es terminar con nota alta.

9

 

Nota Final: 8,1 (Notable)

¡Saltó la sopresa en Las Gaunas! "The Romantic" obtiene la mejor puntuación (mía) entre todos los álbumes incluído el de Silk Sonic... y ya os digo que la sensación es que no es superior a ninguno de ellos (salvo al primero, claro).

Pero la suma de los factores da esa nota. No hay nada malo; "Cha Cha Cha" la más floja es un 6, un bien y "I Just Might", el single de presentación es la que le sigue con un 7. Pero al ser un disco tan corto si tienes medio álbum potente eso hace que la nota se decante por la parte positiva y aquí le doy un 10 por "Risk It All", que sin duda es la más destacada entre las que tienen elementos latinos y luego está ese grupo que forman "Why You Wanna Fight?" (9,5), "Dance With Me" (9), "On My Soul" (8,5) y "God Was Showing Off" (8), que son el gran grueso del disco.

Alguien podría decir, y no le faltaría razón, que casi 10 años para estas 9 canciones se nos queda un poco cara de tonto pero vuelvo a decir lo de que Bruno Mars es un excelente replicador de sonidos ya inventados. No iba a poner la industria de patas arriba y eso es lo que hace que no podamos ponerlo a comer en la mesa donde otros se sientan (Jackson, Prince, Wonder) y es por eso que casi es un sacrilegio escuchar a según que nuevos iluminados que desconocen lo que hubo antes.

Pero eso tampoco le quita ningún mérito a lo que hace puesto que los otros son Dioses del Olimpo y Bruno es un simple mortal con poderes casi sobrehumanos, al menos en la parte interpretiva ya sea cantando y balando.

Como compositor ya vemos que no es Mozart. Necesita la ayuda de otros (varios) para escribir temas que luego tampoco son la mejor representación de poesía musicada. Y como músico, tampoco es Prince aunque toca varios instrumentos aunque en este disco solo le haya dado por la percusión (junto a su hermano Eric).

Para resumir; buen disco de soul en primer plano y toques latinos, o casi pinceladas, y algo de rock sureño también de hace 5 décadas (que se dice pronto).

Para mi, aunque no tenga la mejor nota, su mejor álbum -o al menos el más completo y variado- sigue siendo "Unorthodox Jukebox". También debo decir que disfruto mucho de todos ellos.

Me gustaría que Bruno probara algo más...  

La Canción De La Semana "50 Ways To Leave Your Lover" Paul Simon

 

Esta semana... o mejor dicho; este mes; permitidme que el protagonista sea yo mismo, en un ataque tremendo de ego, pero me lo merezco. Más que nada porque he logrado llegar al medio siglo de existencia. Y ya sabéis que no es lo mismo existir que vivir, pero eso ahora da igual...

Si, este pasado 12 de febrero cumplí 50 tacos y aunque mi interior y mi aspecto físico denoten una edad mucho mayor, lo cierto es que he llegado a esa cifra mágica que cuando eras pequeño o un chaval, te parecía la edad de los que comenzaban a ser vistos como abuelos...

No han sido fáciles estos últimos años pero aquí estoy; todavía en pie aunque no con el equilibrio deseado.

Pero por supuesto que esto no iba a ser solo hablar de mi, faltaría más, no soy tan importante, ni para mi mismo, jeje.

Así que como tanto me gusta la música pues hoy toca poner una canción que para nada es de mis favoritas (aunque sea un buen tema) pero que resulta que era #1 en el Hot100 de Billboard el día que yo nací.

Y si; es Paul Simon con el que ha sido su único número 1 en single de toda su carrera y que pertenece también al único álbum de su carrera en ser número 1 (hablamos de USA).

La canción es "50 Ways To Leave Your Lover", que es uno de los pocos problemas que yo no tendré, jaja y está incluida en el disco "Still Crazy After All These Years" que vendría a resumir mi estado actual...

El tema fue editado en diciembre de 1975 y coronaría la lista del Hot100 a partir del 7 de febrero del 76 durante 3 semanas. Por lo tanto era número 1 el día que salí yo... Si yo soy viejo imaginaros la edad de Paul Simon que llevaba 4 discos en solitario y venía de hacer una -breve pero intensa- carrera junto a Art Garfunkel. (Tiene 84 años).

Como curiosidad decir que Paul Simon contó para los coros (ya sabéis que a mi me gustan estas cosas) con 3 voces femeninas venidas del soul; Patti Austin, a la que tal vez conozcáis de su dúo junto a James Ingram "Baby, Come To Me", Valerie Simpson, del dúo Ashford & Simpson con temas como "Solid" y Phoebe Snow, que desconocía quien era y que tuvo una carrera mucho más discreta que sus otras compañeras del coro. Aún así tuvo un Top5 con "Poetry Man" en 1974.

Otro destacado del corte es el batería Steve Gadd que modernizó el sonido de la batería en los años 70. Gadd ha trabajado con artistas como Paul McCartney, Van McCoy, James Taylor, Eric Clapton o Randy Crawford, entre otros. Su sonido en la canción parte de una marcha militar.

Y por último pues el propio Paul Simon con esta historia de como dejar a tu amante de 50 maneras distintas... aunque solo nombren 5.

Ese humor encerrado en un tema que contiene 2 tempos en un solo corte; los versos con esa melodía triste y melancólica y los estribillos que cobran vida con ese animado toque country y los coros de las chicas.

Fue #1 en pop y en la lista de "easy listening" y vendió 1 millón de copias.

 

"50 WAYS TO LEAVE YOUR LOVER"

Paul Simon

 

 

 

 

Janet Jackson "Control" - Crítica (2de2)

 

Y continuamos con la segunda parte, pero antes de comenzar a repasar cada uno de los temas quiero ahora hablaros de los otros protagonistas de este proyecto, que son tan importantes como la propia Janet.

Terry Steven Lewis, nacido en 1956 y James Samuel Harris III en 1959, comenzaron en el mundo de la música siendo adolescentes. Coincidieron primero en el colegio y poco después en el grupo Flyte Tyme.

Este grupo contaba con Cynthia Johnson, cantante y saxofonista, Monte Moir a los teclados y a "Jellybean" Johnson en la batería, además de Jam & Lewis. Posteriormente Cynthia abandonaría la formación porque buscaba mayores y mejores oportunidades (ella es la voz del super hit "Funky Town" de Lipps Inc) y su lugar fue ocupado por Alexander O'Neal.

Toda esta gente era/es de la zona de Minneapolis... al igual que Prince que estaba surgiendo como una nueva fuerza en esos últimos años de la década de los 70. Su contrato con Warner Bros incluía una clausula que decía que podía tener a otros artistas bajo sus alas, a los que producir, dirigir, etc.

Y en 1981 Prince, cuando ya contaba con varios hits lo bastante prometedores decide crear un grupo paralelo al que "darles" música que él no utilizara y para ello ficha a Flyte Tyme cambiándoles el nombre por The Time y dejando salir a Alexander O'Neal y poniendo en su lugar a Morris Day, colega de juventud.

Los miembros de The Time tenían 2 cosas claras; no iban a decidir absolutamente nada en su música (o mejor dicho; en la música de Prince) y tampoco se les iba a dejar hacer nada fuera de The Time. Y debían estar agradecidos de que Prince se hubiera fijado en ellos (si; Prince también tuvo su lado gilipollas).

Pero Jam & Lewis no se conformaban con tocar los temas en los directos, como teloneros de Prince, porque no eran ellos los que tocaban en los discos, ya que era el propio Prince -y en menor medida su amiguito Morris Day- los que hacían TODO.

Así que un día, Jam & Lewis, reciben una llamada del grupo femenino Klymaxx, que están interesados en ser producidos por ellos.

A partir de este momento, niños y niñas, os voy a ofrecer una serie de temas de obligada escucha para entender de donde sale lo que luego sería Janet Jackson. Esto es una clase de HISTORIA MUSICAL.

Jam & Lewis aceptan y componen el tema "Wild Girls" y producen otros 3 para este grupo de unas tías increíblemente talentosas que cantaban, tocaban, componían y producían. Este es el debut de Jam & Lewis como productores y fue en 1982. Si escucháis el tema podéis claramente notar influencias posteriores en los trabajos de Janet.

Ese mismo año, el dúo de amigos, son nuevamente llamados, esta vez por The S.O.S. Band; que quieren contar con ellos para su tercer álbum; "III", que surgió un mes más tarde que el de Klymaxx.

The S.O.S. Band son un grupo nuevamente de músicos y que también cuentan con una voz femenina como principal, Mary Davis. Para este disco tan solo componen y producen un tema "High Hopes" que sale como single y logra el puesto #25 en lista de r&b. 

El grupo queda tan contento del resultado en el sonido que les vuelven a encargar temas para el siguiente álbum; "On The Rise" que saldría en verano de 1983.

Es durante las sesiones de producción y grabación de este disco que Jam & Lewis, que están produciendo sin permiso de Prince, que se quedan atrapados en una tormenta brutal que impide que vuelen de vuelta y lleguen a tiempo para un concierto que The Time tenía que dar como previo a uno del jefe.

Como Jam & Lewis no llegan, es el propio Prince el que tiene que tocar los teclados de Jam y otro músico hacer el papel de Lewis en el bajo. Todo esto detrás de escena.

Cuando regresan, Prince descubre en una foto en la revista Billboard que estaban produciendo a The S.O.S. Band... y los despide.

A partir de entonces ya no tienen ni que esconderse ni que poner freno a su creatividad y desde ese momento y hasta la colaboración con Janet en 1986 ellos componen y producen una serie de artistas y temas que forman parte del nacimiento de otra rama del r&b que estaba creciendo paralela a artistas como el propio Prince o Michael Jackson que estaban marcando gran parte del tempo de la música negra de los 80.

Vuelvo a recordar que toda esta gente provenía de Minneapolis y que son tan "padres" del "Minneapolis Sound" como el mismísimo Prince. 

Continúan trabajando con The S.O.S. Band y crean 2 increíbles TEMAZOS en 1983; "Just Be Good To Me" y "Tell Me If You Still Care" con los que logran sus 2 primeros grandes éxitos en las listas de r&b logrando el #2 y el #5. BRU-TA-LES!

Posteriormente es Cheryl Lynn (¿os acordáis de ella?) la que los llama y les pide un tema. Ellos aportan "Encore" a su disco "Preppie" (donde estaba aquella versión primitiva de "Don't Stand Another Chance"). La aportación de Jam & Lewis les da su primer #1 en la lista r&b. Por cierto; esta Cheryl Lynn es la del hitazo "Got To Be Real" y también la voz femenina de la maravillosa "Georgy Porgy" del grupo Toto.

En 1984 son requeridos por un curioso grupo; Change, que era la movida de Jacques Fred Petrus que era un hombre de negocios de la escena musical y de Mauro Malavasi, músico y compositor, que se juntan en Bolonia (Italia) y deciden hacer una especie de proyecto musical post-italodisco en el que ellos creaban y luego buscaban gente profesional que le dieran la nota de calidad necesaria. Los primeros temas de este proyecto contaban con la voz de Luther Vandross antes de que comenzara su carrera en solitario.

Jam & Lewis componen "Change Of Heart" para el quinto Lp de Change y logran el #7 en la lista de r&b. Podéis escuchar las similitudes sonoras con lo que vendría después con la pequeña de los Jacksons.

Por cierto; uno de los mayores éxitos de Change, con Luther Vandross, es el tema "The Glow Of Love" de 1980... que sería sampleado por la propia Janet en su tema "All For You" de 2001...

Y para ir resumiendo porque si no esta pre-crítica se va a quedar un poco eterna (no por la falta de temas representativos) terminaré por nombrar a una última artista; Cherrelle.

Cheryl Anne Norton (1958) debuta en 1984 con el álbum "Fragile" que es compuesto en gran parte por Jimmy y Terry. Su tema "I Didn't Mean To Turn You On" se convierte en otro Top10 en la lista de r&b.

¿A que os suena? La voz de Cherrelle es finita, sin demasiado potencia, pero suena convincente... y si este tema no os suena suficientemente a Janet Jackson también podéis escuchar "Saturday Love" a dúo con Alexander O'Neal que se quedó en el #2.

Y ahora si! Tras toda esta tralla de temarros, nos centramos -por fin!- en el álbum de Janet.

PD: Es fundamental darles a Jimmy Jam y Terry Lewis la importancia que tuvieron.

Esta es MI crítica de "Control" de Janet Jackson.

 

01 - CONTROL

Cuenta la leyenda que quien convenció a Janet de acercarse a el "Minneapolis Sound" fue John McClain. Este era un ejecutivo musical y se encargaba de la música urbana (negra) del sello A&M, donde estaba Janet.

Si Janet quería alejarse de su padre y también de su estirpe, debía irse lejos, muy lejos, a tierras donde el sonido Jackson quizás no fuera el principal. A tierras donde quien reinaba era un príncipe y no un rey...

Y así, también tocas los huevos un poco...

Por cierto; este John McClain (que no es el personaje de Bruce Willis en "La Jungla De Cristal") es hoy en día, junto a John Branca, quien maneja el legado de Michael Jackson...

Así que Janet hace caso a McClain y este les presenta a Jimmy Jam y Terry Lewis. Estos contaban ya con varios hits en las listas negras y estaban redefiniendo el sonido de la música negra de los 80. Pero les faltaba ese último punch para reinar en las listas de pop. Necesitaban de un artista que tuviera acceso al público mayoritario blanco. En estos momentos Michael Jackson era amado por todos y la familia Jackson era lo más parecido a la Familia Real que los americanos pudieran tener. Como cambiaron las cosas...

Janet vuela a Minneapolis porque era una manera de estar alejada y tranquila de visitas indeseables. McClain haría el resto para frenar a quienes quisiesen asomar sus sucias manos.

Lo que Jam & Leiws pretendían era hacer "el disco de r&b que todas las familias negras tuvieran en sus casa". Parece que desconocían "Thriller"...

Y lo que Janet quería era demostrar que era capaz de hacer algo por su cuenta (con ayudas, claro) pero en lo que ella tuviera el control de una vez.

Lo que podría haber sido un viaje de ida y vuelta, al no haber química o que las cosas no fueran como esperaban, terminó siendo una colaboración de años, décadas, y una amistad de por vida.

El álbum fue una colaboración entre 3 personas con una misma visión; ir más allá en lo que hasta ahora habían logrado. "Control" está compuesto por 9 temas de los que 7 están firmados por ellos mismos.

El primer tema debía ser rotundo y ¿qué mejor manera de dejar claras tus intenciones?

"Esta es una historia sobre el control. Mi control. Control en lo que digo, control en lo que hago. Y esta vez lo haré a mi manera"

La palabra "empoderamiento" se ha puesto muy de moda en estos últimos años. Esto es de 1986...

Una intro sobre sintes y una voz en off de Janet recitando lo anteriormente escrito. Da paso a un tema a medio tiempo con arreglos juguetones y que sin duda te van a hacer moverte. Su duración es de casi 6 minutos (5:56) y reconozco que no es mi tema preferido del disco. El tempo se hace un tanto cansino cuando vas por la mitad del tema ya que tampoco hay una ruptura importante ni demasiadas variaciones.

La producción es del dúo y Janet consta como co-productora y también toca teclados y hace coros (junto a otras 3 voces). La música se la cascan entre Jam & Lewis y está como ingeniero de mezcla Steve Hodge que ha tenido un carrerón como uno de los mejores en su trabajo.

En la letra Janet va bastante directa al tema nombrando a su padre y a su madre y también su tropiezo sentimental pero tampoco se explaya demasiado ya que las estrofas son muy cortitas.

Su estribillo tampoco es el más brillante pero el tema cumplió con lo deseado; dejar claro que ella estaba al mando de su vida y de su carrera.

Salió como single, el cuarto, y llegó al #5 en la lista de pop y al #1 en r&b y dance. En Reino Unido se quedó en el puesto 42.

Se grabó un video de 9 minutos en el que los 3 primeros mostraban a una Janet enfrentándose a sus padres (en la ficción) al negarse a seguir sus reglas; ella quería vivir su vida y se niega a ser recogida por la limusina (jaja) y se monta en su pequeño Suzuki... pero llegan sus amigotes; 5 pedazo de tíos que son los propios Jam & Lewis, Monte Moir, Jellybean y Jerome Benton (que era una especie de "bufón" en la película de "Purple Rain") y se van a actuar. Un montaje con luces e historias en una actuación en falso directo con una Janet muy distinta físicamente a lo que veríamos en años posteriores y haciendo movimientos que terminarían siendo icónicos.

Lo mejor del tema, para mi, son los teclados molones, pero en general no me mata.

7 

02 - NASTY

Fue el segundo single del álbum y otro nuevo éxito para Janet. Aquí tenemos un ritmo mucho más agresivo que en "Control" y que alumbra el camino a lo que vendría en el siguiente Lp "Rhythm Nation". 

Mucha percusión, machacona y potentorra. Se pueden apreciar los albores del "New Jacks Swing" en temas como este. Se añaden lineas de sintes que destaquen y nuevamente la voz se queda un tanto por debajo en la mezcla, como si fuera un instrumento más y no la parte más destacada. En el break del tema si que parece que luzca más pero en los estribillos vuelve a medio calmarse ese impetu.

Aquí Janet canta sobre lo único "Nasty" (sucio) que le gusta; el ritmo. No le van los tíos guarros, ni la comida mala, solo busca respeto y que si quieres que ella se implique y deje de ser una mojigata debes cerrar la puerta porque no le va el exhibirse... curioso que en una etapa posterior todo esto fuera justamente lo opuesto.

Son 4 minutos de ritmo machacón, más llevadero que en "Control". Fue #3 en pop, #2 en dance y #1 en r&b. Fuera de USA funcionó bastante bien siendo Top-10 en Bélgica, Canadá, Suiza, Holanda o Nueva Zelanda. En Reino Unido se quedó en el 19 y en el Eurochart el 22.

También tuvo su video (estamos hablando de la era dorada de la MTv) en el que se ve a Janet junto a 2 amigas (una de ellas es Paula Abdul) yendo al cine y siendo acosadas por varios tíos; Janet estalla y grita "stop!" y los malotes de la película se detienen y ella se pone a bailar con ellos.

Paula Abdul, coreógrafa de Los Ángeles Lakers cuando las "Lakers Girls" eran las más deseadas (que se lo pregunten a Jackie Jackson), fue otra pieza fundamental en el crecimiento de Janet como artista. No voy a decir que ella le enseñara a bailar pero si que le mostró pasos que vuelvo a decir han pasado a la historia.

"Nasty" mejora a la anterior pero yo sigo esperando algo más grande.

8 

 

03 - WHAT HAVE YOU DONE FOR ME LATELY

Fue el single de presentación y el título del tema terminó convirtiéndose en una especie de "coletilla" que las mujeres negras añadieron a sus vocabularios. Incluso Eddie Murphy hizo chistes sobre ello en su show "Raw".

Está muy bien que las mujeres fueran selectivas y esperaran más de sus posibles parejas. Lástima que no siempre sea así...

En el video vuelve a salir Paula Abdul y vuelven a arreglarlo todo bailando; ¡vivan los 80! A pesar de que los videos se ven hoy en día muy simples y baratos el medio estaba a tope.

La canción es muy pegadiza y aunque repitan el estribillo hasta la saciedad, en el clip el tiempo lo reducen a unos 3 minutos y pico (por los 5 justos que dura en el álbum). Los implicados vuelven a ser los mismos; el disco se hizo con un número muy reducido de personal, unas 6 o 7 personas en cada tema contando los ingenieros y mezcladores.

Fue el single que funcionó mejor en más países; #3 en pop y #1 en r&b en USA, #3 en Reino Unido, #1 en Holanda y Top-10 en Canadá, Bélgica, Alemania, Irlanda, Australia y Suiza. Eso hizo que llegase al #9 en el Eurochart europeo. 

8,5 

 

04 - YOU CAN BE MINE

Es el primer corte del disco que no salió en single y cuenta con la colaboración de "Jellybean" Johnson en la co-producción y también toca el solo de guitarra eléctrica. Johnson fue otro de los protegidos de Prince y miembro de The Time. De hecho este tema suena bastante al tipo de temas que Prince les creaba a sus "protegidas" del momento; Vanity 6 y cosas por el estilo... ritmo, líneas de teclados destacadas, guitarras eléctricas como elemento disrruptivo y una voz tan finita que no destaca demasiado...

No es el mejor tema del disco pero tiene un solo de guitarra tremendo de un musicazo como fue "Jellybean" y molan los sintes con esos acordes tan Prince.

Janet no destaca demasiado...

5,5 

 

05 - THE PLEASURE PRINCIPLE

Y hablando de protegidos de Prince, aquí tenemos a otro; Monte Moir, que era otro talento que se marchitaba a su sombra. Puede que Prince fuera cortito de estatura pero su sombra era enorme...

Moir dejó The Time casi al mismo tiempo que Jam & Lewis, también buscando poder hacer sus cosas, pero volvería en 1989 para un álbum de reunión y para salir en la película "Graffiti Bridge" de Prince.

Aquí le compone y produce un tema que reconozco que tardé años en apreciar. Era como si no le encontrara contexto o no se muy bien. Hoy en día es uno de los "highlights" del disco tanto en lo sonoro como en lo visual, porque el video marcó época y finalmente puso a Janet en el nivel que ella buscaba.

También resulta curioso que el tema más currado a nivel de letra sea el que trae uno de fuera y que ni Jam ni Lewis participasen en la música del mismo, que fue casi un "Juan Palomo" de Monte Moir.

La canción va subiendo y se va haciendo cada vez en algo más pegadizo y sientes la felicidad de Janet al cantarla en su mejor momento vocal del disco hasta ahora. 

Curiosamente fue el single menos exitoso del disco aunque también hay que tener en cuenta de que era el sexto single editado y que llegó ya a coincidir con el primero del nuevo álbum de su hermano Michael, estamos hablando de finales de verano de 1987 cuando el disco de Janet salió en febrero del 86. Longevidad total en las listas. "The Pleasure Principle" fue #14 en pop... pero volvía a llegar a lo más alto tanto en r&b como en dance.

Y vuelvo a repetir lo del video; el concepto no podía ser más simple; Janet sola bailando en una especie de almacén, mucho más estilizada que en los anteriores y repartiendo coño como dirían los chavales de hoy en día. Antes se era más "cool"...

Temazo.

9,5

 

06 - WHEN I THINK OF YOU

Estamos en el mejor momento del disco. El tema anterior nos había puesto en el camino y ahora llegaba el hit definitivo que estableciera al disco como una de los grandes del año.

Fue el tercer single extraído y el primero en llegar al #1 en la lista pop. El primero para Janet que de esta manera la convertía junto a Michael en los únicos hermanos que han logrado ser número 1 y también el primer #1 en la lista pop para Jam & Lewis como productores. Curiosamente fue el único que no logró ser #1 en la lista r&b ya que los otros 5 singles editados si lo fueron, otro récord para Janet; 5 singles #1 en r&b de un mismo álbum.

Estamos ante una de esas mágicas melodía de los años 80, esas que llegan para quedarse y para marcar época. Janet necesitaba un tema así para finalmente plantarse como algo más que una posibilidad. En aquellos tiempos un número 1 en Billboard era importantísimo.

También quiero destacar a Melanie Andrews (y a Gwendolyn Traylor) que fue la voz de apoyo de Janet para dar más cuerpo a sus vocales en este disco...

El éxito del single en USA también salpicó un poco a otros territorios; en Reino Unido llegó al puesto 10, lo mismo que en Irlanda. En Bélgica fue 8, en Canadá 7 y en Holanda se quedó a las puertas (#2). Aún los temas de r&b americanos estaban lejos de impactar fuera de USA.

10  

 

07 - HE DOESN'T KNOW I'M ALIVE

El único tema (junto con el de Monte Moir) que no pertenecía al trio Jam/Lewis/Janet es esta "He Doesn't Know I'm Alive", que la firma un tal Spencer Bernard... que era uno de esos músicos asociados que con el tiempo ciertos artistas o productores tienen a modo de satélite rotando alrededor de ellos. Muchas veces estos músicos, compositores o productores hacen faenas adjuntas por las que cobran pero no suelen llevarse créditos. No digo que en este caso haya sido así. Bernard tenía capacidad para cumplir en varios niveles.

Aquí firma el tema en solitario y lo co-produce junto a Janet (la producción es de Jam & Lewis) y también consta como arreglista rítmico y como arreglista vocal nuevamente con Janet y con Lisa Keith... que era -o terminó siendo- su mujer... que también era cantante y aquí es quien apoya a Janet (y hace las florituras vocales).

El tema además consta con la colaboración a los teclados sintetizados de Mark Cardenas... que fue miembro de The Time una vez que Jam & Lewis fueron despedidos, por lo que parece que tampoco hubo malos rollos entre músicos anteriores o posteriores.

También tiene saxo que a mediados de los 80 suena un tanto meh... además el tema es muy blandito, la producción es muy suave y es quizás donde más se escuche la voz de Janet, en cuanto a volumen. Janet era más funky en estos momentos y esta canción era muy light.

Dura 3:30, es la más corta del disco y la que más se aleja del sonido del resto. El final del tema parece que llega de una manera abrupta.

5 

 

08 - LET'S WAIT AWHILE

Lástima de la canción anterior que corta una progresión magnífica. Para mi lo mejor del álbum está en 2 parejas de temas; "The Pleasure Principle" + "When I Think Of You" y "Let's Wait Awhile" y "Funny How Times Flies".

Aquí tenemos la balada del disco y una de las mejores de la carrera de Janet... y un molde para Jam & Lewis a la hora de crear bonitos temas de amor/desamor con un ritmo y un tempo parecido.

Parece ser que la idea del tema a tratar en la canción fue de la propia Janet. Luego Jam, Lewis y la vocalista Melanie Andrews desarrollaron la idea haciendo los arreglos y finalmente Janet aparece como productora junto a Jam y Lewis y no como co-productora...

La letra habla sobre esperar un poco hasta que sea el momento ideal, en el plano sexual hablamos. Estamos a mediados de los 80 y el pánico al SIDA está extendido y ya no es una enfermedad-castigo para homosexuales. Cualquiera está en su punto de mira.

También podría ser un aviso a las jóvenes chicas negras que tenían unos indices de convertirse en madres siendo adolescentes. Pero según Jimmy Jam, Janet no pretendía sermonear a nadie con la canción, solo dar su punto de vista. Perfecto.

Y les salió una preciosa balada con una melodía súper dulce y una interpretación muy sentida por parte de Janet. Si; podría estar limitada en cuanto a poder y rango pero podía transmitir y esta era una de esas ocasiones donde brillaba.

Unas pinceladas de sintes le van apoyando en las estrofas y un pequeño coro en el estribillo (Melanie Andrews) y luego hay un puente donde varía un tanto el ritmo con una pequeña subida con una percusión que sería marca registrada del sonido de Jam & Lewis. Harían otras baladas de este tipo por ejemplo para gente como New Edition.

Rodaron un genial video en blanco y negro, con unos planos con una preciosa Janet Jackson y con el que hacía de su novio que quería darle al tema y que tras la explicación cantada de ella, acaba aceptando la decisión de su pareja. Sigue siendo bonito hoy en día.

El single fue el penúltimo del disco y llegó al #2 en pop (frenado por la versión del "Lean On Me" de Bill Withers que hicieron Club Noveau) y nuevamente alcanzó el primer puesto en la lista de r&b. Creo que fue el primer tema de Janet en impactar en la lista "Adult Contemporary" llegando al #2 y también fue un gran éxito en Reino Unido (3). Fuera de ahí tampoco tuvo demasiada vida en otras listas de otros mercados.

10 

 

09 - FUNNY HOW TIMES FLIES (WHEN YOU'RE HAVING FUN)

Y para cerrar el álbum una nueva balada pero con una temática totalmente opuesta a la anterior. Aquí no es que se ponga a recuperar el tiempo perdido conforme a lo que hablaba en la anterior canción, pero si que canta sobre pasarlo bien... y como vuela el tiempo cuando eso pasa. Algo que hemos sentido todos alguna vez en la vida (y no estoy hablando de la duración de mis actos sexuales).

Para ello Jam y Lewis nos ofrecen una base que es un escándalo de lo chula que es; con una percusión con chasquidos, un fondo onírico y una guitarra acústica tocada por un tal O'Nicholas Raths (que formó parte de un grupo llamado "The Minneapolis Guitar Quartet").

Hay ciertos paralelismos con "The Lady In My Life" del álbum "Thriller", aunque aquí hay menos melodía, pero también hay un cierto break hacia el final del tema donde Janet se deja caer unos buenos adlibs que nos recuerdan a su hermano. Termina susurrando en francés y eso queda más cool todavía.

Si esta canción la hubieran hecha en el álbum "janet" de 1993 la duración hubiera sido de 7 u 8 minutos, aquí se la despachan en 4 y medio.

Salió en single en Reino Unido y Australia aunque tampoco hizo demasiado ruido allí. No existe video de ella.

Pero es una manera de terminar el disco con nota alta y manteniendo el excelente nivel de la segunda cara (cuando los discos tenían cara A y cara B).

A mi siempre me gustó mucho.

9 

En la edición japonesa de "Control" incluyeron un tema titulado "Start Anew", que era de las sesiones de grabación de "Dream Street", que no pintaba nada en este disco y que sonaba a otra época aunque fuera tan solo 1 año más viejo que los nuevos temas. Pero para el mercado nipón casi siempre tenían ciertos detalles. También supongo que pesaría el hecho de que uno de sus compositores fuera japonés (Yuji Toriyama).

 

Nota Final: 8,0 (Notable)

Está lejos de ser perfecto pero aún así es un gran álbum, quizás más por su significancia histórica, por lo que representa, que por sus méritos simplemente musicales. Janet Jackson se convirtió -al menos en su país- en una estrella de primer nivel. Gracias a la música, los videos, su presencia, los looks, etc.

También cambió un tanto el estereotipo de la mujer cantante negra, que desde Tina Turner (en aquellos momentos en su pico de fama), no solía ser una mujer que sudara demasiado en escena y solía mantener más la compostura y buscar el lucir palmito ante todo. Ella abrió un nuevo campo de posibilidades a otras que llegaron después y que se fijaron en su modelo de carrera. Algunas hoy en día, gozan de un modus operandi que diseñó Janet Jackson décadas atrás, y para muchos, las actuales son "lo más" y desconocen que una Jackson ya lo hizo antes (esto vale también para los masculinos con Michael).  

Pero Janet no lo hizo sola, por supuesto. Contó con la inestimable ayuda de 2 músicos que se sentían libres y creaban desde esa posición, con el afán de hacer algo grande y que llevaban pensándolo 2 o 3 años. La unión entre Jimmy Jam, Terry Lewis y Janet Jackson es uno de esos casos de grandeza de artista y productor que han sido destinados a conocerse y crear magia juntos. No hay tantos ejemplos verdaderos a este nivel en la historia de la música, menos de los que creemos.

Luego también vienen las pinceladas que aportaron otros; Paula Abdul; dándole a Janet una serie de pasos que la diferenciara lo suficiente de su célebre hermano pero que aún tuviera reminiscencias suyas. El trabajo de John McClain; aconsejando y protegiendo a su artista. Él aparece en los créditos como productor ejecutivo, aunque este papel no tuviera nada que ver con lo que hicieron en los Flyte Tyme Studios de Edina, en Minnesota. Y luego la compañía, A&M, que puso toda la carne en el asador (quizás se beneficiaron de que el apellido Jackson estaba en la estratosfera) para hacer de esto algo mayor.

El disco debutó en la lista pop en la posición 84 y en la 26 en r&b. Llegaría en julio al #1 en el Billboard 200 cuando Whitney Houston se cansó de serlo tras 14 semanas (y otras 3 de Van Halen). 2 semanas en lo más alto no está nada mal.

En la lista de r&b no tuvo que esperar tanto para coronarla; en abril ya era #1 y pasaría 8 semanas en la cima. Tal vez no era "el disco de r&b presente en todos los hogares negros de USA" como soñaban Jam & Lewis pero fue un bombazo; a finales de 1989 llevaba 5 millones de copias en Estados Unidos, cifra que no se ha actualizado desde entonces y que quizás con este 40 aniversario pongan al día (hay que pagar para ello). El álbum ha pasado en todo el mundo de los 10 millones de copias.

Y a parte de las ventas; el reconocimiento de la industria a través de galardones y premios:

Recibió 3 nominaciones en los premios Grammy, incluida la de "álbum del año" (que ganó Paul Simon).

Jam & Lewis ganaron la estatuilla a "productores del año".

Janet o "Control" terminaron primeros en 7 categorías distintas en los Billboard Awards.

Y se llevó varios premios en los BET, los American Music Awards y en los Mtv.

 

Y Janet, a secas, cumplió con lo deseado; ahora tenía el "Control" y no quería quedarse ahí.

Janet Jackson "Control" - Crítica (1de2)

 

Lo prometido es deuda; dije que en este 2026 habrían una serie de críticas de álbumes que cumplían cierta edad y aquí tenéis la primera de ellas: "Control" de Janet Jackson, que hoy 4 de febrero cumple nada más y nada menos que 40 años.

Como siempre esta crítica va dividida en 2 partes; contexto del disco y momento de la carrera del artista y repaso tema a tema del mismo.

Por lo que comenzamos viajando atrás en el tiempo, pero no a 1986, si no a 1982, que es cuando se produce el debut discográfico de Janet Jackson, que contaba con 16 años.

En 1982 Janet podía ser una recién llegada a los estudios de grabación pero ya contaba con cerca de una década de experiencia sobre los escenarios; debutó junto al resto de su familia en los shows que dieron en 1974 en Las Vegas. Janet, que por entonces tenía 7-8 años, hacía una par de números cómicos con Randy, que era el penúltimo en llegar de entre todos los hermanos y hermanas y ya estaba acompañando a sus 5 hermanos mayores en los shows en directo.

Tras ese debut en Las Vegas, Janet -gracias al apellido Jackson- tuvo también la oportunidad de debutar en televisión con 2 sitcoms; "A New Kind Of Family" en 1979 (solo se hizo una temporada) y en "Diff'rent Strokes", que fue exitosa y en la que Janet tenía un "papel recurrente" que aparecía entre la tercera y sexta temporada. 

Y finalmente llegamos a ese 1982 que es cuando edita su primer álbum en solitario; "Janet Jackson"...

En este momento Michael aún no había sacado su célebre "Thriller", pero con el éxito de "Off The Wall" estaba compitiendo con Stevie Wonder como mayor estrella negra de la música y con sus hermanos, The Jacksons, que habían logrado gracias a 2 enormes discos ("Destiny" y "Triumph") consolidarse como artistas ya dueños de sus carreras. Incluso Jermaine, que se había quedado fuera del grupo había logrado un par de buenos éxitos... y hasta LaToya había tenido ya su debut.

Por lo que podemos decir que era un buen momento para lanzarte tu también... aunque quizás quien más ganas tenía era tu propio padre que estaba viendo como los hilos que controlaban el negocio familiar se le estaban escapando de las manos.

Joseph fue quien hizo debutar a LaToya (musicalmente...) y quien la obligó a mantener el apellido Jackson, a pesar de que esta quería desvincularse (en la medida de lo posible) del éxito de los chicos de la prole. Y lo mismo pasaría con este debut de la benjamina cuando Janet quiso también obviar la "denominación de origen" aunque luego básicamente el disco fuera una especie de reinterpretación del sonido familiar por una serie de profesionales contratados para hacerle el disco, porque Janet ni pinchó ni cortó absolutamente nada en su disco.

"Janet Jackson", el disco, se escucha fácil; es light-funk y post-disco con un par de baladas. Las canciones tal vez no sean las mejores pero están bien tocadas y producidas y aunque la voz de Janet suene como si fuera un sonido más de la mezcla total, casi ya tenemos a la Janet Jackson vocalista que sería en el resto de su carrera; limitada pero que sabía transmitir.

#63 en la lista pop de Billboard y 6 en la de r&b. No fue ningún blockbuster y las ventas totales fueron de unas 300.000 copias en todo el mundo.

Volvería a probar suerte en 1984, que fue el año Jackson por excelencia. Amparados por el mega éxito de "Thriller" todos aprovecharon el tirón del apellido del miembro más célebre (ya no importaba tanto presumir de ser un Jackson) y hasta Rebbie; la mayor sacó su disco en solitario... que también contaría con la colaboración de Michael en forma de canción regalo ("Centipede").

Así que Janet tuvo su segunda oportunidad y esta vez ya no se escondió tras una estúpida máscara de "no digas que soy una Jackson que quiero que me valoren por mis méritos"; su hermano Marlon le produjo medio disco (Giorgio Moroder el otro medio) y el primer single "Don't Stand Another Chance" contó con los coros de sus hermanos y los ablibs más característicos de Michael. Por cierto; esta canción había salido con otro título y otra letra en el álbum "Preppie" de Cheryl Lynn... y está no será la única vez que pasa algo parecido con otras cantantes y Janet...

Pero ni con esas; el disco fracasó miserablemente en las listas: #147 en pop y 19 en r&b. (Además de que es peor que el primero).

Y ahora si; llegamos a 1986 y a "Control", pero era necesario conocer de donde venía Janet y el nulo control, precisamente, que había tenido ella sobre sus discos.

Varias cosas habían pasado en la vida de Janet antes de la llegada de este álbum fueron providenciales para el cambio definitivo en su vida/carrera; la primera de ellas su matrimonio con James DeBarge (miembro también de otra familia de hermanos y hermanas cantantes). Tan sólo duró unos meses y posteriormente sería anulado. Ella tenía 18 años y él 21, y muchos dicen que lo hizo para poder escapar de las garras de Joseph, porque lo que ella buscaba era independencia, libertad.

El alejarse de la presencia de Joseph es algo que fue capital en la carrera de Michael, que fue lo primer oque hizo cuando cumplió 21 años; echar a su propio padre. Janet, que decían que era su ojito derecho también se vio forzada a ello pero de una manera un tanto más discreta; fue ella la que se alejó.

Y se alejó tanto de él -ahora si- como de lo que significaba el apellido Jackson... y lo hizo yéndose al extremo opuesto de lo que representaba (para muchos) su hermano: se acercó a su rival, Prince... o más bien a gente que había estado junto a él y le habían ayudado a crear el "Minneapolis Sound", 2 músicos que habían salido (o más bien habían sido invitados a irse) cuando estos quisieron hacer cosas por su cuenta; Jimmy Jam y Terry Lewis.

Estos 2 caballeros pertenecían a la banda de apoyo de Prince, o más bien a una de sus creaciones paralelas; The Time, que tuvieron sus discos propios (compuestos por Prince en su inmensa mayoría) y que podrían haber llegado más alto si él lo hubiera permitido. Pero Prince no quería ninguna interferencia ni ninguna salida de tono de sus juguetes, y cuando se enteró que Jam & Lewis fueron a producir un par de temas por su cuenta, este los echó del grupo.

Y aquí es cuando viene la pregunta de oro: qué fue antes; ¿el huevo o la gallina?, o mejor dicho: ¿quien le debe más a quien? ¿Jam & Lewis a Janet o al revés?

Mucho se ha hablado de la importancia de Quincy Jones en la carrera de Michael. El hater que quiere despojar a Michael de cualquier mérito dirá que Quincy Jones prácticamente creó a Michael Jackson, cuando este ya tenía una carrera anterior y llevaba más de 50 millones de discos vendidos y era un cantante que crecía día a día como compositor y productor antes de colaborar con Jones.

Pero en el caso de Janet, la decisión de trabajar con ellos fue fundamental y se podría decir que, a pesar de la importancia de Jam & Lewis en la música negra desde mediados de los 80, Janet fue su mejor y mayor valía.

El irse a "casa del enemigo" fue algo que enfureció a Joseph, aunque también tenía que ver el hecho de que él no era bienvenido en el estudio de Jam & Lewis, que no solo dieron a Janet una ayuda definitiva en lo musical si no que también ejercieron de protección y apoyo.

Y así ella por fin pudo soltarse y desarrollar parte de lo que tenía en mente; controlar su vida y su carrera.

     

  

La Canción De La Semana "The Way To Your Heart" Soulsister

 

Ayer me encontraba haciendo mis ejercicios de rehabilitación cuando de fondo, en la radio que tenían en la sala, sonó una canción que recordaba completamente. Estuve tarareando desde inicio hasta que acabó y entonces me dí cuenta de que me la sabía pero que no conocía quien era o eran los que la cantaban, ni el año, ni nada más...

Y al llegar a casa pues te metes a buscar y San Google te da las respuestas a todas tus plegarias... y si no se las inventa. El caso es que "The Way To Your Heart" la cantaba alguien que se hacía llamar SoulSister.

Y tirando de eso pues llegas a descubrir que Soulsister eran Paul Michiels y Jan Leyers, dos músicos, cantantes y compositores belgas. Volviendo a usar Google busqué músicos famosos belgas y de la lista me sonaban 3; Toots Thielemans, Jacques Brel y Lara Fabian...

Bueno, el caso es que Michiels y Leyers se juntaron en 1985 y decidieron formar un grupo al que llamaron SoulSister. Tres años más tarde graban su primer álbum "It Takes Two" y su segundo single se convierte en un éxito (moderado) en varios países europeos, pero aquí en España sonó bastante, de eso que me acuerde de ella.

"The Way To Your Heart", con ese sonido sacado de tiempos pasados de la Motown, fue un Top-10 en Bélgica, Dinamarca, Austria, Holanda, Alemania y Suiza. Incluso saltó a la otra parte del atlántico llegando al #41 en el Billboard americano. En Reino Unido se quedó en el 81...

Con estos números no hubieran entrado en la lista de los "One hit wonders" de los 80 pero aún así estamos hablando de una buena canción.

PD: Mientras escribo todo esto estoy escuchando otros temas de sus primeros 2 álbumes y la verdad es que todos suenan muy bien.

Esta semana SoulSister son los elegidos y "The Way To Your Heart" el tema de la semana.

Feliz escucha - feliz semana.

 

"THE WAY TO YOUR HEART"

SoulSister

  

La Canción De La Semana "I Just Might" Bruno Mars

 

 

La última vez que Bruno Mars editó un álbum yo era un apuesto recién llegado a los 40 con un dorado futuro por delante. Cuando en febrero saque su nuevo disco yo seré un triste, acabado e infeliz sombra que tan solo está esperando su destino final con 50 tacos...

Pero Bruno Mars está en plena forma el tío! Con el video de su tema "I Just Might" no parece que haya pasado una década desde entonces, más bien parece que haya sido el siguiente single de su disco "24K Magic", y eso -para mi- no dice nada bueno...

Si amigos; hoy estoy de bajona tras escuchar esa canción. No me malinterpretéis; me encanta Bruno Mars y creo que es actualmente el mejor y más completo artista que hay. Canta y baila como pocos, compone, produce, toca instrumentos,...

Pero uno se esperaba algo más por su parte. "I Just Might" suena más que bien y es pegajosa pero no deja de ser un nuevo refrito, más de lo mismo, de lo que Bruno nos ha ido ofreciendo.

Primero fue "Doo-Wops & Hooligans" en el 2010. Aquí el principal protagonista era el pop con algunas salidas hacia el r&b y el reggae pero sin perder esa identidad primordial. De hecho era música bastante acorde con los tiempos en los que salió el disco. "Just The Way You Are" y "Grenade" eran 2 pelotazos de puro pop. 

14 meses después aparecía "Unorthodox Jukebox" y al pop del primero y los toques de r&b y reggae le añadía rock, soul, funk y disco, siendo los 2 últimos estilos bastante retro. El disco era más completo y variado que el primero y a mucha gente le gustó ese viaje al pasado en temas como "Treasure" o "Moonshine" donde emulaba al Michael Jackson de "Off The Wall" o a los Kool & The Gang de la época más comerical.

En 2014 llegó el bombazo con Mark Ronson "Uptown Funk" convirtiéndose en uno de los singles más exitosos de la década. Aquí, aunque el tema era de Mark Ronson y Mars estaba como "featuring", se volvía a explotar ese sonido añejo (aunque no tan antiguo como los temas de "Unorthodox").

El problema viene cuando su siguiente proyecto, "24K Magic" (2016) se centra casi por completo en este sonido de r&b pasado, ahora más enfocado a los últimos 80 y primeros 90. Por mi bien porque me encanta esa época pero también hay que reconocer que Bruno Mars no estaba siendo demasiado original al casi imitar lo que otros habían ya hecho, por muy bien que lo hiciera.

Pero el negocio le seguía funcionando; este álbum barría en los premios Grammy llevándose 7 incluyendo los más importantes de álbum, canción y disco del año.

En cuanto a las ventas, en USA (como mercado más grande) se pasó de los 9 millones del primero a los 6 del segundo y a los 3 del tercero...

El tiempo de pandemia fue aprovechado por Mars para juntarse con su colega Anderson. Paak y juntos montarse el business de Silk Sonic, con el que ya no intentaron disimular nada; se cascaron un disco de soul y funky setentero, que les quedó genial pero... ¡estamos en 2021!

El disco vendió 1 millón de copias en USA. ¿Veis como decrecen las cifras?

Y hace unos días Mars pone en X (antes Twitter); "My album is done" y 2 días después se anuncia la salida del primer single, la fecha de la edición del álbum (27 de febrero) y una próxima gira mundial a partir de abril. 10 años sin casi asomar el afro y de golpe... toma!

Hoy viernes 9 de enero se ha estrenado "I Just Might" single y video, y nos encontramos con ese sonido de soul setentero previo a la era disco, aquellos temas movidos como "Rock Your Baby" de George McRae, "Rock The Boat" de Hues Corporation o "Shame Shame Shame" de Sirley & Company que fueron grandes éxitos pero que no han pasado a la historia por haber cambiado la música precisamente.

En el video aparecen varios Brunos tocando todo, supongo que en una manera de autobombo de lo que es capaz como artista. También me recuerda en ese sentido al video de Outkast (o la mitad del dúo) de "Hey Ya!", donde además también coincide el color verde. El del dinero...

Lo dicho; en "I Just Might" no encontramos nada nuevo ni nada que no supiéramos que Bruno Mars era capaz de hacer. Suena bien pero con eso no me basta; se le supone eso gracias al nivel que tiene, es lo menos que nos esperamos. En ese sentido es como los últimos (bastantes) discos de Prince donde todo sonaba perfecto pero nada era sobresaliente.

Esperemos a "The Romantic", que es como se titula el álbum, para reverenciar a Mars como uno de los grandes o para empezar a prender la leña.

Aún así, por los 10 años de espera, es la canción de la semana.

Feliz escucha. 

Feliz semana.

 

PD: A Michael Jackson se le EXIGÍA cambiar la música con cada álbum. Otros pueden repetirse ellos mismos de manera constante o repetir lo que ya estaba hecho.   

 

"I JUST MIGHT"

Bruno Mars 

 

 

 

One Hit Wonders 00's; 31 Días, 31 Bombazos Explosivos

 

THE TING TINGS

"That's Not My Name"

 

Y ahora si; c'est fini! Llegamos al 31 de diciembre, termina el 2025 y termina también este repaso por estos temas que lo petaron y que nunca fueron superados o igualados por sus creadores, pero que les quiten lo bailado (o ganado).

Nuestros últimos protagonistas son un dúo formado por Katie White y Jules de Martino en 2004, en el Reino Unido. El suyo fue un (moderado) éxito casi exclusivo en las islas británicas.

Ambos cantaban y tocaban varios instrumentos y habían formado parte de varias bandas locales de la zona de Manchester. Finalmente coincidieron y vieron que compartían gustos musicales (Portishead entre ellos) y de ahí surgió una amistad que posteriormente se transformó en colaboración y en amor.

En 2007 graban un single con 2 caras A que intentan distribuir por todas partes; "That's Not My Name / Great DJ" no logra hacer mucho ruido pero a sus conciertos van yendo cada vez más gente. Un segundo single "Fruit Machine" si logra captar mayor atenciones y son invitados al Festival de Glastonbury de ese mismo año.  

Y finalmente logran firmar por Columbia Records.

En 2008 editan su álbum "We Started Nothing" y como previo se vuelve a relanzar "That's Not My Name", ahora con el apoyo de un gran sello detrás. El single se dispara hacia el #1 en Reino Unido y Escocia (y #2 en Irlanda) y cuando el disco grande sale va directo al primer puesto de ventas de álbumes.

El tema se convierte en favorita para varias importantes marcas como Coca Cola o Lego y aparece en varias películas (sobre todo infantiles).

Salvo el Reino Unido el resto de mercados tampoco se vuelve loco por el dúo; si que llegan al #5 en el Eurochart pero rara vez se cuelan en el Top-10 en otros países europeos importantes. En USA el single no pasa del 39 y el álbum del 78.

De los siguientes discos de The Ting Tings (hasta 4 más), salvo uno, el resto no vuelven a entrar entre los 100 primeros en UK y en singles lo mismo.