Mariah Carey "Butterfly" - Crítica

 

Si hace unas semanas un álbum de Bobby Brown cumplía años, hoy le toca el turno a uno de Mariah Carey. Quizás su último gran disco (para mi); "Butterfly" que era editado un 16 de septiembre de 1997, por lo tanto cumple 25 años y es una perfecta excusa para divagar un poco sobre Mariah y su música.

Como viene siendo habitual en estas críticas primero hablo un poco sobre el contexto de lo que rodeaba a la artista y como estaba el mundo del disco en ese momento, y después me centro en las canciones del propio álbum.

1997 no fue un año fácil para Mariah. Su matrimonio con Tommy Mottola (capo de Sony Music) y que le sacaba 21 años de diferencia se iba a pique tras 4 años en los que ella -según sus propias palabras- se sintió como en una prisión. Supongo que ser EL JEFE con el poder máximo en el tiempo de los grandes artistas hace de ti un tío irresistible y capaz de engatusar a tu nueva estrella a la que le das el apoyo (y el a-pollo) máximo desde el primer momento para asegurarte que triunfe ella y triunfes tu. Dejando de lado el inmenso talento que tenía ella no solo como vocalista si no también como compositora, porque no lo olvidemos; Mariah Carey escribe, compone y produce la gran mayoría de sus temas. Algo que parece no impresionar a los medios y críticos que siempre la han intentando hacer caer o no valorar lo suficiente.

Ella venía de haber editado 5 álbumes de estudio (1 de villancicos) y un Ep en directo por un "Unplugged" de la MTv. Por aquel entonces llevaría entre 70 y 80 millones de discos vendidos en todo el mundo y 12 números 1 igualando a "The Supremes" y la colocaba a tan sólo 1 de Michael Jackson. Actualmente está a tan solo 1 de empatar con "The Beatles", que son los primeros con 20 números 1 en el Billboard Hot 100.

Pero los datos son sólo una parte de la historia. Ahí era indiscutible y luchaba mano a mano con Whitney Houston por ser considerada la mejor voz femenina del planeta, pero en cuanto a reconocimientos por parte de la industria siempre fue ninguneada. Un ejemplo; ha recibido 5 Grammy's de 34 nominaciones, mientras que Beyoncé lleva 28 premios y 79 nominaciones, Rihanna 9 y 33 o Taylor Swift 11 y 42...

La propia Taylor Swift es continuamente destacada por componer sus propias canciones (a pesar de que sean estúpidas) y que Mariah haya compuesto 18 de sus 19 números 1 no parece ser merecedor de ser nombrado. Es más fácil hacer coñas sobre sus dramas, peso o alguna desafortunada aparición.

Su carrera había comenzado de manera espectacular en 1990 con un sonado debut con 4 números 1 consecutivos igualando lo que hicieron 20 años antes los Jackson 5. Su álbum fue número 1 durante 11 semanas y acabó siendo el más vendido en USA en 1991. Obtuvo nominaciones a los Grammy's por Álbum del año y el single "Vision Of Love" por disco y canción del año.

Tras ese inicio vino un segundo álbum titulado "Emotions", que obtuvo resultados más discretos aún siendo un importantes. Luego vendría ese Ep para MTv en modo "desenchufado" que tanto pegó en los primeros 90 con el que mantuvo el tipo a pesar de ser un mini concierto de media hora.

El momento de ruptura y salto a los demás mercados fuera de Estados Unidos vino con "Music Box" (para mi ya lo digo su mejor álbum) con el que tuvo una explosión en ventas tremenda doblando los excelentes resultados del primero; cerca de 30 millones de copias y un impacto importantísimo en otros mercados fuera del habla inglesa. En Japón por ejemplo, mercado raro donde los haya y muy limitado, Mariah es la artista internacional más importante y la única entre los 50 artistas más vendidos allí.

"Music Box" logró mejorar los resultados en todos los países, incluso en el suyo propio. Entró a encabezar las listas de ventas en lugares donde no había entrado con sus anteriores discos y estableció su status de super estrella a nivel mundial. Eso fue entre 1993 y 1994.

En las Navidades de 1994 editaría ese disco de villancicos que año tras año ha ido vendiendo y convirtiéndosela -guste más o menos- en todo un clásico. Está el "White Xmas" y está el "All I Want For Xmas Is You"...

El siguiente proyecto venía con algún cambio sonoro (y con la semilla que terminaría por brotar definitivamente en "Butterfly"); "Daydream" se acercaba al éxito en ventas de "Music Box" y seguía poniendo a Mariah en todo lo alto pero su sonido empezaba a cambiar; de ser el joven ángel que cantaba bonitas baladas románticas de pop pasó a la chica de 26 años que buscaba algo más que un amor de película en sus canciones. Quizás se casó pensando en ese amor de película, todo perfecto, y pronto se dio cuenta de que lo que nos venden en Hollywood rara vez es real. Y su sonido comenzó a virar hacia algo más racial, más r&b, algo que dicen no gustó nada a su compañía/jefe/marido.

Hay que decir que desde finales del 94 y primeros meses del 95 las listas de ventas en USA sufrieron un cambio importante; se pasó de los primeros años 90 donde predominaban aristas pop como la propia Mariah o Michael Bolton y la explosión como super ventas de cantantes de country como Billy Ray Cyrus o Garth Brooks a la irrupción del mundo del hip-hop y el rap con figuras como 2pac o Notorious BIG que desencadenaría en una estúpida guerra entre costa este y oeste y las muertes de ambos artistas asesinados a balazos.

Las listas (siempre hablando de USA como mercado más potente) se categorizaron más que nunca y la música se separó en estilos y géneros en vez de ser una mezcla que daba cabida a de todo un poco. En esa gran maraña el pop comenzó a verse un poco en tierra de nadie y a ser, por primera vez en la historia, considerado como algo pasado de moda.

Por lo que Mariah, tía lista, supo que para su próximo proyecto debía hacer cambios para seguir sonando "hip" y a la vez vender de manera consistente. ¿Le funcionaría el invento? Ahora lo descubriréis.

Esta es MI crítica sobre "Butterfly".

01 - HONEY

Para comenzar; ¿le funcionó el invento? Si y no. Si, porque si bien no fue la primera artista puntera en abrazar colaboraciones de raperos y un sonido más hip hop, si que fue la que lo hizo de manera más consistente hasta el punto de convertirlo en habitual en sus grabaciones... pero por otro lado, a nivel de ventas (dejando de lado otros posibles factores) ese cambio en su sonido no gustó a todo el mundo y sus ventas se redujeron a la mitad, aún siendo importantes, claro.

Yo ya os lo dejo claro desde el principio; no me gusta la Mariah rodeada de raperos, susurrando (esto se haría costumbre a partir del siguiente álbum) y adoptando un papel que a priori no le pegaba (aunque viniera de una familia desestructurada y chunga).

El primer single del anterior disco, "Fantasy" me resultó complicado de digerir en su momento, aunque luego casi fuera la única del álbum que me chirriara un poco, pero para su vuelta decidió sacar un tema de relativa semejanza en cuanto al tratamiento de productor "malote" y samples de temas raperos en la instrumental. Y eso que "Fantasy" combinaba también elementos dance.

Aqui el que crea junto a Mariah es Sean Combs o lo que es lo mismo Puff Daddy. Les ayuda a crear este tema Q-Tip (rapero y dj) y Steve Jordan (importante productor asociado a Daddy). Esas 4 personas más el resto de compositores de los temas que se samplean aquí. Total; 9 nombres en los créditos...

La base instrumental está construida con 2 samples; "Hey Dj" (World Famous Supreme Team) y "The Body Rock" (Treacherous Three). Que digo yo que mérito tendrá buscar un par de canciones ya hechas y juntarlas y crear un ritmo pero eso más que composición es lo que vienen haciendo los "MC's" toda la vida para rapear sus historias sobre un ritmo. Yo siempre he considerado a Puff Daddy un empresario que sabía perfectamente lo que debía hacer; rodearse de gente que le hiciera la música y él encargarse de como venderla.

Eso si; el tema está producido de la hostia y suena espectacular y deja una base chula para que Mariah solista y Mariahs coristas llenen con sus voces el resto. (Salpicadas con palabras del propio Combs y un par de raps de The Lox y Mase (ambos pertenecientes al sello del papi Daddy).

Aqui vocalmente nos encontramos a una Mariah que despliega un abanico en plan muestra de su registro; va desde ese susurrado que se irá haciendo más y más presente en su carrera, hasta ese agudo "de delfín" que estaba en las estrellas.

El tema no es ni mucho menos mi favorita, tiene ritmo, es cool, molón pero no me engancha salvo esos "adlibs" al final donde ella se luce. El estribillo es repetitivo hasta la nausea y nada pegadizo, además el sample del pianito cada 2 compases te vuelve loco.

Como anécdota decir que el propio Sean Combs comentó que él no estuvo presente cuando Mariah grababa las vocales, ya que parece ser que tenía una fama de déspota cabrón con el que no querían lidiar los artistas (importantes) pero si querían sus (de otros) producciones. A Daddy le vino de coña que asesinaran a su colega del alma Notorious BIG. Desde entonces se hizo de oro y platino.

También comentar que el video para "Honey" es uno donde Mariah más increiblemente atractiva ha salido y eso ya es decir. Los jueguitos en la playa paradisiaca (Puerto Rico) con el joven mozo cachas seguro que no gustó en su momento a su ex... aunque este se buscó otra (Thalía) que era 2 años más joven que la Carey...

El single fue número 1 directo en USA (la tercera vez que lograba eso!) y en Canadá. En UK fue #3 y en el resto de mercados no tuvo una acogida demasiado buena; Alemania (38), Francia (39) o #14 en el Eurochart. Por algo será...

7,5

02 - BUTTERFLY

Mariah ha comentado que este álbum es uno de sus favoritos (creo que incluso "el favorito") y sobre todo el más personal. Esto es algo que suelen decir todos los artistas para molarse pero en este caso quizás si sea verdad. Ella se llevó un chasco importante en su matrimonio y posterior vida matrimonial (aunque fuera menos de un lustro) y decidió usar su música como terapia.

Aquí, en una composición mano a mano con Walter Afanasieff (antes de romper por diferencias artísticas), Mariah canta de como tras pasarlo jodido, volver a vivir abriendo tus alas y volando. Es una bonita canción que ella compuso pensando en lo que le gustaría que su ex le dijera.

La música está tocada por Walter Afanasieff y los coros, aunque parezca que son muchas voces, está cantado por la propia Mariah junto a Melodie Daniels y Mary Ann Tatum.

El video muestra a una llorosa Mariah corriendo en camisón por un campo y caballos campando a su bola.

Fue editado como single promocional por lo que obtuvo resultados basados solo en "Airplay" (las veces que era pinchada en radios) y no fueron nada buenos; fuera del Top-20 en todas partes.

A pesar de tener una melodía aceptable y que ella la canta bien suena un tanto pretenciosa y buscada a posta para tocar fibra.

7,5

03 - MY ALL

Nuevamente el tandem Carey-Afanasieff esta vez para una composición más "tradicional" o más a lo que era la anterior Mariah. Para mi es una auténtica joya.

Afanasieff le coloca una base super elegante con ciertos alimentos latinos como esa guitarra (que es un sinte) y la percusión y Mariah hace el resto desplegando otra vez el catálogo; voz susurrada y un par de subidas que te pone el vello de punta. ¿Habéis escuchado la ultima nota? ¿Cómo puede sonar tan baja?

Resulta curioso, al menos para mi, que un tema tan romántico tenga un sonido tan nostálgico y también a la vez cierta tristeza. Yo lo escucho así. Pero luego ves el video (otra vez ella sale legendaria) y ves su cara de puro enamoramiento mientras canta la canción. Se cuenta, se dice, se rumorea, que en ese momento Mariah estaba conociendo al jugador de beisbol Derek Jeter con el que tendría una relación de 1 año y con el que -según ella- tendría relaciones siendo este su segunda pareja sexual. Mariah pasó de un Mottola de 48 años a un Jeter de 22... y parece ser que encima el muchacho se comportó como un caballero con ella (lo explicaré en un próximo tema).

"My All" fue el quinto single, el segundo comercial, y fue #1 en USA y 4 en el Reino Unido. Los singles de este álbum no funcionaron demasiado bien.

El tema es una maravilla.

10

04 - THE ROOF (Back In Time)

Que "The Roof" venga tras "My All" no es una coincidencia. Por dónde íbamos con lo de Derek Jeter? Se conocieron (la primera impresión no fue la mejor) pero luego se fueron pillando hasta que surgió el amor ("My All") y tras el amor viene el deseo carnal y aquí es donde hay que poner a "The Roof".

Me rio de las letras de Taylor Swift, infantiles, comparadas con la pasión, la complejidad de sentimientos, la utilización de palabras no usuales en el pop, de un tema como "The Roof". Aquí Mariah recuerda aquella lluviosa noche donde la pareja tuvo un tórrido encuentro en una azotea. Con que clase recrea Mariah el encuentro.  Nuevamente; comparad esto con la basura que es el trap y toda esa calaña de gentuza que ensucia nuestros oídos hoy en día.

En este tema junto a Mariah están los Trackmasters (duo de productores formado por Jean Claude Oliver y Samuel Barnes) y también Cory Rooney (polifacético artista que trabaja a sueldo para Sony Music) que co-produce junto a ella el tema. El sonido es hip pero elegante a la vez y con muy buen gusto. Usa un sample del tema "Shook Ones Pt. II" de Mobb Deep.

En los coros Mariah está acompañada por Kelly Price que era fija en su grupo coral y que luego tendría su propia carrera. El rap es de Mobb Deep.

Salió como single promocional de forma muy limitada por lo que no impactó en ningún mercado. No entiendo muy bien la manera de apoyar el disco por parte de la compañía. ¿Hubo alguna mano -poderosa- negra?

A pesar de eso es una auténtica puta maravilla y si antes he dicho que Mariah salía increíble en los otros videos aquí es donde mejor sale en cualquiera de sus videos. No se puede ser más bella que como ella sale en el video. Pensad en ser Derek Jeter y tener su inmensa suerte...

PD: Por cierto, casi se me olvidaba; a principios de año Mariah se juntó con su amiga Brandy y juntas regrabaron "The Roof". Sólo os digo que lo busquéis en YouTube. Como se regalan las tías...

10

05 - FOURTH OF JULY

Walter Afanasieff está presente en la mitad de los temas del álbum. El resto lo componen 2 de Combs, 2 de Rooney, y firman 1 David Morales y los Trackmasters.

Está claro quienes funcionaban a las 1000 maravillas.

Este "Fourth of July" no es lo más habitual en el trabajo de Walter. Este sonido es más cercano al r&b que lo que nos tenía acostumbrado. Una balada con un bajo pesado y un arreglo vocal que debe acercarse a la locura. Todas las voces que se escuchan son de Mariah.

No es la más perfecta melodía pero la chica está abriéndose nuevamente al amor y canta esas cosas mientras suenan pajaritos de fondo.

Luego le pilló el gusto a hacer muchas, demasiadas, de este tipo de canciones, un tanto bobitas...

El 4 de julio como sabéis es la fiesta nacional de los norteamericanos y normalmente ellos la celebran en su jardín con una barbacoa, cerveza y tirando cohetes. Ella lo celebraba con su nuevo amor entre flores.

6,5

06 - BREAKDOWN

La segunda de las producciones de Combs & Jordan se trata de una colaboración de Mariah con 2 de los (5) miembros del grupo de rap "Bone Thugs-n-Harmony", que como bien indica su nombre eran unos raperos que armonizaban de la leche y sus raps eran básicamente cantados o casi. Buscad en YouTube "That Crossroads" y flipareis.

Aquí junto a la Carey están Wish Bone y Krayzie Bone que cantan sus raps y hacen armonías junto a los coros de Mariah.

Una cosa que los créditos del librillo del disco deja claro que TODAS las letras son de Mariah y que la música es de ella y de quien se tercie en cada momento.

Es uno de los acercamientos más directos de Mariah hacia la comunidad negra hasta la fecha. Estos pavos son el único grupo que llegaron a grabar junto a 2pac, Notorious BIG y Eazy-E de los N.W.A. Son parte de la realeza del rap americano y colaborar con ellos era ser aceptado por su mundo.

Hay bastante de "susurreo" y ella imita las melodías que ellos solían hacer. El tema va sobre reponerse a una ruptura y esas cosas. En el video sale guapa (vaya novedad) pero bastante diferente a su estilo.

Es un buen tema de disco pero no destaca en exceso comparado con las mejores del álbum.

Fue el cuarto single editado aunque también de manera promocional y no tuvo casi repercusión.

7,5

07 - BABYDOLL

Letra de Mariah y Missy Elliot, música de Mariah, Steve Jordan y Cory Rooney y producción de Mariah y Rooney.

Es una especie de "Fourth Of July Part 2", aunque es superior. Mucho susurro, ritmo lentorro y con cierto vicio y repetir y repetir. "Quiero ser tu muñequita" canta aquí la muchacha y tu quieres que decore tu habitación, tu cama, tu vida, etc...

Canta que se encuentra en la habitación de su hotel, dispuesta a dormirse pero que le da por pensar en su chico y se pone tontona, toma vino para sacárselo de la cabeza pero no funciona; solo piensa en ser su muñequita y ser abrazada fuerte durante toda la noche.

Voy a refrescarme un poco...

Es ideal para tenerla de fondo mientras yaces acompañado pero 2 veces seguidas quizás sea demasiado.

Bien como relleno pero no un "highlight". Le sobra 1 minuto entero.

7

08 - CLOSE MY EYES

Carey & Afanasieff again, y'all!

El disco es bastante lento, muuuuucho susurro, muy y mucho amoroso y con cierta falta de memorabilidad en las melodías.

"Close My Eyes" es un buen ejemplo de todo ello; es agradable al oido pero no pasará a la historia.

Entre el trio "Fourth of July", "Babydoll" y Close my eyes" solo debería haber espacio para 1 y me quedo con "Babydoll".

6,5

09 - WHENEVER YOU CALL

Funcionan mejor cuando el material es más clásico. Quizás el fin de trabajar juntos vino por ahí, no sé...

Aquí estamos ante una melodía mucho más estable y defendida excelentemente. Afanasieff le regala una base preciosa sobre la que colocar esa voz que vuelve a desplegarse en toda su extensión.

Sabían que habían creado un gran tema y por eso en el siguiente proyecto, el recopilatorio "#1's" la volvieron a meter pero convirtiéndola en duo junto a Brian McKnight en una sabia decisión que mejoró la canción hasta hacerla casi casi perfecta. Este es el duo que tendría que haber estado en "Butterfly" y no el que si se quedó que no tenía demasiada lógica.

La versión de Mariah sola es un 8,5 con Brian es un 9,5. Sus voces juntas son la bomba.

8,5

10 - FLY AWAY (Butterfly Reprise)

No entiendo muy bien esto. Según he leído por ahí este es el germen de la canción "Butterfly", porque Mariah tenía la idea de hacer un tema un tanto dance pero luego le salió una letra bastante más profunda de lo esperado y la transformó en la balada intimista que conocemos.

Pero aún así decidió llamar a David Morales, un Dj y productor neoyorkino con el que ha trabajado en varias ocasiones y que a mi no me gusta nada. Sus remixes para Michael Jackson son bastante aburridos.

También ha currado para Janet Jackson, Backstreet Boys, Madonna, U2, Britney Spears, Cher o Pet Shop Boys entre muchos otros.

El álbum, salvo "Whenever You Call" se viene abajo.

3

11 - THE BEAUTIFUL ONES (featuring Dru Hill)

Si, esta "The Beautiful Ones" es esa "The Beautiful Ones", esa que Prince grabó para "Purple Rain" y en donde se dejaba el alma cantando a su deseada.

No se de quien fue la idea de grabar esta cover, que además han transformado en un duo sin química. Sisqo era la voz principal del grupo de r&b Dru Hill, que tuvieron 3 o 4 éxitos entre el 96 y el 97. Aquí están todos junto a ella haciendo coros en una recreación de la canción que no funciona. Es una producción de Cory Rooney que supongo que también tocó toda la música ya que los créditos del disco no dicen nada de nada.

Se que en las memorias de Mariah habla sobre Prince y su amistad pero ahora mismo no recuerdo si menciona el tema o de porque se decidió a grabarla.

Son 7 minutazos que hacen todavía más cuesta arriba aguantar el disco.

6,5

12 - OUTSIDE

Y para cerrar el disco tenemos la última de las colaboraciones junto a Walter Afanasieff; "Outside", aunque aquí también está Rooney para unirse al meollo.

Es una letra mucho más profunda de lo que la melodía indica, el hecho de sentirse fuera, apartada, de no encajar,...

Es el tema donde más músicos e instrumentos "reales" aparecen; batería, bajo, guitarra y piano. Tiene un bonito sonido y ciertos toques que terminarían lógicamente en el gospel pero que no se adentra en él.

Nuevamente es un tema que ya ha sonado y que volverá a sonar en su discografía.

7

NOTA FINAL: 7,3 (Bien alto).

El cambio de estilo no termina de ser total y se queda a medio camino; hay hip hop, hay rap, hay un poco de pop, hay mucho susurro y temas demasiado lentos y con una finalización justita. Hay un evidente desequilibrio entre lo bueno y lo menos bueno y lo peor de todo es que el disco va perdiendo interés conforme van pasando las canciones.

Tenemos 3 grandes canciones en "My All", "The Roof" y "Whenever You Call" a las que les puedes sumar "Honey", "Butterfly", "Breakdown" y "Outside" y ahí tendríamos algo solido de verdad pero el resto (5 de 12) bajan mucho la nota y tan sólo ofrecen pinceladas.

Ella buscaba libertad creativa para hacer lo que deseaba y viendo que después de eso ha continuado haciendo básicamente lo mismo se puede decir que "ole por ella" porque hace lo que siente y le gusta, pero creo que debe haber ciertas concesiones comerciales cuando has vendido mas de 100 millones de discos en tu carrera. Siempre manteniendo esa identidad propia y gusto por lo que haces.

En 1999 volvería con "Rainbow" que lo encuentro en muchos sentidos una copia de este; tenemos un primer single movido ("Honey/Heartbreaker"), tenemos una gran balada clásica ("My All/After Tonight), tenemos un cover de un artista de los 80 (Prince/Phil Collins), tenemos un duo con un cantante negro de éxito del momento (McKnight/Usher) y tenemos muchos temas insustanciales con mucho piano y mucho susurro.

En 2001 vendría la hecatombe personal ("Glitter") no me parece tan malo como disco y habría que esperar su resurgimiento en las listas en 2005 con un pelotazo tremendo como fue "We Belong Toghether".

Bobby Brown "Bobby - Crítica

 

Nos encontramos ante otra efeméride musical importante (al menos para mi); se cumplen 30 años del lanzamiento del Lp "Bobby" de Bobby Brown y como es uno de mis discos favoritos (Top-30 sin duda) pues es una buena excusa para hablaros un poco de él y dar MI crítica.

Pero como siempre empecemos primero a hablar de quien es el protagonista y un poco de lo que rodeaba musicalmente al disco en su salida a la venta.

Para el gran público Bobby Brown fue el marido de Whitney Houston. Estoy cansado de leer en la prensa de nuestro país que cuando se han tenido que referir a él (hablando sobre la relación que mantuvieron) se refieren a él como "el rapero Bobby Brown". Así es el conocimiento musical de ciertos periodistas que luego te alaban sin problemas a otros "artistas" mucho menos importantes o impactantes de lo que fue Bobby Brown en su "prime".

Otros, normalmente los fans de Whitney, le han culpado de ser la mala influencia que metió a la Diva de New Jersey en el mundo de las drogas y que lamentablemente terminaría con su vida antes de tiempo. Pero no; Bobby no metió a Whitney en las drogas, aunque está claro que no fue un apoyo positivo para ella. (Ni ella para él).

Bobby Brown comenzó siendo parte de ese super grupo que eran los New Edition, la versión primera de Maurice Starr que, una vez que se les fueran los chicos, probaría con otros 5 jóvenes -blancos- con los que lograría un éxito incluso mayor; unos tal New Kids On The Block. Ambas formaciones vienen de barrios vecinos de la ciudad de Boston.

Los New Edition fueron fundados en 1979 y Bobby estaría con ellos hasta 1985 con los que grabaría 3 álbumes. Cuando dejó el grupo, con 16 años, era para embarcarse en una carrera en solitario. Primero llegaría "King Of Stage" en 1986 que no obtendría buenos resultados (#88 en el Billboard) pero que si tendría un número 1 en la lista r&b con el single "Girlfriend".

Año y medio más tarde, en junio de 1988, saldría su segundo álbum titulado "Don't Be Cruel", que a pesar de tener un lento despegar en las listas acabaría siendo un pelotazo tremendo con más de 8 millones de copias en los Estados Unidos y con sus 5 singles en el Top-10 americano.

Ahora que veo en Wikipedia que "Don't Be Cruel" vendió 50.000 copias en España, me pregunto que cantante negro (a parte de Michael Jackson o Prince) había vendido 50.000 copias en España... y eso que era rapero...

El idilio de Brown con las listas de éxitos se extendería con el tema "On Our Own" para la banda sonora de la segunda parte de "Cazafantasmas" en 1989 al que Prince y Richard Marx impidieron ser #1. Posición que si lograría alcanzar medio año después junto a Glenn Medeiros en el duo "She Ain't Worth It". (Si; Glenn Medeiros es el de "Nada Cambiará Mi Amor Por Ti").

Por lo que entramos en la década de los 90 con Bobby Brown como valor seguro pero... volvemos a Whitney Houston.

En la entrega de premios de Soul Train del año 1989 ambos se conocen en el backstage. Whitney es parte de la realeza del pop a pesar de llevar 5 años de carrera pero ese noche incomprensiblemente recibe una enorme pitada por parte del público asistente ya que consideran que era "demasiado blanca y demasiado pop" y que era poco comprometida con su raza... 

Meses antes en los American Music Awards George Michael se convertía en el primer cantante blanco en ganar el premio de mejor cantante de soul/r&b derrotando a Michael Jackson, lo que para algunos críticos negros era el "blanqueamiento de la radio negra" y que tenía en nombres como el propio George Michael, los New Kids On The Block, Michael Bolton, Taylor Dayne o Kenny G, en artistas blancos que eran metidos con calzador en las radios de música negra, pero que al revés era muy complicado.

Con esto no quiero decir que para Whitney Houston, Bobby Brown era una especie de llave para estar de vuelta con "su gente" y ganar autenticidad, pero lo cierto es que tras su noviazgo y posterior boda, la música de Whitney se "blanqueó" todavía más (recordemos que versionó a Dolly Parton) y protagonizó una película donde se enamoraba de un hombre blanco e interpretaba a una artista que no era ni blanca ni negra, si no universal, que de hecho era su posición en el mundo del disco.

Todo esto que he contado es algo de lo que se ha hablado durante mucho tiempo, no es algo que necesariamente comparta. En lo que no creo es en eso de la "apropiación cultural".

Al final Bobby y Whitney comenzaron a salir, y Bobby se puso a grabar lo que sería su tercer álbum, que saldría 3 semanas después de la boda (eh! coincidió así, coño!).

Y con todo eso... nos esperaríamos un tremendo éxito en las listas, no? Pues fue un éxito pero no el esperado. Tuvo que luchar con los discos de Billy Ray Cyrus y Garth Brooks en lo que fue el año del country-pop...

Ahora si; toca hablar de la música de "Bobby".

01 - HUMPIN' AROUND (Prelude)

02 - HUMPIN' AROUND

La principal diferencia entre el primer disco y el segundo fueron las producciones. Los temas podían ser más o menos aceptables pero el sonido debía ser el preciso, el deseado, el que diera a este artista su sello. Era algo que Bobby tuvo claro cuando se puso a trabajar en "Don't Be Cruel" y que fue determinante para su éxito. Babyface compuso 4 de los 9 temas (los otros 2 eran un "prelude" y un "reprise", también suyos) y estaba comenzando a convertirse en el compositor/productor que sería durante toda la década posterior.

Aquí aún trabajaba junto a L.A.Reid y Daryl Simmons, formando un trio potente que componía, tocaba, producía y mezclaba sus canciones.

Por otra parte estaba Teddy Riley, que en "Don't Be Cruel" fue determinante cuando mezcló el tema "My Prerogative" que fue el primer #1 de Bobby Brown (y el único) en la lista pop y que es considerado por muchos como el primer tema de "New Jack Swing" de la historia. Este estilo de música tenía a Teddy Riley como creador y se basaba en piezas instrumentales realmente potentes con mucho ritmo y a la vez con estribillos muy pegadizos. Hay quien veía en ella una vuelta a "más negro" en el sonido de Michael Jackson... y quizás por ello Riley fue llamado para ocupar el lugar de Quincy Jones y producir el "Dangerous".

Por lo que Bobby tuvo claro que Babyface y Riley serían productores de su nuevo disco.

Lo malo, por así decirlo, es que el "New Jack Swing" tuvo su pico en 1991. Muchos dicen que si Michael Jackson hubiera editado "Dangerous" medio año antes (lo hizo en noviembre del 91) hubiera barrido en las listas durante meses. Por lo que cuando el álbum "Bobby" salió en verano de 1992 ese estilo estaba ya de bajón.

Aún así el comienzo fue prometedor; "Humpin' Around" apareció como single de adelanto un mes antes del disco y nos encontramos con, quizás, el tema más fuerte y movido del catálogo de Babyface como compositor y productor. Antes de ese tema todo el mundo tendría claro que Teddy Riley y Jimmy Jam & Terry Lewis estarían por encima en cuanto al funk sobre Babyface, pero esta composición puso en serias dudas a muchos.

Se escuchan unos breves segundos de ese "preludio" que Babyface creó para "Don't Be Cruel" pero es cortado abruptamente y comienza sonar un ritmo machacón y muy potente. La letra del tema, que originalmente dicen que se titulaba "Fuckin' Around", habla de "salte de encima mío, nadie está "jorobando" por ahí, no importa lo que digan". Básicamente es Bobby Brown cantándole a Whitney que lo de Janet Jackson u otras tantas otras no es verdad.

Hay cierto aire a "Rhythm Nation" de Janet Jackson, sobre todo en ese ritmo fuerte y ese coro que parece gritado.

Hay 2 cortes para rap, uno de ellos del propio Bobby (que para eso era rapero) y el otro para Stylz. El tema repite hasta la saciedad el estribillo y dura más de 6 minutos con lo que te da para bailar, porque en 1992 la música negra aún se bailaba.

En el video de la canción aparece Bobby Brown con un grupo de baile en un decorado y con coreografías con alguna semejanza con Janet Jackson. (Bobby por cierto era un fantástico bailarín).

El single debutaba en el Hot 100 de Billboard en el puesto 39 como el debut más importante de la semana el 8 de agosto. La semana siguiente había subido al 15 y en la tercera al 11. Luego al 4 y finalmente al 3 donde estuvo un par de semanas. En el número 1 estaba "End Of The Road" de los Boyz II Men que también compuso Babyface y que batiría el record con más semanas en el #1... hasta que llegara Whitney con ese cover de Dolly Parton.

Si sería #1 tanto en la lista de r&b como en la de dance. Y en Australia o Bélgica. Por otro lado pinchaba en el Reino Unido quedándose en el #19. Y fue #5 en España! Nada mal para un desconocido...

Recibiría una nominación en los premios Grammy como mejor interpretación masculina de r&b, dejando claro que Brown estaba brillante en el tema.

La canción es buena. muy buena pero está un pequeño peldaño por debajo de las mejores de Bobby Brown. Aún así es un temazo.

8,5

03 - TWO CAN PLAY THAT GAME

La transición entre el primer tema y el que se sigue es absolutamente genial. Nos encontramos con 2 pedazo de productores en su mejor momento. Si el primer tema era potente y movido este estaba unos beats por debajo pero la pura magia de la producción de Riley lo pone a la altura. 

Los soniditos de Riley le dejan una cama perfecta para que Brown se luzca en un tono menor al anterior, siendo acompañado por un cuerpo vocal que apoya pero que no pisa su terreno. Las producciones de Riley suenan un poco más libres pero más "cuadradas" que en el "Dangerous" de Michael Jackson. Vemos aquí cosas de "She Drives Me Wild" con una percusión machacona con curiosos elementos sonoros, unos coros similares pero no tan femeninos como los cantaba Jackson y un break con un rap absolutamente fabuloso por parte de Brown. 

El corte dura 5 minutos clavados con 1 minuto y medio finales repitiendo el estribillo y con Bobby con cánticos que los coros repiten. Nuevamente es un temazo.

Aparecería en 1994 en forma de remix en el álbum "Two Can Play That Game", que estaba formado por precisamente remixes. Fue un éxito en varios mercados europeos que empezaban a darle fuerte a estos ritmos machacones. #3 en el Reino Unido y single de platino. Aún así me quedo con la versión original.

9,5

04 - GET AWAY

Y nuevamente Teddy Riley dándonos de lo bueno. Si este tema hubiera seguido a "Humpin' Around" nos hubiéramos hecho popó encima porque suenan atronadores y aquí, aunque Brown te diga que "debe desaparecer para encontrar paz en su mente", si te dice que te va a quitar el bocadillo tu se lo das y encima le pagas una coca-cola. 

La base instrumental es mega burra. Si no te mueves con esto es que tal vez es que estés muñeco ya.

Un coro que te va repitiendo constantemente "I got to get away" mientras Brown se pasea por encima con una voz que pasa de lo suave a casi rasgarla del todo te va llevando a donde quiere.

Nuevamente hay un break con un rap del propio Bobby y mientras va soltando su rollo la música tiene un cambio brutal que parece que se acerque una tormenta (de ritmo) y finalmente explota volviendo al estribillo subiendo un poco la urgencia en las voces. Algo parecido pero sin la absoluta perfección de lo que hicieron en "In The Closet" Jackson y el propio Riley.

Entre las voces del coro vamos escuchando a un tío que va haciendo burradas de fondo. Ese es Levon Little que era miembro originario del grupo "Blackstreet" de Riley que en 1994 tendrían su debut.

Otra vez es un tema de mas de 5 minutos y si es cierto que son muchas las veces que escuchamos los estribillos y el de esta no es tan imaginativo pero es el ritmo el protagonista.

Fue el tercer y último single de Bobby Brown en colarse en el Top-40 en USA. Este fue #14 en pop, #3 en r&b y número 1 en dance.

8

05 - TIL THE END OF TIME

Es que Teddy Riley era muy bueno... y aquí lo vuelve a demostrar y otra vez nos encontramos en que Bobby Brown se encuentra más cómodo en registros menos "urgentes", algo en lo que Jackson se movía con extrema facilidad.

Es una especie de canción de amor a medio tiempo con unos bonitos coros en forma de olas y con Riley en el "vocoder" haciendo de las suyas dándonos esas voces de apoyo casi robóticas. Otra vez le deja a Brown una base para que se lo maneje a su antojo y otra vez Bobby está brillante y suena convincente.

Tras los pelotazos rítmicos de las anteriores esta parece más lenta de lo que realmente es pero eso para ir preparando el momento que se avecina...

9

06 - GOOD ENOUGH

Vuelve Babyface y lo hace dándole una composición que bien podría haber se convertido en un tema capital para el r&b de los años 90. "Good Enough" es una sensacional revisión llevada a los años 90 de temas como "Roni" o "Rock With'cha" de su anterior álbum.

Entró en la lista pop de Billboard en el puesto 51 como segunda entrada más fuerte de la semana (tras el "Erótica" de Madonna que lo hizo en el #15). La segunda semana era el tema que más había subido en "air play" y se colocaba en el 33. Luego al 24, 20, 12, 11, 10, 8, otra vez 8, 8 nuevamente... y finalmente #7 como pico, en el momento en el que el número 1 era para Whitney Houston con el "I Will Always Love You". Fue single de oro por vender 500.000 copias pero para mi es poco premio porque es una canción mucho mejor que algunas que estuvieron más arriba.

El sonido era elegante, con todos los instrumentos tocados por Babyface y Daryl Simmons y poseía un tempo muy sugerente que acompañaba a la letra de la canción que siempre estaba en la linea, sin pasarse a pesar de ser calentorra. En los coros además de Babyface y Emmanuel Officer (hombre de su confianza) nos encontramos con nada más y nada menos que Chanté Moore y la mismísima Whitney Houston.

Y Brown que vuelve a sonar muy bien, además en su punto justo entre perfecto seductor y un Casanova de barra de bar.

9,5

07 - PRETTY LITTLE GIRL

Babyface y Riley se reparten los 10 primeros temas del álbum, que es donde está la buena mierda. Riley se queda con 7 y Babyface con 3, pero los 2 singles más exitosos del disco son suyos. Esos 10 temas estaño grabados en Atlanta (las producciones de Face) y en Virginia (las de Riley). Las otras 3, las que sobran, también están grabadas en Atlanta aunque Babyface no tenga nada que ver con ellas.

Aquí Babyface repite tema y nos encontramos con uno de mis favoritos del disco, y eso que no es en principio de los destacados porque no fue ni single ni ha recibido demasiadas alabanzas, pero a mi me gustó siempre, desde el primer momento.

Otro nuevo medio tiempo (aquí lento no hay casi nada) para un tema donde Brown canta sobre encontrar a alguien que le llene del todo, no solo que le entre por los ojos. Hablar, comunicarse, que estimule tu mente,...

Aquí en los brillantes "background vocals" nos encontramos a Debra Killings y el ex-compañero en los New Edition Ricky Bell (el mejor cantante del grupo, que me perdone Johnny Gill).

En este tema Bobby comienza cantando suave y va subiendo en intensidad y pasión hasta acabar con esas características raspadas voces cuando subía más de lo debido. Pero me encanta toda esa chaladura del bueno de Bobby.

Sé que no es tan bueno como otros pero me gusta mucho.

9

08 - LOVIN' YOU DOWN

Nos han ido preparando bajando un poco la intensidad del ritmo y de la luz para llegar a un momento más íntimo y finalmente Riley nos da una balada aunque sea con bastante ritmo.

En la canción Bobby fantasea recordando la noche anterior que pasó con la chica y como el tiempo pasa poco a poco mientras espera a volverla a ver y vuelve a fantasear en como la amará cuando la vuelva a pillar y la ponga mirando para Massachusetts...

Los coros suenan tan bonito cuando cantan lo de "Lovin' you down, lovin' you down, takin' you higher"...

Sin duda es un buen tema para ponerte de fondo si estás en faena.

8

09 - ONE MORE NIGHT

Es el corte más largo del disco con casi 6 minutos y medio y entiendo que no a todo el mundo le guste pero para mi Teddy Riley entre 1990 y 1996 estaba de fiesta tras los cacharros del estudio y creaba unas bases que eran una locura.

Esta es bastante repetitiva y no tiene la más memorable melodía y cuando crees que no puedes aguantar más el mismo ritmo Teddy te cambia el rollo y Brown recita sobre una especie de cántico que te recuerda a los juegos de niños.

Hay unos teclados geniales pero le falta un poco de inventiva.

7,5

10 - SOMETHING IN COMMON (Duet with Whitney Houston)

Si ella se ofreció a hacer coros, ¿cómo ibas a decirle que no a grabar un duo? ¿estamos locos?

Aquí los recién casados se cantan uno al otro entre arrumacos pero con un ritmo a medio tiempo, no sea que acabe todo sonando demasiado azucarado. El tema suena agradable y divertido pero en ningún momento suena romántico o amoroso.

Es una muestra de que Bobby está brillante cantando en su disco, sonando genial, pero cuando entra Whitney y canta sin absolutamente ningún esfuerzo su esfuerzo y saca el papo a que le de el aire un poquito en el estribillo te das cuenta de que jugaban en 2 ligas distintas.

Bobby cantaba y bailaba, era un personaje sobre escena, pero Whitney era Whitney.

Por alguna razón que desconozco (quizás por prohibición de la discográfica de Houston), el tema no fue editado en single en USA y sólo tuvo algo de "air play" que le hizo llegar al #2 en la lista dance. En el Reino Unido fue #16.

Desperdiciaron la posibilidad de obtener un single potencialmente exitoso. Grabaron un video juntos también.

No es ni de lejos el mejor duo de la historia pero al menos no es el peor del disco...

8

11 - THAT'S THE WAY LOVE IS

Para terminar con la participación de Riley en el álbum nos encontramos con esta joya titulada "That's The Way Love Is" que casi se guarda lo mejor para el final. Es una especie de "Remember The Time" en cuanto a que en principio es un buen tema pero una vez terminado te lo vuelves a poner y luego una y otra vez y acabas dándote cuenta de que te tiene pillado por los cataplines y que no te va a soltar.

Otra vez el ritmo del tema es absurdamente enganchoso, sólo escuchar la trabajada percusión estás pillado, luego a eso le vas sumando esos buenos coros que contaban con Levon Little (antes nombrado), con Chauncey Hannibal (otro de los "Backstreet"), el propio Riley o Bernard Belle que compuso la mencionada "Remember The Time".

Aquí el rap lo protagoniza Aqil Davidson, del grupo "Wrecks-N-Effect", que también cantó el rap en "She Drives Me Wild" de Michael Jackson.

Bobby Brown está otra vez solvente en su parte. Se puede decir que los temas de Riley tienen todos un sonido y una estructura muy parecida y que la diferencia entre los temas de "Dangerous" y "Bobby" está en el solista en hacerlos suyos. Como en el caso de Whitney, Michael y Bobby estaban en 2 peldaños distintos pero aún así él se curra mucho su parte para hacerla creíble y siempre acaba sonando molón y realista, aunque a veces le falte salidas más variadas.

Fue el cuarto single del disco y tuvo más éxito como remix en el recopilatorio posterior que en su momento en 1993. Llegó al puesto 57 en pop y se quedó en el 9 en r&b. Cosa rara.

9,5

Y se podría decir que el disco acaba aquí, o mejor dicho que bien podría haber acabado aquí porque los 3 temas que vienen bajan mucho la nota de las 10 primeras.

12 - COLLEGE GIRL

Si para algunos el "New Jack Swing" en 1992 estaba ya lejos de sonar a lo más fresco, "College Girl" no podía estar más alejado de lo que se consideraba "hip" en ese momento en el que la música negra estaba comenzando a cambiar (para peor).

Este tema es puro mediados de los 80, ese sweet pop soul que tuvo su momento, incluso en las listas de pop que llegaban a aceptar este sonido menos agresivo y más cercano para el público blanco.

Esta compuesta y producida por el propio Bobby Brown (ya sabemos que esto suele pasar cuando los artistas pueden meter mano en la composición de los temas para hacer más pasta) junto a Derek Allen, uno de esos artistas que son capaces de todo en un estudio pero que no tiene el talento suficiente para hacer algo realmente grande.

Incluso meten un "sexy" saxophone... En fin...

4,5

13 - STORM AWAY

Aquí Bobby se acompaña de un tal Dennis Austin del que no sé absolutamente nada. Cero. Su labor es la misma de Allen en la anterior; arreglarle la composición a Bobby y así nos llevamos unos dólares en royalties por meter un par de temas en un disco que va a vender si o si.

Aquí vuelven a meter un saxo. En una está tocado por Daniel Lamelle y en esta por Danny Lamile... pero apuesto a que son el mismo pavo, jaja.

No sé si la tormenta se aleja o lo que se aleja ha sido la buena música.

4,5

14 - I'M YOUR FRIEND (Duet with Debra Winans)

Ya dije que el duo con Whitney no era el peor del disco. Es este y eso que Debra Winans es parte de esa familia de auténticas gargantas de oro pero ni con esas...

Lo jodido es que aquí Bobby no está acreditado en ninguna parte y es que el tema es de la propia Debra, que además lo produce y además cuentan entre los músicos de sesión con algunos de los mejores de la historia; Paul Jackson Jr, Nathan East o Ricky Lawson. A los coros les acompañan el resto de la familia, por lo que, al menos el sonido es de 10, aunque el tema no te enganche en ningún momento porque su melodía es olvidable.

Al menos no hay saxo, pero si parte hablada diciendo lo amigos que son uno del otro...

Suena a 80's y Bobby pierde gran parte de su "mojo" para sonar demasiado clásico.

6

NOTA FINAL : 7,80 (Notable)

Lástima de las últimas 3 canciones porque penalizan mucho al disco que podría haber obtenido una nota mucho más alta. "Bobby" es básicamente un álbum de "New Jack Swing" al 100% con 3 protagonistas; uno el propio Bobby Brown con su personalidad chulesca y vacilona que no se va a echar atrás (quizás un pelín cuando canta Whitney) y luego están esos 2 creadores estrella que eran Babyface y Teddy Riley en ese momento. Ambos en el pico de su arte, aunque si que es verdad que Babyface tendría un resto de década con unos tempos más relajados y sonando más acústico.

Para que "Bobby" fuera absolutamente rotundo yo le quitaría esas 3 últimas que no pintan nada con el resto del proyecto y cambiaria una de las de Teddy por una balada más propiamente dicha de Babyface, algo que si sonara a amor de verdad. Así tendríamos 10 temas en un disco más corto (este dura 71 minutos) y mucho más equilibrado.

Como paso lógico tras "Don't Be Cruel" me parece acertado; Bobby Brown era principalmente un artista que su mayor atractivo era por un lado sus temas rápidos donde además de cantar podía bailar, porque lo hacía genial, y por otro esos temas románticos donde te seducía a la chavala de turno. Pero también es cierto de que no puedes quedarte en el mismo papel todo el tiempo y que debes evolucionar dando algo más y eso fue lo que acabó -entre otras cosas malas- por joder la carrera de Bobby, que pasó de ser el joven más prometedor de la música negra en 1989 a casi desaparecer un lustro después.

Lo que está claro es que a pesar de su mala cabeza, sus vicios e idas de olla, Bobby Brown en su "prime" era superior a lo que fue Usher 10 años después, que es el artista al que más se asemeja.

La Canción De La Semana "Aequilibrium" Andrey Vinogradov

 

Este pasado mes de agosto, estando de vacaciones y tratando de evitar en la medida de lo posible el maldito calor, he estado visitando varios museos y lugares destacados de la ciudad de Barcelona.

Uno de ellos es el Museu De La Música De Barcelona, que se encuentra justo en el edificio de l'Auditori.

Básicamente se trata de un piso entero del edificio donde se encuentran cientos y cientos de instrumentos, de varias épocas y lugares del mundo y hubieron varios instrumentos (que desconocía totalmente) que una vez en casa busqué para ver, o mejor dicho ir, como sonaban.

El "Hurdy-Gurdy" (o zanfoña) fue uno de ellos. Es una especie de violín mecánico que lleva incorporada una manivela pero su sonido parece que represente a una pequeña orquesta.

Y buscando temas con este peculiar instrumento di con este músico llamado Andrey Vinogradov, nacido en Ekaterimburgo en 1959 y que es todo un maestro con la zanfoña.

Uno de sus temas me ha dejado especialmente impactado y sé que lo he escuchado anteriormente pero no consigo recordar dónde o cuándo. 

El origen de este instrumento data aproximadamente del siglo XII y está muy extendido en la música medieval europea, tanto en la religiosa como en la pagana.

La canción "Aequilibrium" es la elegida esta semana.

Feliz semana, feliz escucha.

"AEQUILIBRIUM"

Andrey Vinogradov

"El Poder Del Cómic: Cuando Charlie Conoció A Franklin"

 

Ayer un amigo mío colgado esta preciosa historia en su cuenta de Facebook y hoy os la comparto a vosotros por aquí porque merece muchísimo la pena. Habla sobre el poder del cambio, esta vez centrada en un cómic, pero que tiene un inmenso calado en la sociedad y posibilita que esta cambie.

"Peanuts" es una célebre tira cómica de Charles M. Schulz creada en 1950 y que fue publicada en más de 2600 periódicos por todo el mundo con más de 335 millones de lectores y traducida a más de 40 idiomas.

El texto siguiente cuenta una bella historia. Disfrutadla.

El poder del Comic

El día de ayer pero de otro año específicamente el 31 de julio de 1968, un joven de color estaba leyendo el periódico cuando vio algo que nunca antes había visto. Con lágrimas en los ojos, empezó a correr y a gritar por toda la casa, llamando a su madre. Al mostrarle el periódico su madre, ella no podía respirar al ver algo que creía que nunca vería en su vida.

En toda la nación, hubo reacciones similares.

Lo que vieron fue la primera aparición de Franklin Armstrong en la icónica tira cómica "Peanuts". Franklin cumpliría 50 años este año.

Franklin "nació" después de que una maestra de escuela, Harriet Glickman, escribiera una carta al creador Charles M. Schulz después de que el Dr. Martin Luther King, Jr. fuera asesinado a tiros frente a su habitación de hotel en Memphis.

Glickman, que tenía sus propios hijos y había trabajado con niños, era especialmente consciente del poder de los cómics entre los jóvenes.

"En aquel momento me di cuenta de que los niños de color y los blancos nunca se veían [representados] juntos en las aulas", decía.

Escribía: "Desde la muerte de Martin Luther King, 'me he preguntado qué puedo hacer para ayudar a cambiar las condiciones de nuestra sociedad que condujeron al asesinato y que contribuyen al vasto mar de incomprensión, odio, miedo y violencia'".

Glickman preguntó a Schulz si podía considerar la posibilidad de añadir un personaje de color a su popular tira cómica, que ella esperaba que uniera al país y mostrara a la gente de color que no está excluida de la sociedad estadounidense.

También había escrito a otros, pero los demás temían que fuera demasiado pronto, que pudiera ser costoso para sus carreras, que el sindicato los abandonara si se atrevían a hacer algo así.

Charles Schulz no tenía que responder a su carta, podría haberla ignorado por completo y todo el mundo se habría olvidado de ella. Pero, Schulz sí se tomó el tiempo de responder, diciendo que estaba intrigado con la idea, pero que no estaba seguro de si sería correcto, viniendo de él, no quería empeorar las cosas, sentía que podía sonar condescendiente para la gente de color.

Glickman no se dio por vencido y continuó comunicándose con Schulz, quien sorprendentemente respondía cada vez. Incluso pidió a sus amigos que escribieran a Schulz para explicarle lo que significaría para ellos y le dio algunas sugerencias sobre cómo introducir un personaje así sin ofender a nadie.

Esta conversación continuaría hasta que un día, Schulz le diría a Glickman que revisara su periódico el 31 de julio de 1968.

En esa fecha, el dibujo animado, tal y como fue creado por Schulz, muestra a Charlie Brown conociendo a un nuevo personaje, llamado Franklin. Aparte de su color, Franklin era un niño normal y corriente que se hace amigo y ayuda a Charlie Brown. Franklin también menciona que su padre estaba "en Vietnam". Al final de la serie, que duró tres tiras, Charlie invita a Franklin a pasar la noche un día para que puedan continuar su amistad.

Me pareció una buena introducción de Franklin al resto del mundo: "Estoy muy contento de conocerte".

No hubo un gran anuncio, no hubo nada importante, fue sólo una conversación natural entre dos niños, cuyas diferencias obvias no les importaban.

Y, el hecho de que el padre de Franklin estuviera luchando por ese país fue también una declaración muy fuerte de Schulz.

Aunque Schulz nunca hizo un gran escándalo por la inclusión de Franklin, hubo muchos fans, especialmente en el Sur, que se molestaron mucho por ello y eso fue noticia nacional.

Un editor sureño llegó a decir: "No me importa que tengas un personaje de color (lo puso en un tono más despectivo, pero FB nos cierra si lo pongo), pero por favor no los muestres juntos en la escuela".

Esto acabaría provocando una conversación entre Schulz y el presidente de la distribuidora del cómic, que estaba preocupado por la introducción de Franklin y por cómo podría afectar a la popularidad de Schulz. Muchos periódicos de la época habían amenazado con cortar la tira.

La respuesta de Schulz: "Recuerdo que le conté a Larry en aquel momento lo de Franklin. Él quería que lo cambiara, y hablamos de ello durante un largo rato por teléfono, y finalmente suspiré y dije: "Bueno, Larry, pongámoslo así: O lo imprimes tal y como lo dibujo o renuncio. ¿Qué te parece?"

Con el tiempo, Franklin se convirtió en un personaje habitual de las tiras cómicas y, a pesar de las quejas, Franklin aparecía sentado frente a Peppermint Patty en la escuela y jugando en el centro del campo en su equipo de béisbol.

Más recientemente, Franklin sale a relucir en las redes sociales en la época de Acción de Gracias, cuando aparece el especial animado de 1973 "Un Día de Acción de Gracias de Charlie Brown". Algunas personas han culpado a Schulz por mostrar a Franklin sentado solo en la mesa de Acción de Gracias, mientras los otros personajes se sientan frente a él.

Pero, Schulz no tenía el mismo control sobre el dibujo animado en una cadena de televisión que el que tenía sobre su propia tira cómica en los periódicos.

Sin embargo, él tenía el control de su propio cómic y, con valentía, decidió hacer una declaración gracias a una valiente maestra de escuela que decidió hacer una simple pregunta.

Glickman explicaría más tarde que sus padres estaban "preocupados por los demás, y los valores que nos inculcaron sobre el cuidado y la apreciación de todos los colores y orígenes - esto es lo que sabíamos cuando crecíamos, que te preocupabas por los demás...".

Y así, durante esos años, éramos muy conscientes de los problemas de racismo y de derechos civiles en este país [cuando] las personas de color tenían que sentarse en la parte de atrás del autobús, los afroamericanos no podían sentarse en los mismos asientos en los restaurantes que tú...

Todos los días veía, o leía, sobre niños de color que intentaban entrar en la escuela y veían a multitudes de blancos de pie escupiéndoles o gritándoles... y las palizas y los perros y los hostigamientos y el coraje de tanta gente en esa época".

Gracias a Glickman, gracias a Schulz, la gente de todo el mundo conoció a un niño, llamado Franklin.

La Canción De La Semana "You Make Me Wanna..." Usher

 

Estamos a menos de 10 días de que esta canción cumpla 25 años de su edición. Como pasa el tiempo...

Usher Raymond no era nuevo cuando sacó "You Make Me Wanna...", ya había editado un álbum 3 años antes, exactamente el día de su 16 cumpleaños pero, y a pesar de la gente que intervenía en él (Puff Daddy, L.A. Reid, DeVante Swing o Donell Jones) el disco no tuvo una acogida demasiado importante (#167 en la lista de Billboard).

Un año antes también había aparecido un tema suyo, su debut, en la banda sonora de la película "Poetic Justice" con Janet Jackson y 2pac Shakur.

Pero para su segundo disco trabajó duro para conseguir un producto más llamativo. Esta vez se juntó con Jermaine Dupri que desde su bombazo con los Kris Kross en 1991 no había dejado de trabajar con nombres cada vez más importantes, Manuel Seal (colaborador de confianza de Dupri), capaz de hacer TODO en un estudio de grabación y también con la inestimable ayuda de Babyface que estaba en lo más alto de una década de éxito tras éxito.

Usher por su parte mejoró, no solo su voz, si no su físico (que no olvidemos que era/es y será fundamental para un artista cuyo target es eminentemente la gente joven) y sus maneras escénicas.

El 5 de agosto salía a la venta "You Make Me Wanna..." en un momento en el que el r&b estaba más "hip-hoptizado" que nunca con unos años de protagonismo total de varios raperos tipo 2pac o Notorious BIG. Usher devolvía un poco el buen rollo de la melodía, el estribillo y también esa estampa de cantante-bailarín que te seducía con su propuesta.

Tras el éxito de ese single y posterior álbum ("My Way"), Usher encadenaría 2 discos más con un éxito arrollador en los Estados Unidos aunque no terminaría de dar ese salto al resto del mundo. Aquí en España cuando alguna vez se refieren a él dicen "Usher el rapero", dejando clara el poco conocimiento de los que aquí hablan/escriben y también de esa explosión por su parte que nunca se dio del todo.

Su mejor momento ya pasó, digamos que dejó de ser "hip" a mitad de los 30 y es que el mundo del disco en USA es como es y pasas a ser viejo o a estar "demodé" en un abrir y cerrar de ojos. Curioso como se le ha dado mucha más pompa a un tipo como Justin Timberlake cuando este no llegó nunca a superar (ni igualar) los números de Usher. Será por...

"You Make Me Wanna..." se quedó a las puertas del número 1 en la lista pop de Billboard frenado por el "Candle In The Wind" de Sir Elton John que supo sacar tajada de la muerte de su amiga Lady Di. Usher aguantó 7 semanas en el segundo puesto incapaz de superar el tema tributo a la princesa.

Fue número 1 en la lista de R&b durante 11 semanas (récord en ese momento) y también fue número 1 en el Reino Unido. Fue Top-20 en países como Francia, Alemania o Noruega (dejando claro que Usher no tendría en esos territorios demasiada exposición).

Y esta semana (y mes) es la canción elegida... y de paso felicitamos a Usher por estos 25 años.

Feliz escucha, feliz semana.

"YOU MAKE ME WANNA..."

Usher

La Canción De La Semana "Go Your Own Way" Fleetwood Mac

 

He tardado 45 años y medio en descubrir el álbum "Rumours" de Fleetwood Mac, lo que significa 2 cosas; que he estado dando por sentado que quizás no me iba a gustar (error) y que, mirando la parte positiva, aún me queda buena música por disfrutar en mis pocos años de vida que me restan.

"Rumours" siempre estuvo ahí. Fleetwood Mac era un grupo que siempre era nombrado y el Lp era inamovible en las listas de álbumes más exitosos de todos los tiempos. De hecho es uno de los discos más vendidos de todos los tiempos, entre el 2 y el 5.

Siendo fan acérrimo de Michael Jackson siempre leía que anteriormente a "Off The Wall" hubo otro disco que logró colocar 4 singles en el Top-10 americano, y ese por supuesta era el "Rumours" de la banda.

Fue editado en febrero de 1977, cuando yo tenía 1 año de edad, y vendió su primer millón de copias en apenas un mes. Pasó 31 semanas en el número 1 del Billboard y ganó el premio Grammy al mejor álbum del año. En 1984 la RIAA certificó sus primeros 10 millones de copias en USA... y en 2014 los 20.

El descubrimiento de este disco (o re-descubrimiento) se lo debo a Sergio Mena, del (maravilloso y loco) podcast "El Descampao". Si no lo conocéis ya estáis tardando en ir a escucharlo. ¿De qué se trata? No es fácil decirlo ya que tan pronto te habla sobre discos puntales en la música, como de cine, como de vikingos o humor. Tiene de todo un poco pero todo bueno, muy bueno. Pocos hablan de música de esa forma tan amena, dedicada y apasionada como lo hace él. Es una pasada cuando te dice eso de "ahora entrará un cencerro por el lado izquierdo" y ese sonido de repente suena más claro que nunca, a pesar de que siempre estuvo ahí, ahora tú lo escuchas. Te enseña a fijarte en detalles que antes ni reparabas.

Pues bien; Sergio Mena y "los suyos" han hecho un doble episodio (casi 5 horas en total) hablando sobre, primero lo que rodeaba al momento del disco (ya fuera internamente o lo que pasaba musicalmente en ese tiempo) y luego a profundizar en cada uno de los temas que componen esta obra. Y el sábado ya que tuve que trabajar de manera obligada me escuché el doble especial del tirón y me maravillé con esa colección de canciones creadas por estos 5 integrantes y sus 2 productores asociados.

2 parejas/ex-parejas y uno que iba por libre (pero que también pilló cacho) que consumían cocaína como si fueran pipas y que se liaban a diestro y siniestro y que se hacían daño de forma rebuscada y con toda la mala leche, fueron aún así de, una vez puestos a crear y grabar, dejar que la música fuera la principal protagonista. Y el dinero que harían con ella también.

Mike Fleetwood y John McVie fundaron la banda en los últimos años 60. Pasarían por ella músicos importantes pero la formación principal y la más importante sería con la llegada al grupo de Lindsey Buckingham y Stevie Nicks (que habían sido pareja y duo, sin suerte en ambos campos) que con la entrada oficial de Christine McVie en 1970 forman el núcleo de la etapa más exitosa del grupo.

Tras 10 discos, llegaría el álbum "Fleetwood Mac" en 1975 que les llevaría al número 1 y finalmente en 1977 editaron el "Rumours".

Uno de los temas que más me gustan es este "Go Your Own Way" que es la elegida como canción de la semana (y mes). Para todo lo demás id a Ivoox y buscad "El Descampao" y sabréis por todo lo que tuvieron que pasar para crear este gran disco.

Feliz escucha, feliz semana.

"GO YOUR OWN WAY"

Fleetwood Mac

La Canción De La Semana "Una Sola Vez" Coque Malla

 

Estaba ayer noche haciendo zapping y acabé dando con Coque Malla que estaba siendo entrevistado (o lo sea lo que hace David Broncano) en "La Resistencia". Coque me cae bien, desde siempre. Me parecía que desde sus inicios pretendió hacer siempre lo que le daba la gana, ya con Los Ronaldos, buenas canciones con mucha cara y actitud. Tiene un buen puñado de grandes canciones.

Y ayer, desconozco si era actual o una reposición del programa, escuché lo que era su "nuevo" single, pero yendo a YouTuve veo que se estrenó en octubre del 2021... en fin, que pusieron un breve fragmento del clip de "Una Sola Vez" y luego él mismo cantó un trozo del tema a guitarra y me pareció que tenía una gran melodía.

Al acudir a escuchar el tema en su totalidad me reafirmo en que tiene una gran melodía, una buena letra y que se une a ese puñado de temas de Coque Malla que merecen estar en tu biblioteca musical.

Esta es la canción de la semana.

Feliz escucha, feliz semana.

"UNA SOLA VEZ"

Coque Malla